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1. O que é um produtor musical?

O papel do produtor musical

Resumindo, um produtor musical é a pessoa responsável por orientar e materializar músicas. É o profissional que ajuda o artista a obter o seu maior potencial através de sua música. Seu trabalho é destacar o que há de melhor no artista e criar um produto final.

Os diferentes tipos de produtores musicais

O trabalho de um produtor musical é orientar o artista durante o processo de gravação e ajudá-lo a transmitir o que deseja da melhor forma, fazendo pequenas alterações. Por exemplo, ele pode rearranjar algumas músicas, adicionar instrumentos, timbres, sempre buscando harmonia e identidade entre as diferentes sonoridades exploradas.

| Leia também: Qual é o papel de um produtor de shows?

A diferença entre um produtor musical e um engenheiro de áudio

Um engenheiro de áudio trabalha em um estúdio e conhece todos os detalhes sobre equipamento, microfones, gravação e tecnicidades em geral. Seu trabalho é preparar o estúdio para a gravação, checar os microfones depois de instalados e supervisionar o processo de gravação do ponto de vista técnico.

Um engenheiro de áudio não tem tanta influência nos aspectos criativos da produção quanto um produtor musical, mas ele sempre ouve o que o produtor musical tem a dizer e executa as tarefas para o produtor. Muitos engenheiros hoje em dia se tornaram produtores, por terem um conhecimento profundo sobre qualidade de som.

A ascensão do home studio

Muitas coisas mudaram no setor da produção musical nos últimos anos, e essas mudanças levaram a uma troca de funções no estúdio. Muitas pessoas estão produzindo e sendo engenheiros de áudio ao mesmo tempo, e a nomenclatura “produtor musical” não é mais tão precisa.

| Confira também: Como configurar o Ableton Live para o seu show?

2. As diferentes funções do produtor musical

Responsável pelo orçamento do projeto musical

Normalmente, o produtor musical negocia um orçamento com a gravadora do artista, ou negocia diretamente com o artista caso este não tenha uma gravadora ou um empresário financiando a produção.

Responsável por organizar as sessões de gravação

A respeito das sessões de gravação, cabe ao produtor reservar o tempo de estúdio. Isso terá de ser feito dentro de um orçamento e o estúdio de música escolhido dependerá do equipamento disponível em cada estúdio. Um bom produtor planejará e estará presente durante os ensaios e as sessões de gravação.

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Garante que uma música seja vendável

É por isso que ele se associa a um artista, pois existe uma chance muito maior de a gravadora obter um álbum que possa ser vendido. Um produtor musical bem-sucedido garante que o produto final seja comercialmente viável e atenda aos padrões do setor e, para isso, ele precisa conhecer sobre mercado musical.

Enxerga o potencial de uma música e o que precisa ser feito

O produtor musical também pode escolher os músicos mais adequados para a sua faixa. É nesse momento que o produtor musical se envolve no lado criativo das coisas.

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3. Que habilidades um produtor musical precisa ter?

Embora um bom profissional saiba um pouco de tudo, é importante que ele tenha uma base de habilidades técnicas, conhecimento musical e engenharia de áudio.

Tem uma formação musical

Como vimos anteriormente, um produtor musical geralmente está envolvido no lado criativo das coisas para garantir que a visão artística seja concretizada. Mas, para fazer isso, ele precisa ter um conhecimento básico de teoria musical e percepção.

Muitas vezes o produtor musical sabe tocar vários instrumentos e está familiarizado com arranjo musical e composição musical. Tem sensibilidade com boas melodias e reconhece artistas que têm uma forte identidade. Todas essas habilidades podem ser muito úteis e a musicalidade pode fazer a diferença.

Tem conhecimento sobre engenharia de áudio

Uma base de engenharia de áudio significa conhecer pelo menos os diferentes tipos de equipamentos de estúdio, tanto analógicos como digitais, e entender como a música é gravada, mixada e masterizada.

Ele precisa conhecer as técnicas básicas de gravação e produção, como “gravação multitrack”, “overdubbing”, “camadas”, “equalização” e “panning“, como trabalhar com um console de mixagem e manipular áudio e os diferentes plug-ins disponíveis, além de estar familiarizado com as diferentes estações de trabalho de áudio digital (DAW), como Ableton Live, Pro Tools, FL Studio, Logic Pro, Cubase. Ele também precisa conhecer vários sintetizadores, teclados MIDI, baterias eletrônicas… e efeitos sonoros como reverberação e delay. São pequenos detalhes que fazem a diferença, por exemplo, sabe qual o melhor compressor para determinada faixa. Para isso é necessário um tempo de experiência ou uma formação.

| Leia também: Quais equipamentos escolher para o seu home studio?

Conhece o mercado musical

Um bom produtor musical deve ter um senso apurado do que é bom o suficiente para ser colocado no mercado e do que realmente vende. Ele precisa saber o que atende aos padrões do setor.

Aqui estão algumas perguntas que você deve ter em mente durante o processo de criação musical : como é o mercado musical? Quais são as tendências atuais?

Ele também precisa saber o que acontece com uma música quando ela está no mercado e sobre marketing musical, além de saber como funcionam coisas como royalties para poder aconselhar seu artista.

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E, por fim, ele também pode influenciar a mídia visual (filme e vídeo) que será usada para divulgar o artista e, para isso, precisa ter um bom conhecimento de como o setor de entretenimento funciona como um todo.

Concluindo, ser um produtor pode ser uma das carreiras musicais mais gratificantes e, embora a função de um produtor musical esteja em constante desenvolvimento à medida que o setor musical evolui, qualquer que seja sua função, o produtor é vital para o lançamento bem-sucedido de um projeto musical.

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– Traduzido por Max Leblanc –

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1. Liberdade artística

A principal vantagem de criar um selo para lançar sua música é que, como proprietário da gravadora, você tem total controle sobre sua música e pode decidir sobre sobre absolutamente tudo sem interferência externa.

Digamos que você tenha assinado um contrato com uma grande gravadora para lançar seu novo single. Nesse caso, você teria que levar em conta a opinião de outras pessoas, afinal, não podemos esquecer que as gravadoras têm interesses comerciais em mente e, muitas vezes, pressionam os artistas para que criem músicas comercialmente viáveis.

Se você encontrou uma fórmula de sucesso dentro de uma gravadora, é muito provável que esta deseje que você repita o sucesso sem tomar muitos riscos. Isso é frustrante para maioria dos artistas que se veem obrigados a deixarem sua gravadora para poder criar música sem barreiras criativas.

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Portanto, ao criar um selo você mesmo, você tem a oportunidade de crescer como artista e evoluir, e além disso, garantir a maioria dos direitos autorais. Além de tomar as decisões na hora do estúdio, você também pode decidir sobre a direção de seus videoclipes, merchandising, colaborações e qualquer trabalho artístico, como a escolha da capa do seu novo álbum.

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2. Seguir seu próprio cronograma

Ao criar um selo, você pode seguir seu próprio cronograma. Isso significa que você não precisa responder a uma gravadora que pode querer que você escreva um álbum inteiro em seis meses e pode se concentrar no lançamento de sua música no seu próprio ritmo, fazer pausas maiores entre um álbum e outro.

Digamos que você tenha assinado contrato com uma grande gravadora ou mesmo com uma das três majors: Universal Music Group, Sony Music ou Warner Music Group. Se eles te falerem que precisam que suas músicas estejam prontas em uma determinada data para iniciar o processo de gravação, você terá que cumprir.

| Veja também: Como encontrar um empresário musical?

Mas como artista, você sabe que a composição de qualidade é um processo natural, sem um padrão matemático. Ao criar um selo, você pode manter o controle de sua agenda, o que lhe permite experimentar diferentes abordagens criativas e lançar um trabalho que você realmente dedicou tempo para aperfeiçoar ao máximo. 

Dito isso, é importante não usar essa liberdade como motivo para procrastinar. Ao criar um selo, você não tem ninguém atrás de você para fazer o seu trabalho, é preciso colocar objetivos e manter uma disciplina para ser minimamente produtivo.

| Confira também: Tudo o que você precisa saber sobre direitos autorais

3. Maior independência financeira

Todos nós sabemos que o objetivo de muitos artistas é ganhar a vida com música, e passar por uma gravadora pode, muitas vezes, atrapalhar isso. Os contratos de gravação tradicionais geralmente envolvem uma divisão significativa dos ganhos. Isso significa que ao assinar com uma gravadora, você cede grande parte de sua renda, ao criar um selo, não.

Por outro lado, ao criar um selo, você pode manter grande parte de sua renda em suas mãos e usá-la da maneira que melhor entender. Muitas vezes, sai mais em conta você montar a sua própria equipe e investir em profissionais que estarão cuidando do seu marketing, shows ao vivo, parcerias e diversificação da sua renda.

Ou seja, ao criar um selo você terá maior liberdade financeira.

| Leia também: Saiba o que um selo pode oferecer aos artistas

4. Controle total sobre o fonograma

Esta é a maior vantagem de criar sua gravadora como artista independente: você detém os direitos de seus fonogramas, portanto, tudo o que você criar em seu repertório ou catálogo musical é 100% seu.

Os artistas que concordam em trabalhar com gravadoras assinam um contrato que os vincula à gravadora e delega a ela poderes e porcentagens sobre seu fonograma. Isso pode parecer trivial, mas na verdade é pode ser muito prejudicial para você, pois a propriedade de seu trabalho pode realmente desempenhar um papel importante na construção de uma carreira sustentável de longo prazo.

👉 Lembra-se de quando falamos brevemente sobre royalties? No setor musical, os direitos autorais são distribuídos a diferentes partes, dependendo dos direitos envolvidos e dos acordos contratuais.

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Os autores e compositores recebem royalties pelo uso de suas composições musicais. E as gravadoras, como investem na produção, marketing e distribuição de músicas gravadas, geralmente recebem uma parte da receita gerada pela venda e uso dos fonogramas. Se você eliminar esse intermediário, poderá ficar com uma parte maior da receita gerada por sua música.

Além disso, você está no controle e pode negociar acordos de sincronização musical para publicidade, filmes, programas de TV e outros tipos de mídias.

E ao possuir suas gravações principais, você tem a capacidade de licenciar sua música para uma variedade de finalidades, o que leva a fluxos de royalties adicionais. Muitas vezes, um licenciamento pode financiar boa parte do seu projetos nos anos a seguir, tornando assim o seu trabalho mais sustentável.

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5. Construir um relacionamento próximo com os fãs

Outro aspecto a ser levado em conta é que, ao criar sua gravadora, você pode estabelecer um relacionamento mais próximo com sua base de fãs.

Isso porque você está no controle total da sua comunicação e pode interagir com seus fãs por meio das redes sociais, newsletters, shows e eventos ao vivo de fãs que poderão apoiar sua carreira a longo prazo.

Além disso, um trabalho independente é muitas vezes mais autêntico, é você e sua arte, e muitas pessoas buscam isso nos artistas.

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Criar um selo é se aproximar da sua base de fãs

6. Relacionamento direto

Ao criar sua gravadora, além de te dar dá credibilidade no mercado musical, pode ajudar a você construir relacionamentos mais humanos, sem o intermediário de uma empresa e contratos burocráticos.

Expandir seu relacionamento é sempre positivo quando as conexões acontecem naturalmente. Muitas vezes, ao estar em uma gravadora, é preciso ter o aval da gravadora para colaborar com um determinado artista, produzir com um determinado produtor, o que pode te limitar artisticamente.

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Além disso, você pode fazer acordos em que as duas partes estejam satisfeitas com a parceria. Se você é alguém que sabe fazer conexões, frequenta as festas e shows da música independente, você provavelmente não vai precisa de uma gravadora para fazer uma colaboração com um artista que você admira.

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7. Pode ser mais vantajoso do ponto de vista financeiro

Não é de surpreender que a criação de uma gravadora custe dinheiro, tempo de estúdio, distribuição musical, sincronização musical, marketing musical para divulgar a sua marca.

Mas uma das vantagens de montar sua própria gravadora é que ela também pode te ajudar a economizar dinheiro. 

• Empresas podem ser mais vantajosas do ponto de vista fiscal, podendo deduzir suas despesas, encargos e custos, como na compra de equipamentos, aluguel de estúdio, etc.
• Conseguir leis de incentivo para projetos maiores. 
• Maior credibilidade perante diferentes financiadores de projetos musicais.
• Oferecer uma maior variedade de projetos musicais para projetos de fomento: gravação, distribuição, marketing, circulação, eventos, shows e festivais.

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Embora existam diferentes vantagens ao criar sua própria gravadora, é importante reconhecer as responsabilidades e os desafios adicionais que vêm com ela:

• Burocracia;
• Gestão empresarial;
• Financeiro;
• Comercial;
• Conhecimento sobre direitos autorais;
• Distribuição;
• Marketing;
• Relacionamento com os artistas e os diferentes atores do mercado musical;
• Editais;

No entanto, os benefícios em termos de liberdade artística e independência financeira podem ser consideráveis, e administrar sua própria gravadora pode ser uma valiosa experiência de aprendizado, trazendo mais benefícios para a sua carreira a longo prazo.

– Texto traduzido por Max Leblanc –

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O artigo da Groover te explica passo a passo a usar essa ferramenta maravilhosa!

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1. Por que usar o Ableton Live?

Vivemos em uma era em que a produção musical nunca foi tão acessível à maioria das pessoas e hoje já existem muitas opções diferentes de DAWs, ou seja, softwares de gravação, edição, mixagem e produção de áudio.

Cada software tem as suas vantagens e desvantagens. Nos últimos anos, o Pro Tools, que costumava ser o padrão da indústria para conjuntos de reprodução ao vivo, e continua sendo para programas de TV e longa metragens, vem sendo substituído pelo Ableton Live para a grande maioria dos shows ao vivo.

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A razão é muito simples: o Ableton sempre teve como prioridade a performance ao vivo, implementando novas funcionalidades e concebendo um software fácil de utilizar.

👉 O exemplo que trouxemos tem como base um set de show criado para o ARAE, artista francês de trap.

2. Introdução: como configurar o Ableton Live

Como configurar o Ableton Live? O software te dá a possibilidade de trabalhar em dois planos principais: 

• Modo “Arrangement View“, que exibe a música organizada ao longo de um eixo cronológico, como uma faixa multitrack, em que tudo é organizado ao longo de uma linha do tempo. É uma poderosa ferramenta de edição que permite combinar e organizar facilmente dados MIDI, loops, efeitos sonoros, vídeos e faixas inteiras.

• Modo “Session“, usado principalmente para organizar e controlar conjuntos de “clips”. Esses clipes podem ser organizados em “scenes“, que, por sua vez, podem ser iniciadas de uma só vez, disparando vários “clips” simultaneamente. Essa exibição é interessante para apresentações ao vivo, pois permite trabalhar com “clips” individuais para cada música e acioná-los na ordem que desejar, de forma não linear, misturando opções se quiser criar e improvisar, ou sempre na ordem usando “scenes” (as linhas horizontais), para um backing track mais tradicional.

Ao olhar para a sessão, você pode identificar duas áreas principais, os “clips” e as “scenes”, termos essenciais para mexer e saber como configurar o Ableton Live.

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👉 Os “clips” são pequenas caixas retangulares contidas na coluna vertical ou na pista que devem ser considerados como uma unidade e se apresentam como um pequeno triângulo à sua esquerda que lhe permite lançar o “clip” individual.

👉 Clique duas vezes no “clip” depois de ter importado o instrumental e certifique-se que a caixa que diz “Loop” está desmarcada. Isto significa que, quando o áudio chegar ao fim, irá parar em vez de fazer um loop infinito.

Obs: Caso você esteja fazendo uma performance de improvisação de música eletrônica, talvez precise deixar esta funcionalidade ligada.

A forma como está organizado significa que cada linha é uma música. Se você olhar para o lado direito, onde está a seção “scenes”, poderá ver um controle de Macro no qual é possível renomear a “scene” para o título da música. Ao pressionar o triângulo na macro Scene, você iniciará automaticamente todos os “clips” dessa linha.

👉 Esta introdução é a base para entender como configurar o Ableton Live.

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3. Músicas e “Scenes” no seu Playback Set

A primeira coisa a se fazer é criar um número de faixas de acordo com o número de Group Stems (não músicas!) que você tem. Por exemplo, você dividiu sua música em:

• Instrumental
• Baixo
• Bateria

Neste caso, você precisará criar três faixas. A partir disso, você pode colocar a respectiva stem do grupo em um slot de “free clip” de cada faixa. Isto é fundamental para entender como configurar o Ableton Live.

Obs: certifique-se de que os clipes/stems da mesma música sejam colocados na mesma linha!

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4. Tempo, time signature e click track

Outro motivo pelo qual o Ableton é útil é a facilidade de alterar os parâmetros de cada uma das músicas em seu conjunto de reprodução sem afetar as demais.

Por exemplo, você provavelmente terá músicas com metrônomos diferentes: sem problemas! 

👉 Você pode simplesmente definir o BPM de cada música na Scene Macro principal, do lado direito. Logo ao lado, você também pode alterar a fórmula de compasso para garantir que tudo corresponda à sua faixa.

Se você estiver se apresentando em um local maior, onde usará monitores de ouvido, também poderá criar uma faixa de cliques (manualmente com um rack de bateria, que é o meu método preferido, ou também usando o metrônomo embutido do Ableton) para que o engenheiro de som possa enviá-la de volta para você e ninguém na sala poderá ouvi-la.

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5. Follow Action e tópicos avançados

Além do que explicamos acima, o Ableton oferece muitas outras opções e ferramentas que permitirão que você crie conjuntos de reprodução ao vivo mais complexos.

Um exemplo de outra ferramenta que pode ser bastante útil é o novo recurso introduzido no Ableton Live 11, é o chamado “Scene Follow Action”.

👉 Esse recurso permite que você automatize as “scenes” sem precisar acioná-las manualmente. Por exemplo, se você tiver uma música que segue logo após a anterior, em vez de acioná-la manualmente, poderá automatizá-la na “Scene Follow Action” e dizer ao Ableton que, quando a “scene 1” estiver concluída, a “scene 2” deverá ser reproduzida.

Além disso, é possível usar equipamentos externos para acionar as suas “scenes”. Na verdade, você pode optar por acionar tudo usando o mouse ou o teclado do laptop, mas o Ableton também oferece a possibilidade de “MIDI Map” cada controle por um teclado externo, launchpad ou Ableton Push, para que você não precise tocar no computador durante a apresentação.

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6. Um set completo: “Chromesthesia” do ARAE

Agora que você leu uma rápida introdução sobre como isso funciona, vou falar brevemente sobre um exemplo real.

Como você pode ver, cada música é dividida em três partes: instrumental, stem de bateria e stem de backing vocal. Além disso, também tínhamos uma track de cliques e uma track de referência, que através de uma voz anuncia o título da música e faz uma contagem.

Isso foi feito para criar uma sincronização fácil entre áudio, projeção de vídeo e iluminação, além de um grupo de sintetizadores para as transições de fala entre as músicas.

Se você der uma olhada no lado direito, no master das “scenes“, poderá ver que alguns triângulos estão riscados, especialmente aqueles com o prefixo “click“. Isso significa que uma ação de rastreamento de cena foi iniciada. Usamos essa ação para separar a contagem de cliques da instrumentação em si, mas queria ter certeza de que a próxima “scene”, que é a música, seria iniciada automaticamente assim que a contagem de cliques terminasse.

Finalmente, você também pode ver como cada música tem seu próprio conjunto de BPM e, quando necessário, uma fórmula de compasso diferente.

👉 Cada interlúdio foi medido para ter exatamente a duração de um discurso do artista, de modo que todas as transições de músicas fossem tranquilas.

Em cada coluna (faixa), você só pode iniciar um “clip” de cada vez. No entanto, é possível iniciar quantos “clips” você desejar de uma só vez se eles forem colocados horizontalmente um ao lado do outro.

| Confira também: Checklist para fazer um bom show

7. Considerações finais

Como você pode ver, o Ableton Live oferece muitas possibilidades, portanto, nós recomendamos que você baixe a versão teste e experimente.

Entender como configurar o Ableton Live vai te ajudar bastante a fazer os seus próximos shows com mais tranquilidade e qualidade!

– Texto traduzido por Max Leblanc –

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As primeiras perguntas que vem à cabeça são: qual tamanho devo escolher? qual orçamento devo prever? Hoje em dia, não faltam opções no mercado. 

👉 A Groover trouxe um artigo especial para você que está procurando um controlador MIDI, confira abaixo as 7 melhores opções para os diferentes orçamentos.

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O que é MIDI?

Para aqueles que não tem muita experiência com o controlador MIDI, vamos começar explicando o que é MIDI.

MIDI é a sigla de Musical Instrument Digital Interface (Interface Digital de Instrumentos Musicais).

Pense no MIDI como uma linguagem na qual os teclados e os computadores se comunicam. Uma comparação que ilustra bem isso é a partitura e o músico, onde o MIDI seria a partitura (informações) e o músico, o computador (emissor de sons).

👉 Lembre-se: o MIDI não gera som por si só, ele é apenas o meio para a sintetização de um som. 

| Confira também: Quais equipamentos escolher para o seu home studio?

O que é um controlador MIDI?

Agora que sabemos o que é MIDI, vamos explorar os diferentes controladores de MIDI que existem. 

Embora seja possível usar o teclado do computador ou desenhar as notas com o mouse, os controladores MIDI simplificarão muito a sua composição musical.

👉 As funcionalidades mais comuns do controlador MIDI são as seguintes:

• Número de teclas: os menores controladores MIDI geralmente apresentam pelo menos 2 oitavas. No entanto, se você estiver acostumado a tocar um piano de verdade, precisará de um controlador MIDI com 4 a 5 oitavas. Mas se você estiver apenas começando, pode começar com um número menor.
• Tipo de teclas: os controladores MIDI variam quanto à qualidade e ao tamanho das teclas. As teclas podem ser de tamanho normal e “pesadas”, como em um piano de verdade, ou menores e “leves”. Isso dependerá muito de suas preferências e da sua experiência.
• Pads, botões e outros controles: eles permitem que você acione funcionalidades como bateria e ajuste de seus sons. Se você planeja usar seus teclados MIDI para apresentações ao vivo, esses controles serão essenciais.
• Arpejador e gerador de acordes: os recursos mais avançados podem incluir um arpejador ou geradores automáticos de acordes. Essas opções podem ser úteis no início, portanto, certifique-se de verificar se o controlador MIDI as possui.

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1. Controlador MIDI básico: 3 opções

É a primeira vez que você compra um controlador MIDI? A boa notícia é que você não precisa gastar tanto para obter um produto de qualidade. Vamos dar uma olhada nas 3 melhores opções do mercado em 2024.

| Leia também: 7 dicas para compor uma música

Akai MPK Mini MK3

O Akai MPK Mini tornou-se uma referência para muitos produtores do mundo todo. Ele não apenas apresenta tudo o que você precisa em um controlador MIDI, mas também é portátil e resistente. Na nossa opinião, esse é o melhor teclado para começar.

Os principais recursos incluem:

• 25 teclas sensíveis à velocidade; Faixa de 10 oitavas com botões up/down
• 8 pads retroiluminados sensíveis à velocidade e pressão; 2 bancos
• 8 Knobs 360 °
• 1 thumbstick configurável com 3 modos
• 1 entrada TS de 1/4″ (6,35 mm) para pedal sustain
• Conexão USB
• Alimentação via USB
• Robusto pacote de softwares para produção musical
• Peso: 0,75 kg

🔸 Preço médio: R$900

👉 Conheça mais o Akai MPK Mini MK3

Alesis Q Mini

Se você só precisa de teclas e nada mais, então o Alesis Q Mini foi feito para você. Essa é uma opção compacta que traz apenas o essencial. Ele tem 2 oitavas e meia e um único botão atribuível. Essa é a opção mais barata que você pode encontrar sem abrir mão de qualidade.

Os principais recursos incluem:

• 32 teclas synth-action sensíveis à velocidade
• Conexão USB-MIDI para tocar instrumentos virtuais, controlar o software de gravação e muito mais
• Pitch bend, modulação e controles de oitava para performances expressivas
• Alimentado via USB, suporta conectividade plug-and-play para o seu Mac ou PC
• Design leve e compacto para fácil configuração e portabilidade
• Dimensões: 41,8 cm x 10,5 cm x 1, 98 cm
• Peso: 0,45 kg

🔸 Preço médio: R$500

👉 Conheça mais o Alesis Q Mini

Keith McMillen K-Board-C

Procurando algo diferente? Então o K-Board-C pode ser para você. Esse controlador MIDI adota uma abordagem inovadora em termos de layout e estética geral. Ele é colorido e imediatamente pode te inspirar a criar.

Os principais recursos incluem:

• 25 teclas (estilo pad com sensibilidade aftertouch)
• Teclas com luz de fundo de LED
• Botões de oitava
• Conexão USB-C
• Vem em diferentes opções de cores.

🔸 Preço médio: R$600

👉 Conheça mais o Keith McMillen K-Board-C

2. Controlador MIDI intermediário: 2 opções

Talvez você seja um pianista experiente e precise de algo maior? Ou já tem um pequeno teclado MIDI e está querendo expandir a sua coleção? Se você estiver pronto para investir um pouco mais, aqui estão nossas escolhas.

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Novation Launchkey 37 [MK3]

A Novation produz uma grande variedade de excelentes controladores MIDI. E, embora esse controlador MIDI funcione com qualquer DAW, ele foi especialmente projetado para se integrar ao Ableton Live. 

Com ele você tem à disposição 3 oitavas completas de teclas semipesadas e 16 pads sensíveis à velocidade, além de uma tela de exibição.

O que diferencia esse teclado são as ferramentas criativas. O “modo Chord“, por exemplo, permite que você crie acordes complexos simplesmente pressionando uma tecla.

Os principais recursos incluem:

• Otimizado para Ableton Live com acesso imediato a todos os controles que você precisa
• Mapeia instantaneamente para a maioria dos principais DAWS
• 37 teclas de estilo sintetizador sensíveis à velocidade
• Tela de 16 x 2 caracteres de fácil leitura
• 16 pads sensíveis à velocidade com retroiluminação RGB

🔸 Preço médio: R$2000

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Native Instruments Komplete Kontrol A49

A Native Instruments é conhecida por criar produtos de alta qualidade. O A49 não é diferente, com uma construção sólida e um design elegante. Você também tem à disposição 1,6 GB de sons de fábrica do Maschine, bem como alguns dos sintetizadores da Native Instruments: Monark, Prism e alguns outros.

Os principais recursos incluem:

• O melhor teclado NI customizado da sua categoria, disponível com teclas de 49 teclas semi-pesadas
• Visor OLED informativo para navegação rápida
• 8 botões de controle sensíveis ao toque
• Rodas ergonômicas de passo e mod
• Codificador de impulso de 4 direções para navegação de som com uma mão e navegação de projeto
• Integração profunda com o software MASCHINE.

🔸 Preço médio: R$2000

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Controlador MIDI avançado: 2 opções

Arturia KeyLab Essential 88

Se dinheiro não for problema, recomendamos que você dê uma olhada nos produtos da Arturia. Eles não apenas criam alguns dos melhores sintetizadores de software do mercado, mas também fabricam belos sintetizadores de hardware e controladores MIDI.

O KeyLab Essential 88 é um controlador MIDI muito bem feito com geração avançada de acordes. Ele também apresenta um centro de comando DAW, permitindo que você interaja perfeitamente com seu DAW.

Os principais recursos incluem:

• Número de teclas: 88 
• Tipo de teclas: Semi- pesados 
• Sensível à velocidade 
• Pads: 8 x almofadas de desempenho retroiluminadas 
• Outros controles: Pitchbend, Mod Wheel 
• Codificadores/Pots: 9 x botões giratórios, 1 x jog wheel clicável – Faders: 9 x Faders 
• Compatível com Mackie / HUI – Entrada de pedal: 1 entrada P10 (sustain) – MIDI I/S: Saída/USB – USB: 1 x Tipo B 
• Conexão do computador: USB
•  Características: Modo de reprodução de acordes 
•  Software: Analog Lab, Ableton Live Lite, UVI Grand Piano Model

🔸 Preço médio: R$2200

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Roli Seaboard Rise 2

Por fim, vamos encerrar este guia com a Ferrari dos controladores MIDI. O Roli Seaboard é, de longe, o teclado mais exclusivo e avançado do mercado.

O que o diferencia é sua superfície de toque. Com um teclado tradicional, você só pode controlar o volume de cada nota com a força com que a pressiona. Aqui, você pode deslizar entre as notas, pressionar para aprofundar o som e muito mais. Se estiver procurando algo para sempre expandir sua criatividade, o Seaboard Rise 2 é para você.

Outros recursos importantes incluem:

• Software de sintetizador híbrido
• 5 dimensões de toque: Golpear, Pressionar, Deslizar, Deslizar e Levantar
• Controles deslizantes de toque ajustáveis
• Saída MIDI TRS de 3,5 mm
• Entrada de pedal contínuo (TRS de 6,35 mm)
• Entrada USB-C (conexão e carregamento)
• MIDI em conformidade com a classe por USB e Bluetooth

🔸 Preço médio: R$3000

👉 Conheça mais o Roli Seabord Rise 2

Conclusão

Seja qual for o seu nível como produtor musical ou artista independente , o controlador MIDI é uma ferramenta indispensável. Além disso, muitos controladores também são acompanhados de softwares adicionais. Se a ideia for presentear alguém que produz música, confira também outros presentes musicais criativos. 

| Veja também: Pitching Spotify: dicas e exemplos para você entrar em playlists

👉 Esperamos ter ajudado com este artigo para que você encontre o controlador MIDI  ideal para você.

– Texto por Max Leblanc –

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O single “QUIERO” resultou em uma bela mistura de funk, reggaeton e pop, que ganhou um clipe dirigido por Gabriel Oliveira. 🔥

👉 Esse trabalho é fruto de uma parceria entre a Groover, Festival SENSACIONAL e a Embaixada Francesa 🇫🇷.

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1. Quem são La Coya e Augusta Barna?

La Coya: Somos duas mulheres artistas, apaixonadas por música. Cada uma de nós com universos diferentes, de origens diferentes, mas que se juntaram para fazer a nossa parte nesse mundo musical, fazendo uma música que rompe fronteiras. Eu sou uma cantora equatoriana e francesa que mistura culturas para criar um coquetel musical em que a tradição e a modernidade da música latina se misturam com ritmos eletrônicos e urbanos.

Augusta: sou uma artista de 20 anos mineira que me introduzo compositora e cantora de música popular brasileira, em uma mistura contemporânea e ao mesmo tempo com fortes influências de produções musicais de diversas épocas. Também sou formada em teatro e já executei diversos trabalhos em lugares distintos.

Também lancei o EP “Cantora de Ruídos”. Em 2022, lancei o disco “Sangria Desatada” explorando novos espaços e me apropriando da minha sensibilidade e da paixão pela música para deixar minha marca no mundo.

| Instagram da La Coya | Instagram da Augusta Barna

2. Como aconteceu o encontro de vocês?

La Coya: A Groover me informou que o festival Sensacional! estava organizando um encontro com uma grande artista para colaborar.

Augusta: Eu fui atração do festival Sensacional! e a La Coya também, e o festival fez o nosso encontro e propôs de trabalharmos juntas.

| Spotify da La Coya | Spotify da Augusta Barna

3. Como nasceu « QUIERO » ? Vocês poderiam nos contar os detalhes?

La Coya: Eu estava com Mathias Di Giusto, meu produtor e guitarrista em Belo Horizonte . Fomos para os escritórios da Sensacional!. Lá encontramos a Augusta. Ela nos mostrou o verso e o refrão da música a capela, fiquei fascinada! Logo depois fomos para o hotel e terminamos a composição. Acrescentei minha parte seguindo a melodia de Augusta só que em espanhol. Acrescentamos a ponte e o Mathias fez a produção.

Augusta: O pessoal do Festival SENSACIONAL! me convidou para fazer uma collab com a La Coya. Depois de pesquisar sobre o trabalho pensei na melodia e na letra. Assim que ela chegou no Brasil, terminamos o som com sua contribuição.

📺 Assista ao clipe de “QUIERO” aqui!

4. Vocês acham que a mistura de idiomas é algo positivo na música?

La Coya: Queríamos que essa música refletisse as nossas culturas. Então, decidimos fazer uma faixa pop inspirada no funk brasileiro e no reggaeton.

No dia seguinte, conhecemos Gabriel, que produz a Augusta, gravamos e produzimos. No dia seguinte, filmamos o clipe com essa base. Ela gravou os últimos detalhes em Belo Horizonte e eu na França. A mixagem e masterização foram feitas à distância. Foi um processo transfronteiriço, uma experiência única.

Augusta: sim, acredito que podemos atingir mais pessoas.

Escute agora “QUIERO” no Spotify 🎧

5. O que une as duas artistas?

La Coya: Primeiro, a paixão pela música. Por curiosidade, cada um de nós se interessou pela cultura do outro. Na verdade, criamos uma playlist juntas para descobrirmos nossos universos. Inclusive, você pode descobri-la no Spotify.

Escute aqui a playlist criada pelas duas cantoras 🎧

Também gostamos de uma estética semelhante. Cada uma de nós cuida muito bem da nossa imagem e da narrativa de nossos respectivos projetos. Também estamos unidos pelo desejo de levar nosso projeto a outras fronteiras internacionais. E, por último, mas não menos importante, o aspecto humano. Em pouco tempo, tivemos um bom relacionamento sem complicações, muito apoio e ajuda entre nós.

Augusta: Os ritmos e o estilo pop.

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6. Qual foi o momento mais marcante dessa experiência?

La Coya: Acho que não consigo separar essa experiência em um único momento. Lembro-me dos dias intensos no estúdio e do dia em que gravamos o clipe. Tudo foi absolutamente incrível. Naquele último dia, tivemos a sorte de conhecer Gilberto Gil e assistir ao seu show, eu chorei de emoção!

Augusta: A adrenalina de fazer tudo em uma semana.

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7. Vocês acham que a Groover pode ser uma ponte para uma carreira internacional?

La Coya: Com esse concurso, a Groover me permitiu descobrir que minha carreira tem um potencial que vai além do mundo hispânico e francês. Me fez descobrir a cultura brasileira que eu tanto amo.
Além disso, com as pessoas que trabalham na Groover, tive a sorte de fazer coisas maravilhosas. É uma equipe predisposta a ajudar e impulsionar a carreira de seus artistas.

Augusta: De alguma forma sim, por ter um trabalho voltado pra o exterior e pela La Coya também ter um público no exterior.

– Entrevista por Max Leblanc –

Não sabe como divulgar o seu próximo lançamento? 👇

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Todos nós sabemos que é muito comum os artistas independentes ficarem perdidos na hora de ter que entender como registrar uma música. Somente a ideia de ter que enfrentar uma burocracia já afasta qualquer pessoa.

👉 Porém, esse processo é mais simples do que parece. Além disso, isso é fundamental para você, artista independente, que deseja construir uma carreira profissional e ter os seus direitos autorais garantidos.

Vai lançar uma música em breve? 👇

1. A importância de registrar uma música

Você já imaginou alguém pegar a sua música e lançá-la antes de você mesmo? Isso se chama plágio e é considerado crime…e acontece mais do que você imagina. O conteúdo que trouxemos aqui servirá para evitar ao máximo problemas jurídicos com a sua música.

👉 Primeiramente, é importante saber como registrar uma música protege os seus direitos, ou seja, prova juridicamente a autoria de sua obra.

🇧🇷 No Brasil, esse registro pode ser feito na Biblioteca Nacional ou através de alguma sociedade que compõe o ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição).

É muito comum ouvirmos falar das 7 sociedades que compõem o ECAD, pois elas têm como principal função repassar os direitos autorais para os artistas. Algumas delas também cadastram a sua obra e o principal objetivo dessas sociedades é o gerenciamento e arrecadamento dos direitos autorais, ou seja, monitorar a reprodução da sua música em rádios, shows, televisão, internet, etc.

👉 Essas 7 sociedades são:

• Abramus
• Amar
• Assim
• Sbacem
• Sicam
• Socinpro
• UBC

⚠️ Dica: a Groover indica a UBC e a Abramus pela plataforma intuitiva que oferecem.

| Leia aqui: 4 músicas enviadas na Groover que entraram em um filme da Netflix

A novidade é que este processo foi simplificado recentemente e hoje em dia já é possível registrar a sua obra através de algumas das associações citadas acima sem passar pela Biblioteca Nacional, como Abramus, Sbacem e UBC.

👀 Observação: para proteger mais ainda a sua obra, muitos artistas também entregam a partitura da harmonia e da melodia de sua composição.

É através do site dessas sociedades, que você também faz o registro do seu fonograma, que tem a mesma finalidade dos direitos sobre a obra, porém relacionados à gravação da sua música. 

👉 Vamos para o nosso passo a passo de como registrar uma música!

| Confira também: 7 dicas para compor uma música

2. Como registrar uma música: registrando a sua obra musical

Uma obra musical é a composição feita por um autor/compositor, ou seja, uma letra e/ou melodia. É importante saber que, antes mesmo de você registrar a sua música legalmente, ela já é protegida pela legislação brasileira. Isso significa que a nossa legislação é pro-autor.  

Por exemplo, imagine que alguém grave uma música sua que você não registrou. Caso você tenha uma gravação no Youtube com uma data anterior a gravação da pessoa que te plagiou, você terá a justiça a seu favor. Até mesmo testemunhas e vídeos do seu celular podem ser utilizados como prova.

Entretanto, é necessário conhecer os direitos concedidos para a pessoa que registra a sua obra enquanto pessoa física. Sim, as obras são registradas por uma pessoa física.

👉 As editoras são as únicas pessoas jurídicas capazes de terem direitos sobre uma obra.

| Leia também: 6 artistas mulheres que usaram a Groover e estão ganhando visibilidade 🚀

👉 Os direitos autorais sobre a obra são dois:

🔸 Direito moral: é o direito vinculado à personalidade do autor, é perpétuo, inalienável e irrenunciável, ou seja, não pode ser cedido, transferido ou renunciado em nenhuma hipótese.

É o direito que o autor tem de reivindicar, a qualquer tempo, a autoria da obra. Além disso, possuir o seu nome, pseudônimo ou sinal convencional vinculado a obra musical sempre que ela for utilizada. É também o direito que permite ao autor opor-se a quaisquer alterações que possam prejudicar sua obra ou atingir sua reputação.

Este também garante aos autores que possam modificar uma obra antes ou depois da sua publicação, e também possuir o direito de retirá-la de circulação ou de suspender qualquer utilização autorizada anteriormente.

🔸 Direito Patrimonial: é o que se refere ao uso econômico da obra.

São direitos exclusivos do autor que desfruta dos resultados econômicos da exploração e utilização da obra, conforme foi estipulado e negociado – seja transferência, cessão, licenciamento, venda, distribuição, entre outros.

Este último depende da autorização do autor da obra intelectual em qualquer forma de uso como por exemplo: edição, tradução para qualquer idioma, adaptação ou inclusão em fonograma ou obras audiovisuais, comunicação ao público seja de forma direta ou indireta. Todos esses direitos são independentes entre si, ou seja, a autorização para determinado tipo de uso, tem que ser diferente e única para qualquer tipo de utilização.

| Leia aqui: Como entrar em playlists editoriais do Spotify?

2.2. Como registrar a sua obra musical?

👉 Para registrar a sua obra musical é muito simples.

🔸 Biblioteca Nacional:

• Acesse o serviço Registrar ou Averbar Direitos Autorais na Biblioteca Nacional;
• Clique em Solicitar;
• Preencha formulário e informe dados dos participantes da obra;
• Anexe a documentação necessária;
• O valor por música é de R$20;

🔸 Associações do ECAD:

• Acesse o site de associações como UBC e Abramus e siga as instruções indicadas no site de cada uma delas.

⚠️ Atenção: antes de cadastrar a sua obra, é necessário se filiar em uma das sociedade.

👉 Confira o tutorial de cadastro de Obras Musicais feito pela UBC

3. Como registrar uma música: registrando o seu fonograma

3.1. O que é fonograma?

👉 A partir do momento em que você grava a sua música, ela se torna um fonograma. Registrá-lo permitirá às sociedades do ECAD recolherem os direitos autorais e distribuírem aos detentores dos direitos, como músicos, intérpretes, editoras, gravadoras, etc.

| Leia aqui: Como usar a Groover para divulgar a sua música? 🔥

3.2. Como registrar o seu fonograma?

👉 Para registrar o fonograma basta você acessar o site da sociedade que você escolheu se filiar.

Além disso, você precisará gerar um ISRC (International Standard Code) para a sua faixa, que é o número de identidade da sua música. Nele estão integradas todas as informações da sua faixa, como por exemplo: quem gravou a bateria, quem é o dono do fonograma, quem é o compositor, se tem editora, etc.

⚠️ Atenção: não crie ISRC fantasmas, isso te impedirá de recolher os direitos autorais.

💭 Lembre-se: é preciso ter a obra registrada para conseguir fazer o registro do fonograma.

| Leia aqui: Saiba porque o EP é o melhor formato para lançar a sua música

3.3. Como gerar o ISRC?

👉 Para gerar o ISRC você deve usar o programa SISRC que as sociedades do ECAD disponibilizam de forma gratuita. Basta clicar aqui para fazer o download!

Ao fazer o registro do seu ISRC, você deverá preencher diferentes detalhes sobre a sua obra como:

• Gravação ao vivo ou em estúdio;
• Duração;
• Gênero;
• Data de gravação original e de lançamento;
• Entre outras;

👉 Também será necessário incluir o nome do titular, intérpretes, músicos acompanhantes e os respectivos números de CPF/CNPJ. No final do processo, você deverá fazer subir a sua música. Por isso, esteja pronto para enfrentar a burocracia necessária. Não existe nada muito complicado, é apenas um pouco demorado.

| Leia aqui: Contrato de gravação: o que esperar e o que evitar!

O ISRC é gerado pelo produtor fonográfico, ou seja, por quem financia a gravação. Ou seja, podem ser o:

• Artista;
• Gravadora;
• Produtor musical;
• Empresário;

Quando falamos de direitos sobre o fonograma, é o produtor fonográfico quem tem poder sobre eles.

Os direitos sobre o fonograma são os chamados direitos conexos. Estes têm as mesmas proteções que os direitos sobre a obra, mas serão relativos aos intérpretes, músicos, produtores fonográficos, gravadoras, etc.

👉 Para finalizar o registro do seu fonograma: insira o ISRC e todos os outros detalhes importantes sobre a gravação, suba a sua música e valide!

👉 Confira o tutorial de cadastro de Fonogramas feito pela UBC

4. Nomenclaturas importantes

Seguem algumas nomenclaturas que você precisa se acostumar quando falamos de direitos autorais:

• Obra musical: a composição em si.

• Fonograma: a obra materializada através de uma gravação, também chamada de “master”.

• Editora: é a empresa que administra os direitos sobre a sua obra e licencia a sua utilização, sejam gravações, comercialização, sincronizações audiovisuais no cinema, TV, etc. 

• Compositor: aquele que concebeu a melodia/letra.

• Produtor fonográfico: aquele que banca a gravação, como por exemplo o artista, gravadora, empresário, produtor, etc.

• Intérprete: aquele que gravou um ou mais instrumentos em uma música.

• Arranjo: a organização dos diferentes elementos de uma música para a execução por um grupo específico de vozes ou instrumentos musicais.

• Músico acompanhante: é o músico contratado para gravar um fonograma.

| Leia aqui: Dicas e exemplos de como escrever um Press Kit

5. Conclusão

✍🏻 Aqui na Groover, nós nos preocupamos muito com os artistas independentes que desejam se profissionalizar. Saber um mínimo sobre direitos autorais é fundamental para poder avançar na carreira musical.

Muitas vezes, por questões burocráticas, desconhecimento e preguiça, deixamos essa parte de lado. E isso significa deixar a porta aberta para que outras pessoas do mercado se aproveitem da falta de conhecimento para passar a perna nos artistas independentes.

| Leia aqui: As 10 melhores estratégias de marketing musical

Nós falamos isso porque sabemos que é nas entrelinhas que os artistas perdem o direito sobre o seu fonograma, não recebem pela reprodução da sua música em novelas, ou até mesmo não conseguem processar um artista que plagiou a sua obra.

💥 Por isso, repetimos novamente, os direitos autorais são a base para qualquer artista que deseja crescer no mercado musical. Conheça e proteja os seus direitos!

– Artigo escrito por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

Quer ter a sua música divulgada por curadores e profissionais? 🚀

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O que sabemos é que não existe criação musical sem mistura de gêneros musicais e referências. Até por isso, a questão do plágio é mais polêmica ainda. Não há nada de ruim em querer utilizar um motivo (padrão musical recorrente, perceptível ou saliente). Porém, existem três condições para fazer isso: assumir o uso do sample, conhecer a legislação e fazê-lo da maneira correta. 

1. O que implica o uso de um sample?

O medo de ser acusado de plágio ao utilizar um sample vem de fatos reais. Um caso famoso recente é o de Robin Thicke e Pharrell Williams, acusados de plagiar Marvin Gaye em “Blurred Lines”. Além desse, o uso de melodias da música “Taj Mahal” do Jorge Ben Jor pelo compositor e cantor Rod Stewart em “Da ya think I’m Sexy” é outro caso que ficou famoso nos anos 70.

Mas como podemos explicar o uso passivo dos samples do James Brown? Ou a existência de plataformas dedicadas aos samples com links para mais de 594.000 músicas e 198.000 artistas, tais como a whosampled.com? 

| Veja também: Como escrever um press release

Usar um sample é com certeza uma alavanca para aumentar a visibilidade de sua faixa. Muitas vezes, o público nem percebe a utilização de um sample que muito provavelmente ele conhece. Mesmo assim, o motivo musical gera uma sensação de familiaridade com o som.

Portanto, fica a pergunta: o sample melhora a música ou a música melhora o sample? Não existe resposta certa. Essa é a magia do seu uso na história da música.

2. O procedimento relacionado à utilização do sample

O principal questionamento é: como evitar ser processado na justiça?

Antes de tudo, você deve entrar em contato com os titulares dos direitos da faixa sobre o seu desejo de utilizar o sample em sua produção. A partir disso, as partes entrarão em um acordo legal.

Existem cinco pessoas (físicas e/ou jurídicas) que podem deter direitos sobre a obra: o produtor, a editora, o(s) compositor(es), o artista e os intérpretes. Um acordo com estas cinco partes será provavelmente uma missão impossível.

Portanto, o caminho mais simples é pedir a autorização para a editora da obra, pois geralmente é ela que tem o dever de proteger os direitos autorais. Normalmente, ela também já tem um acordo com as outras partes em relação a isto.

| Leia também: Saiba o que um selo pode oferecer aos artistas

3. Como usar samples legalmente de um jeito simples

É bem provável que você esteja achando muito difícil usar um sample com tudo o que falamos até agora. Fique tranquilo: é possível usá-los gratuitamente gratuitamente e legalmente.

Se você não quiser correr riscos, há milhares de beats e pacotes de samples gratuitos disponíveis na internet. Alguns você pode ter acesso através da assinatura de plataformas como a LANDR ou Splice. A plataforma Splice, por exemplo, reúne beats e samples gratuitos acessíveis por US$ 7,99 ao mês. A LANDR oferece um formato baseado em assinatura que permite você ter o domínio sobre o seu fonograma e sua distribuição. Você pode confiar, o investimento vale a pena se você está à procura de samples sem ter que passar por problemas na justiça.

Se você estiver procurando samples de músicas mais conhecidas para as quais é necessário um pedido de autorização, você está exposto a certos riscos. Neste caso, o mais importante é seguir os procedimentos legais através de uma pesquisa na internet, pelos profissionais que trabalham junto a você ou com a ajuda de um advogado especializado em direitos autorais.

| Leia também: Como entrar em playlists editoriais do Spotify

4. Os riscos no uso do sample

Muitos samples são utilizados sem licença nas produções. Às vezes, você pode encontrar dezenas de samples em uma mesma faixa, de diferentes décadas, gêneros e artistas. O risco que o artista corre em termos de direitos autorais depende de dois fatores:

• Sorte: ou seja, a sua faixa pode passar despercebida pelo “radar” da editora que protege os direitos autorais da música em questão.

• Sua habilidade de alterar o sample: este último pode ser integrado à música com múltiplas modificações vocais e rítmicas para que a editora não acredite ser necessário tomar medidas legais. Isso acontece muito, pois na maioria das vezes o processo consome muito tempo e dinheiro.

Por exemplo, é difícil não perceber o plágio da música “If I Could Fly” do Joe Satriani no refrão do Viva la Vida de Coldplay. Entretanto, a banda do Chris Martin foi considerada inocente pelo sample ou “plágio”.

Portanto, saber transformar o sample  ou um motivo de forma discreta e original é essencial se você não pretende recorrer a uma licença.

5. Usar o sample na sua música com sucesso

Há uma infinidade de técnicas de samples que são bem conhecidas e comprovadas na história da música. Não se trata apenas de colocar uma música em cima de sua composição. Muitas vezes, o sample vem para somar na produção para criar uma mistura única. Uma das técnicas mais utilizadas pelos artistas é a mudança da velocidade e do tom do sample original.

| Leia também: Como ganhar streams no Spotify?

A nossa dica final é: fique atento atento ao uso de samples. Se você for discreto e criativo na sua produção, não tem problema. Se você quiser realmente “assumir” o seu uso, por exemplo, sampleando o refrão de uma música famosa, nós te aconselhamos a entrar em contato com a editora que detém os direitos autorais da música em questão.

Envie sua música para curadores e profissionais da música

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Você é um artista independente e está procurando ganhar visibilidade e encontrar uma equipe profissional? A Groover permite que você entre em contato com os melhores selos, bookers, rádios, mídias, playlists e profissionais do mercado musical, com garantia de audição e um feedback em até 7 dias. Acesse o site para começar a sua campanha já!

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Álbum, EP, single e mixtape? Aqui estão algumas dicas para te ajudar a construir a melhor estratégia de lançamento para sua música.

Álbum: longo, caro, desanimador (porém atraente)

Para os grandes fãs de música, um álbum continua sendo o formato favorito pela simples razão de que é a melhor maneira de mergulhar no universo de um artista. Não há nada melhor do que escutar faixa à faixa sem pausas o álbum “Transa”, do Caetano Veloso ou “Acabou Chorare”, dos Novos Baianos. Um álbum pode nos marcar para sempre e qualquer artista deveria visar este tipo de marco.

Mas quando você entra no ramo da música, você tem que ter um lado pragmático. Seu objetivo final é chegar ao álbum, mas há uma série de objetivos intermediários a serem respeitados para que este trabalho seja escutado na escala que merece. Ou seja, que ele chegue em muitas pessoas. 

Por que um álbum não é uma boa estratégia para a divulgação musical no início de uma carreira? Minha primeira resposta seria: os artistas raramente estão prontos. Lembre-se, um álbum simboliza o que o artista tem de melhor. Significa dizer de primeira: “Fiz o melhor álbum que pude no momento atual”, o que muitas vezes pode ser o ego falando mais alto. Mas atenção: é óbvio que não há uma verdade única. Alguns artistas trabalham na sombra durante 10 anos, sem nunca lançar nada ou dizer que são artistas e conseguem produzir um álbum excelente sem nunca ter lançado um single. Porém, isso é raro, e são 10 anos passados sem lançar nada.

A segunda resposta é: um álbum é longo e caro para se produzir. Você tem que preparar pelo menos de 7 a 15 faixas colocando toda a sua alma, pagar os custos de estúdio, produção, mixagem e masterização. Depois, você ainda deve escolher 2 ou 3 singles e preparar uma divulgação especial para eles. Além disso, produzir um álbum aumenta as expectativas do seu público e eleva o seu padrão de qualidade. 

Imagine essa situação: você produz um álbum incrível e apenas poucas pessoas têm acesso. Dessa forma, você está impedindo que seu trabalho ganhe a vida e a proporção que ele merece. 

Mas então, quais são as alternativas?

| Leia também: 10 dicas para aumentar o engajamento do seu perfil de artista do Instagram

Mixtape, EP, singles e versões: outras maneiras de divulgar a sua música antes do álbum

Estas palavras são geralmente sinônimo de exigências menores. Em um EP, por exemplo, espera-se que o artista desenvolva a sua própria identidade. Mas também se sabe que é um momento de transição para o artista, como se fosse uma preparação para algo maior. Além disso, há menos faixas do que em um álbum, por isso é mais rápido e menos caro de se produzir e divulgar. Muitos artistas conseguiram decolar no início de suas carreiras lançando uma sucessão de EP’s.

Se você faz rap, a mixtape continua sendo um ótimo formato para começar a ser reconhecido. Não é tão popular como costumava ser, mas permite que você lance sons que estão na gaveta e convide outros artistas para fazer feats. Através deste formato, você pode expandir a sua rede e se beneficiar de uma troca de público com outros artistas. 

| Confira também: Como o music branding pode ajudar os artistas?

Outra ideia é lançar versões, seja nas plataformas digitais, no YouTube ou no TikTok. Essa estratégia têm se tornado cada vez mais eficaz para aumentar a sua base de fãs. Muitos artistas que começaram a ganhar visibilidade fazendo versões de músicas famosas no Youtube conquistaram um grande público e começaram a divulgar as suas músicas autorais.

Por último, o single. Este formato se destaca por sua eficácia: fazer a sua comunicação é simples, e as chances da música entrar em playlists e das pessoas ouvirem repetidamente é alta. Muitos artistas emergentes têm explorado a estratégia de lançar diversos singles antes de lançar um álbum cheio. Dessa forma, quando o seu álbum é lançado, ele já tem uma certa visibilidade. Interessante, não é? Lançar vários singles durante o ano é vantajoso, pois o público fica muito mais satisfeito. Uma outra vantagem de lançar vários singles é o número mais alto de reproduções das músicas nas plataformas digitais. Já em um álbum, as reproduções ficam dispersas e a última faixa tende a ser a menos reproduzida.

Dividindo o EP em singles: a melhor estratégia de divulgação musical?

A música, como toda arte, é sagrada. Mas você entendeu: aqui estamos falando de marketing musical. Todas as dicas aqui são direcionadas para os artistas que desejam crescer no cenário musical.

A estratégia mais eficaz consiste em fazer um compromisso entre a qualidade da proposta musical (desenvolver uma identidade, como em um álbum) e a quantidade de lançamentos (divulgação constante). Para fazer isso, lançar um EP de 4 faixas é o ideal. Lance um single por mês (ou a cada 6 semanas). Desse jeito, você pode promover o seu EP durante 4 meses, lembrando constantemente o seu público que você está ativo e com novas músicas.

| Leia também: Como entrar em contato com os profissionais do mercado musical?

• Maximize o engajamento com o seu público graças a esta estratégia de divulgação musical

A cada lançamento, o seu público terá apenas uma faixa para ouvir, portanto, o número de reproduções tende a aumentar. Ao invés de enviar o seu público para um álbum de 10 faixas, tendo o risco de perder os ouvintes na segunda faixa, o seu público se concentrará em apenas uma faixa. Desta forma, você pode ter certeza de que se eles gostarem da faixa, eles irão adicioná-la às suas playlists. Melhor ainda: o tempo que eles gastam ouvindo uma faixa é menor do que o tempo que eles teriam gasto em um álbum. Em tempos como hoje, onde o nosso cérebro tende a se concentrar em uma coisa só por pouco tempo, isso é precioso. Esse formato também os encorajará a reproduzir a sua faixa do primeiro ao último segundo – uma estatística que colocará o algoritmo do Spotify e outras plataformas a seu favor.

• Facilitando a cobertura da mídia do seu projeto musical

Divulgar singles regularmente também aumentará as suas chances de conseguir cobertura dos curadores de mídias e de playlists. A cada lançamento, você se aproxima mais dos veículos de divulgação. Para isso, você pode usar o Groover! 

Pouco a pouco, os jornalistas lembrarão do seu nome, ouvirão seus lançamentos e se apegarão a um dos seus singles. A mesma coisa acontece na Groover quando um artista contata um curador mais de uma vez, dentro de um período de tempo relativamente curto. Desse jeito, as chances do curador compartilhar a sua música é muito maior. Quanto mais vezes o artista contata o curador, mais o seu trabalho será lembrado e provavelmente valorizado. Com o feedback recebido o artista pode compreender os critérios de seleção do curador, o que lhe permite otimizar ainda mais as suas campanhas. 

Esta estratégia também faz com que você lance faixas mais populares e deixe as faixas mais profundas ou experimentais para um álbum. Assim, com cada uma delas, você terá mais chances de entrar em boas playlists, já que os curadores considerarão que a sua música tem um grande potencial.

• Uma estratégia benéfica para o seu crescimento nas redes sociais

Finalmente, esta estratégia de divulgação musical permitirá que você aumente o seu público nas redes sociais. De fato, em suas redes, você terá frequentemente um novo lançamento para anunciar. Isto te incentivará a criar e postar conteúdo com frequência. Dessa forma, os algoritmos irão lembrar de você como um usuário ativo e promovê-lo a novos usuários. Se os seus singles forem atraentes, você ganhará novos seguidores mais rapidamente.

| Veja também: Porquê você deve evitar divulgar a sua música pela DM do Instagram

• Mais do que uma estratégia de divulgação musical: uma obra! 

A melhor coisa desta estratégia de lançamento é que no final você terá um projeto coeso de 4 faixas. Não é apenas uma série de singles sem ligação, é um verdadeiro cartão de visita para os recém-chegados descobrirem o seu universo musical. Assim que se criam novos ouvintes. O trabalho a seguir é transformar estes ouvintes em ouvintes de longo prazo. Agora cabe a você refletir e adaptar esta estratégia aos seus próprios objetivos.

| Confira também: Press Kit: Dicas para ganhar visibilidade entre os profissionais do mercado musical

Para finalizar, é importante lembrarmos que nenhuma estratégia é a certa. Porém, com o modelo predominante do streaming, lançar singles têm sido prioridade nas estratégias de lançamentos musicais. Antes de investir todo o seu tempo e dinheiro em um álbum, busque lançar singles, EP’s, versões ou mixtapes. Esses formatos valem muito mais a pena para conquistar uma base sólida de fãs e ser valorizado pelos algoritmos.

– Texto traduzido por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

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Antes de mais nada, parabéns! Com este artigo, gostaria de guiá-lo através de alguns dos aspectos mais comuns de um contrato de uma gravadora: o que esperar e o que evitar, para que você esteja protegido e preparado para situações indesejadas.

No mundo de hoje, existem muitas opções quando se trata de gravadoras. Há uma infinidade de combinações possíveis e, na verdade, elas estão disponíveis para artistas de todos os tamanhos e estilos. No entanto, tudo se resume a uma decisão: uma gravadora independente ou grande. Embora as gravadoras geralmente permaneçam muito mais “tradicionais” em seus contratos, as gravadoras independentes costumam ter a oportunidade de oferecer contribuições criativas sob medida para um artista específico, mas com a desvantagem de geralmente ter um orçamento menor e uma rede de contatos mais limitada.

Então, o que você espera ver em um contrato? Vamos analisar algumas das seções principais juntos!

1. Estabeleça o contexto

Em primeiro lugar, cada contrato respeitável começará por estabelecer quem são as partes que estipulam o acordo (isso geralmente envolve o artista, seu possível representante e a gravadora com seu representante). Uma data também deve aparecer na parte superior para estabelecer uma cronologia histórica e quaisquer outras informações relacionadas a você como artista e ao selo como empresa.

Nesta seção, também é importante que toda a terminologia específica relevante para o contrato seja definida, pois elas serão usadas repetidamente ao longo do contrato. Alguns exemplos: devem ser definidos termos como fonograma, artista, etc. Esta seção serve como introdução ao contrato!

| Leia também: Como rentabilizar seu trabalho como músico

2. Duração, termos e expectativas

Após a introdução, a primeira seção do contrato que você provavelmente encontrará será a do “termo”, também conhecida como cláusula temporal. Aqui, o artista e a gravadora chegarão a um acordo sobre a duração do compromisso. Nesta cláusula, é muito importante também determinar quais são as expectativas em relação à quantidade de música que deve ser produzida e em os seus respectivos prazos. Observe que este último ponto é aplicável apenas se a gravadora estiver contratando o artista. Os acordos de licença e distribuição geralmente não exigem que o artista produza uma quantidade específica de música sob a “proteção” do selo, entretanto, ainda será necessário definir a duração desses direitos de licença.

Nesta seção, o artista decidirá por quanto tempo os direitos de sua música ficarão à disposição da gravadora, e também será definida a natureza da relação entre as duas entidades: se é exclusiva ou não. Se for um contrato exclusivo com a gravadora, normalmente a gravadora cuidará de todos os aspectos da carreira do artista. Se for um contrato não exclusivo, isso geralmente significa que o artista está autorizado a firmar parcerias com terceiros em relação a merchandising, turnê, produção etc. (certifique-se de ler a parte dos termos com cuidado para entender qual “exclusividade” o seu contrato realmente se refere e o que isso implica na sua carreira).

Além disso, nesta primeira seção, você também pode esperar ver uma cláusula que concede permissão à gravadora para usar o nome e a imagem do artista para distribuir e promover as músicas em questão. Certifique-se de ler os detalhes da cláusula porque, embora permitir que uma entidade diferente use seu nome e imagem livremente pode ser benéfico para sua carreira, também pode ser bastante prejudicial. (Talvez você queira adicionar uma declaração dizendo que deve haver aprovação do artista antes que qualquer nome ou imagem seja usado … isso pode evitar muitos problemas futuros).

3. Os aspectos financeiros de um contrato com gravadora

A parte seguinte do acordo envolverá tudo o que tenha a ver com dinheiro e despesas. Isso geralmente é dividido em duas partes:

1. Adiantamentos e apoio financeiro:

Quando nos referimos a adiantamentos, estamos falando sobre o dinheiro que a gravadora dará ao artista como um  “depósito” para custear a criação de um álbum ou EP (seja qual for a quantidade de música acordada) e essencialmente financiar toda as despesas (salários) envolvidas e o processo de produção do início ao fim. O valor do adiantamento dependerá do tipo de contrato, do tamanho e do orçamento da gravadora e da popularidade do artista. No entanto, é muito importante saber que esse dinheiro pode ser considerado recuperável ou não recuperável: isso significa que a gravadora retém o pagamento de direitos autorais (ou uma porcentagem, dependendo do contrato) do artista até que o investimento inicial seja reembolsado integralmente ou em um percentual acordado. No entanto, a diferença é que um  adiantamento não-reembolsável significa que se as suas vendas não atingirem o ponto necessário com a gravadora, você não deverá dinheiro para ela – mas você ainda terá que pagar de volta o adiantamento em seus direitos autorais.

Nesta seção, muitas vezes é possível chegar a um acordo sobre as propriedades das gravações (também conhecido como fonograma). A regra geral é que quem paga pela gravação, obtém os fonograma. No passado, isso significava que as gravadoras tinham total posse da maioria de seus artistas. Hoje em dia, os artistas lutam para manter a propriedade de suas gravações e, por isso, procuram cada vez mais gravadoras independentes e acordos de licença e distribuição do que contratos completos oferecidos por grandes gravadoras.

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2. Divisão dos direitos autorais
   

A segunda parte desta seção é onde o percentual da divisão dos direitos autorais é acordado. Esse prazo varia conforme o caso individual e também muda com base na troca: normalmente, quanto mais dinheiro é recebido pelo artista como adiantamento, maior a cota que a gravadora pedirá no pagamento de direitos autorais. Os direitos autorais podem incluir direitos mecânicos, publicação, streaming e se estender a qualquer outra forma de receita gerada a partir da obra do artista.

4. A última seção: detalhes, mais detalhes e cláusulas de rescisão

Estamos quase lá! Como eu disse antes, os contratos são diferentes e podem variar, mas, na maioria dos casos, eles terão duas outras seções muito importantes no final.A penúltima parte do contrato conterá alguns pontos diversos, incluindo, mas não se limitando a: qualquer compensação fixa que a gravadora poderia pagar ao artista (observe que é sempre a gravadora que paga ao artista e não vice-versa, como nós veremos no último parágrafo deste artigo!) e qualquer acordo específico relativo a todas as músicas que possam fazer parte de uma compilação ou que já tenham sido publicadas como singles, capa do álbum, videoclipes ou mesmo ideias para promoção. Aqui você também encontra um prazo para o lançamento de novas músicas (que é uma cláusula temporal, mas que não pertence necessariamente à seção do “termo”, portanto, fique de olho!).

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Por fim, o contrato será encerrado com pontos de natureza burocrática ou jurídica . Normalmente, há muitos pontos listados e podem ser diferentes por vários motivos. Os mais comuns são:

• O artista garante que tem o direito de estipular o contrato e não precisa de autorização de terceiros.
• As repercussões em caso de término antecipado do contrato (o aviso prévio solicitado e a liquidação necessária para compensar o capital investido).
• Por último, o acordo normalmente termina com a declaração da jurisdição nacional do contrato (em caso de problemas, é necessário definir em que país você irá ao tribunal).

5. O que evitar em contratos

Falamos sobre quais são as características mais comuns de um contrato com uma gravadora, mas agora também gostaria de destacar alguns pontos que devem fazer você soar o alarme . Lembre-se de que você sempre tem o direito de questionar qualquer ponto que não esteja claro para você e, se necessário, procurar aconselhamento jurídico de um advogado especializado na indústria musical.

Exemplo de cláusula alarmante: esta cláusula permite que o selo tenha vantagens sobre o proprietário da obra após o fim de sua produção

Aqui estão algumas coisas que você deve estar ciente e tentar evitar:

• A gravadora te pede dinheiro! Como eu disse antes, é sempre a gravadora que deve pagar e não o contrário! Se a sua solicitar pagamentos, provavelmente é melhor recusar educadamente e encontrar um novo parceiro.
• Cuidado com os contratos que o prendem a um acordo de longo prazo e totalmente exclusivo.
• Não desista dos direitos de sua música pela “duração dos direitos autorais”: na Europa, isso ocorre 70 anos após sua morte!
• Fique longe de qualquer acordo que exija a mesma porcentagem de direitos autorais exigida por uma grande gravadora, mas sem o adiantamento financeiro ou outros benefícios (promoção, networking, acesso a instalações de alto nível, produtores, compositores e engenheiros de som).
• Cuidado com os contratos que afirmam que seus fonogramas são propriedade integral da gravadora. Em vez disso, tente manter a propriedade de seus fonogramas ou pelo menos compartilhar a propriedade com sua própria gravadora.
• Preste especial atenção às cláusulas de rescisão ou quaisquer cláusulas que possam sugerir que a gravadora é proprietária das gravações para sempre, mesmo após o término do contrato, e que podem conceder a ela o direito de usá-las para qualquer fim. (Veja a imagem).

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– Traduzido por Thiago Cyrino –

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