Entender o básico de edição musical é fundamental para você que busca aumentar as suas receitas e estar ciente de seus direitos. Estamos falando aqui de direitos autorais e royalties – os dois mecanismos que asseguram que os compositores, intérpretes e produtores sejam recompensados pelo seu trabalho.

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1. Qual é a função da edição musical?

A edição musical diz respeito à produção, proteção e administração dos direitos autorais de músicas. Esse processo envolve obrigatoriamente o registro de sua obra musical em uma das 7 associações do ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição) que cuidará da arrecadação de seus royalties. Além disso, uma editora musical também pode fornecer assessoria jurídica quando necessário. Por exemplo, quando um artista quiser lançar uma versão da sua música, o mesmo terá que passar pela sua editora musical.

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2. O que são os direitos autorais de uma música?

Antes de entrarmos em mais detalhes sobre edição musical, é importante entendermos o que são direitos autorais. Para simplificar, dividimos os direitos autorais em dois: 

• Obra musical: constitui o direito sobre a composição, ou seja, cobre a propriedade intelectual do compositor. Aqui estamos falando da composição, harmonia, melodias e a letra, caso tenha uma.
• Fonograma: constitui o direito sobre a gravação, ou seja, cobre a versão gravada da música, que inclui a interpretação, gravação e produção. 

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3. Quem recebe o direito de edição musical?

Se você é um músico independente sem editora, você retém automaticamente todos os direitos autorais de sua música, mas não assegura um arrecadamento rigoroso. O direito sobre a obra musical (edição musical) refere-se ao direito exclusivo do titular dos direitos de controlar o uso de sua faixa. Geralmente, são os compositores que detém este tipo de direito. Existem alguns casos em que os intérpretes, produtores e outras pessoas envolvidas também adquirem participação nos direitos sobre a obra musical. 

Por exemplo, é possível que uma gravadora invista na produção da faixa e exija uma porcentagem dos direitos. No cenário independente, é mais comum e recomendado o artista deter a totalidade desse direito. 

E claro, se for uma banda, existem diferentes tipos de negociações: alguns compositores escolhem dividir os direitos igualmente entre si, enquanto outros negociam porcentagens maiores, dependendo de quanto contribuíram para a faixa.

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4. Qual é a diferença entre direitos autorais e royalties?

As palavras direitos e royalties são usadas com frequência sem distinção. Qual é a diferença? 

• Direitos autorais: referem-se à capacidade de reproduzir, distribuir e executar uma obra musical de maneira livre. 
• Royalties: são os pagamentos devidos ao detentor dos direitos autorais pelo uso de sua música. 

Resumidamente, os direitos sobre a obra musical são os direitos legais associados a uma música, enquanto os royalties são o dinheiro pago pelo uso desses direitos.

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5. Quais são os diferentes tipos de royalties de edição musical?

Os royalties de edição musical referem-se ao pagamento feito aos detentores de direitos sobre uma determinada obra musical. Estes royalties são gerados sempre que suas músicas forem executadas, vendidas, transmitidas ou reproduzidas sob qualquer forma. 

Existem três tipos principais de royalties de edição musical que os compositores e artistas precisam conhecer:

• Royalties mecânicos: provêm da reprodução e distribuição de gravações. Isto inclui a distribuição de cópias físicas de obras musicais, tais como em CDs ou vinis. Atualmente, os royalties mecânicos também são pagos quando um usuário escuta uma faixa nos serviços de streaming.

• Royalties de performance pública: são gerados cada vez que sua música é executada ou difundida em público. Isto inclui tocar suas músicas ao vivo em um show ou quando a sua música é transmitida nas rádios, tocada no supermercado e/ou em qualquer espaço público. Os royalties de performance pública também são gerados quando sua música é tocada em um serviço de streaming de música. Obs: Ao contrário dos royalties mecânicos, os royalties de performance pública incluem streams de plataformas de streaming não interativas, como a Pandora.

• Royalties de sincronização: são gerados quando a sua música é licenciada para uma sincronização. Por exemplo, em mídias visuais, como filmes, televisão, comerciais, videogames, entre outros. Estes direitos são normalmente adquiridos através das editoras de música e normalmente exigem o pagamento de uma taxa única para a sincronização. A licença e a taxa são normalmente negociadas de acordo com o escopo e a finalidade da sincronização.

Todos esses royalties são necessários para que artistas e compositores gerem renda a partir de seu trabalho. Os editores se beneficiam igualmente, pois recebem uma porcentagem dos royalties do artista. Portanto, também é de seu interesse proteger e a sua música de possíveis violações de direitos autorais.

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6. Quem faz a arrecadação dos direitos autorais?

Você pode estar se perguntando: quem é responsável pela cobrança dos royalties? No caso do Brasil é predominantemente ECAD. Em outros países, por exemplo, temos a ASCAP, BMI, e SESAC nos Estados Unidos, SOCAN no Canadá, SACEM na França, GEMA na Alemanha, e JASRAC no Japão. Existem também outras editoras musicais, que se dedicam normalmente aos direitos autorais de artistas maiores, como a Sony Music Publishing, para citar uma das maiores do mercado internacional.

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7. Qual é a diferença entre licenciamento de música e edição musical?

Tanto o licenciamento de música quanto a edição musical envolvem o licenciamento e a distribuição de royalties, mas são dois processos distintos. 

O licenciamento musical é processo de obtenção de permissão de um detentor de direitos autorais para utilizar uma música em um produto específico. Esse é apenas um outro jeito de falar sobre royalties de sincronização. É necessário por exemplo quando a música é licenciada para estar em uma trilha sonora de um filme ou em um comercial. O licenciado paga uma taxa única ao detentor dos direitos autorais (editora e artista, por exemplo) e concorda com determinadas condições, tais como creditar os compositores e a editora. 

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Em relação à licença, a edição musical é super importante para a editora musical negociar acordos e cobrar royalties de sincronização. Além disso, as editoras musicais também podem oferecer um catálogo de músicas que empresas podem usar em seus programas de televisão, comerciais ou filmes. 

O licenciamento de música e a edição musical andam realmente de mãos dadas. Quando parcerias de sucesso são formadas, é um negócio muito lucrativo, tanto para a editora quanto para os compositores da obra musical.

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8. Qual é a distribuição dos valores de arrecadação dos royalties?

Sobre a arrecadação do montante total, é deduzido o custo de administração do ECAD e das associações, que representam respectivamente 10% e 5%. Os titulares dos direitos da obra musical são do(s) autor(es), e algumas vezes se adiciona a editora e/ou a gravadora. Essa divisão é acordada entre as partes. 

Por exemplo, os royalties do fonograma serão divididos entre o produtor, os intérpretes e os músicos adicionais. Esses royalties são fixados da seguinte maneira: intérpretes (41,7%), produtores fonográficos (41,7%) e músicos adicionais (16,6%).

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No caso de execução de fonograma, ou seja, direitos mecânicos, o autor receberá 2/3 do e e o(s) intérpretes, produtor fonográfico e músico(s), 1/3. Quando as músicas forem executadas ao vivo, o valor total vai para o autor.

Lembre-se: a Groover sempre recomenda que se possível, todo tipo de contrato assinado com o artista e outras partes deve ser analisado por um advogado especializado em direitos autorais a fim de evitar abusos, irregularidades e inconformidades. 

9. Posso lançar música sem uma editora musical?

Sim, você pode lançar músicas sem uma editora. De fato, com o aumento dos serviços de distribuição musical para artistas independentes como a CD Baby ou a TuneCore, é mais fácil do que nunca lançar músicas e receber os seus royalties. As distribuidoras digitais, são as empresas que terceirizam o processo de colocar as suas músicas nas plataformas de streaming e irão cobrar uma porcentagem de seus royalties e em seguida te pagar uma parte. 

Importante: não deixe de registrar a sua música em uma das associações do ECAD para que os royalties de execução pública também possam ser arrecadados. Entretanto, se você optar por lançar músicas sem uma editora, você pode não ter os recursos ou conexões para proteger os seus direitos e negociar sincronizações musicais. 

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10. Conclusão

Quando falamos de direitos autorais e royalties estamos nos referindo à sua base jurídica para se profissionalizar. Isso permitirá que você não caia em armadilhas no futuro e que você possa garantir um máximo de arrecadação da sua música. 

No caso dos artistas independentes, a via mais recomendada é a escolha de uma das 7 associações da UBC para editar a sua obra e registrar o seu fonograma. Existem grandes editoras como Altafonte, Som Livre e as que são propriedade das majors, que propõem contratos diferentes para artistas maiores. Nesse caso, as editoras trabalham de maneira mais ativa para conseguir colocar o artista na televisão, nos filmes ou nos comerciais. 

Porém, enquanto artista independente, esse não é o caso. O que você realmente precisa lembrar é de seus direitos autorais e estar ciente da repartição dos royalties.

Esperamos que este artigo tenha te ajudado a entender esse universo tão complexo da indústria musical. 

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– Traduzido por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

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Você ainda não lota casas de shows e nem recebe uma boa quantia de royalties, mas apesar de tudo, você está ciente do potencial da sua música e sabe que pode crescer no meio. 

Toda música criada com amor encontra o seu público! Por isso a Groover trouxe algumas dicas para que o seu trabalho se destaque entre as milhões de faixas disponíveis nos serviços de streaming de música sem precisar gastar um tostão.

Para que as pessoas ouçam os seus últimos lançamentos, você não pode deixar de construir uma estratégia de divulgação. É importante destacar: fazer com que sua música seja divulgada não significa transformar o seu trabalho em uma campanha publicitária. O que as pessoas querem é música boa sendo divulgada através de vídeos, imagens e uma narrativa em que elas se identifiquem.

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1. Divulgação musical gratuita através de imagens 

Em qual gênero musical se enquadra o seu trabalho: Funk? Pop? Rock? Rap? É importante se apropriar dos códigos dos diferentes gêneros musicais. Isso é feito através da escolha da capa de seu álbum, sua roupa e sua linguagem, por exemplo. 

Ouvir música e ver o que outros artistas do mesmo universo musical estão fazendo pode ajudá-lo a entender a sua singularidade e afirmar a sua identidade. As grandes gravadoras, também chamadas de majors, como a Universal, Sony e Warner, sempre olham para esses detalhes. 

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A pergunta é: o artista transmite algo através da imagem? Se sim, então a capacidade criativa do músico é promissora. 

Busque destacar aquilo que mais te apresenta: criar uma identidade é isso. Pequenos detalhes farão o seu público buscar pelo diferencial que você apresenta. Pare para analisar os seus artistas favoritos e perceba, cada um deles tem algo diferente. Um exemplo fácil é os Rolling Stones: os membros usam um lenço no cabelo e calças jeans justas. 

Divulgar a sua música significa também criar uma persona que reflita a sua personalidade. O melhor disso é que você não precisa gastar dinheiro nenhum.

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2. Divulgação musical gratuita através das redes sociais 

Quando se é ouvinte, não é difícil encontrar novas músicas. Hoje, as pessoas têm buscado cada vez mais por assinar serviços de streaming como Apple music, Spotify, ou Deezer. Porém, para se destacar entre as 100 mil faixas que chegam diariamente nas plataformas, você precisa ter uma estratégia de qualidade nas redes sociais. Não importa o seu gênero musical, eletrônica, rap, indie – você precisa estar presente por lá. Apenas com os serviços gratuitos nas redes sociais você já consegue fazer muita coisa para atrai mais visibilidade.

Hoje, quando nos apaixonamos por alguma música, é quase impossível não procurarmos pelo Instagram do artista, concordam? Isso se tornou um reflexo de muitos ouvintes. Ouvimos música sem limites e quando estamos entusiasmados com isso, queremos ver quem é o artista, o estilo dele, sua história, etc. Além disso, toda a cadeia de profissionais, sejam selos, produtores e mídias, estarão de olho nas suas redes sociais. Por isso é muito importante ter um cuidado especial.

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Comece produzindo o seu próprio conteúdo buscando ser você mesmo. Em seguida, analise aquilo que as pessoas gostam mais de você.

 ⚠️ Lembre-se: deixe sempre um link de escuta na sua bio, junto de seus clipes e outras redes sociais. Tem sido cada vez mais comum artistas serem descobertos primeiro nas redes sociais do que nas plataformas digitais, o que demonstra a força de um perfil bem trabalhado nas redes. 

Vamos dar um exemplo: você está escutando uma música e a faixa seguinte é desconhecida para você. Você gostou do artista, fuçou seu perfil no Spotify e agora está procurando por suas fotos. Muito provavelmente você buscará pelo seu Instagram. Nesta rede social, você poderá acompanhar a carreira do artista, seus últimos anúncios, shows, lançamentos e sessões de fotos. Faça o mesmo com o seu perfil do Instagram. As únicas ferramentas que você precisa aqui é o seu celular e uma internet de qualidade.

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3. Integrar playlists para divulgação musical gratuita

Ter a sua música em uma playlist com muitos ouvintes é ótimo para aumentar a sua visibilidade nas plataformas digitais. 

Com certeza existem playlists ideais para a sua música. Para encontrá-las, é importante fazer uma busca no Soundcloud e Youtube, que concentram usuários não pagantes. Mas também nas plataformas de streaming, como Spotify e Deezer. Busque por playlists de usuários pequenos e intermediários nessas plataformas e que sejam de fácil acesso para você. Acesse o perfil do playlister e busque entrar em contato para enviar a sua música. Esta é uma forma de divulgação gratuita muito poderosa. Demanda tempo, é verdade, mas vale a pena!

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É importante lembrar que existem muitos golpes e propagandas enganosas na internet que prometem playlists para a sua música. Lembre-se: serviços pagos que garantem a sua entrada em playlists são proibidos. 

Na Groover, nós fazemos diferente. Nós facilitamos o acesso às playlists. Na plataforma você envia a sua música para playlisters que trabalham com o seu tipo de som. Caso eles gostem do seu trabalho, você terá a sua música adicionada em alguma playlist. 

Saiba que esse é um dos grandes benefícios que a Groover oferece para os artistas independentes do Brasil e do mundo.

Assista o vídeo e entenda como entrar em playlists de forma legal usando a Groover!

4. Dicas bônus

• Shows: em uma plataforma de streaming não temos acesso ao seu universo visual. Por isso fazer shows é muito importante. É nos shows que se cria uma relação mais próxima e você começa a construir um público fiel. Fica a dica: não demore para começar a se apresentar em bares e casas de shows da sua cidade.

• Rádios: tocar nas maiores rádios do país é difícil, mas enviar um e-mail para a rádio da sua universidade não custa nada e você tem muitas chances de conseguir uma resposta positiva. O importante é tocar repetidamente para um público fiel. Criar esse laço é essencial para construir uma base de fãs sólida. Por isso, crie uma tabela no Excel com as rádios que são interessantes para o seu projeto musical. Assim como as rádios, escolha bem as suas músicas de trabalho.

• Música livre de direitos autorais: essa estratégia pode ajudá-lo a ficar conhecido por pessoas que te levarão mais longe na sua carreira. A música sem royalties pode ser usada em podcasts e streamers no Twitch, por exemplo, que muitas vezes precisam de músicas para os seus programas. Uma menção da sua música em um podcast pode ser interessante quando se está no começo da carreira. Para isso, é necessário uma licença Creative Common, que permite a distribuição gratuita de uma obra protegida por direitos autorais.

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5. Conclusão

Hoje em dia, a maioria das ferramentas de divulgação musical são de uso gratuito ou com um custo bastante acessível. Estamos falando aqui das redes sociais, lojas online, distribuidoras musicais e plataformas de streaming. Aprender a usar essas ferramentas é o primeiro passo para um artista que deseja se aproximar do seu público.

Isso significa que, quando se está trabalhando para si mesmo, o primeiro passo é estudar. Em seguida, você poderá montar a sua planilha de finanças e ver onde é mais estratégico investir: nas ads das diferentes redes sociais, assessoria de imprensa, na Groover, em uma live session, etc.

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A cereja do bolo de todas essas etapas é o show. Um artista com um show marcante consegue multiplicar o seu público a cada apresentação. Por isso, não deixe de ensaiar bem as suas músicas. Assim como explicamos acima, as apresentações ao vivo também são uma forma de divulgação musical gratuita. Pense nas músicas que serão tocadas, no cenário, no merch que você vai levar, e claro, sempre busque conversar com as pessoas depois do show. Crie um momento especial de troca humana para construir uma base de fãs sólida.

Depois conte para gente quais são os seus principais desafios e quais foram o resultado do seu trabalho para divulgar a sua música. Saiba que a Groover estará sempre aqui para te ajudar a ampliar a sua rede de contatos, divulgar a sua música e oferecer dicas e oportunidades essenciais para a sua carreira!

– Traduzido por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

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Todos nós sabemos que é muito comum os artistas independentes ficarem perdidos na hora de ter que entender como registrar uma música. Somente a ideia de ter que enfrentar uma burocracia já afasta qualquer pessoa.

👉 Porém, esse processo é mais simples do que parece. Além disso, isso é fundamental para você, artista independente, que deseja construir uma carreira profissional e ter os seus direitos autorais garantidos.

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1. A importância de registrar uma música

Você já imaginou alguém pegar a sua música e lançá-la antes de você mesmo? Isso se chama plágio e é considerado crime…e acontece mais do que você imagina. O conteúdo que trouxemos aqui servirá para evitar ao máximo problemas jurídicos com a sua música.

👉 Primeiramente, é importante saber como registrar uma música protege os seus direitos, ou seja, prova juridicamente a autoria de sua obra.

🇧🇷 No Brasil, esse registro pode ser feito na Biblioteca Nacional ou através de alguma sociedade que compõe o ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição).

É muito comum ouvirmos falar das 7 sociedades que compõem o ECAD, pois elas têm como principal função repassar os direitos autorais para os artistas. Algumas delas também cadastram a sua obra e o principal objetivo dessas sociedades é o gerenciamento e arrecadamento dos direitos autorais, ou seja, monitorar a reprodução da sua música em rádios, shows, televisão, internet, etc.

👉 Essas 7 sociedades são:

• Abramus
• Amar
• Assim
• Sbacem
• Sicam
• Socinpro
• UBC

⚠️ Dica: a Groover indica a UBC e a Abramus pela plataforma intuitiva que oferecem.

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A novidade é que este processo foi simplificado recentemente e hoje em dia já é possível registrar a sua obra através de algumas das associações citadas acima sem passar pela Biblioteca Nacional, como Abramus, Sbacem e UBC.

👀 Observação: para proteger mais ainda a sua obra, muitos artistas também entregam a partitura da harmonia e da melodia de sua composição.

É através do site dessas sociedades, que você também faz o registro do seu fonograma, que tem a mesma finalidade dos direitos sobre a obra, porém relacionados à gravação da sua música. 

👉 Vamos para o nosso passo a passo de como registrar uma música!

| Confira também: 7 dicas para compor uma música

2. Como registrar uma música: registrando a sua obra musical

Uma obra musical é a composição feita por um autor/compositor, ou seja, uma letra e/ou melodia. É importante saber que, antes mesmo de você registrar a sua música legalmente, ela já é protegida pela legislação brasileira. Isso significa que a nossa legislação é pro-autor.  

Por exemplo, imagine que alguém grave uma música sua que você não registrou. Caso você tenha uma gravação no Youtube com uma data anterior a gravação da pessoa que te plagiou, você terá a justiça a seu favor. Até mesmo testemunhas e vídeos do seu celular podem ser utilizados como prova.

Entretanto, é necessário conhecer os direitos concedidos para a pessoa que registra a sua obra enquanto pessoa física. Sim, as obras são registradas por uma pessoa física.

👉 As editoras são as únicas pessoas jurídicas capazes de terem direitos sobre uma obra.

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👉 Os direitos autorais sobre a obra são dois:

🔸 Direito moral: é o direito vinculado à personalidade do autor, é perpétuo, inalienável e irrenunciável, ou seja, não pode ser cedido, transferido ou renunciado em nenhuma hipótese.

É o direito que o autor tem de reivindicar, a qualquer tempo, a autoria da obra. Além disso, possuir o seu nome, pseudônimo ou sinal convencional vinculado a obra musical sempre que ela for utilizada. É também o direito que permite ao autor opor-se a quaisquer alterações que possam prejudicar sua obra ou atingir sua reputação.

Este também garante aos autores que possam modificar uma obra antes ou depois da sua publicação, e também possuir o direito de retirá-la de circulação ou de suspender qualquer utilização autorizada anteriormente.

🔸 Direito Patrimonial: é o que se refere ao uso econômico da obra.

São direitos exclusivos do autor que desfruta dos resultados econômicos da exploração e utilização da obra, conforme foi estipulado e negociado – seja transferência, cessão, licenciamento, venda, distribuição, entre outros.

Este último depende da autorização do autor da obra intelectual em qualquer forma de uso como por exemplo: edição, tradução para qualquer idioma, adaptação ou inclusão em fonograma ou obras audiovisuais, comunicação ao público seja de forma direta ou indireta. Todos esses direitos são independentes entre si, ou seja, a autorização para determinado tipo de uso, tem que ser diferente e única para qualquer tipo de utilização.

| Leia aqui: Como entrar em playlists editoriais do Spotify?

2.2. Como registrar a sua obra musical?

👉 Para registrar a sua obra musical é muito simples.

🔸 Biblioteca Nacional:

• Acesse o serviço Registrar ou Averbar Direitos Autorais na Biblioteca Nacional;
• Clique em Solicitar;
• Preencha formulário e informe dados dos participantes da obra;
• Anexe a documentação necessária;
• O valor por música é de R$20;

🔸 Associações do ECAD:

• Acesse o site de associações como UBC e Abramus e siga as instruções indicadas no site de cada uma delas.

⚠️ Atenção: antes de cadastrar a sua obra, é necessário se filiar em uma das sociedade.

👉 Confira o tutorial de cadastro de Obras Musicais feito pela UBC

3. Como registrar uma música: registrando o seu fonograma

3.1. O que é fonograma?

👉 A partir do momento em que você grava a sua música, ela se torna um fonograma. Registrá-lo permitirá às sociedades do ECAD recolherem os direitos autorais e distribuírem aos detentores dos direitos, como músicos, intérpretes, editoras, gravadoras, etc.

| Leia aqui: Como usar a Groover para divulgar a sua música? 🔥

3.2. Como registrar o seu fonograma?

👉 Para registrar o fonograma basta você acessar o site da sociedade que você escolheu se filiar.

Além disso, você precisará gerar um ISRC (International Standard Code) para a sua faixa, que é o número de identidade da sua música. Nele estão integradas todas as informações da sua faixa, como por exemplo: quem gravou a bateria, quem é o dono do fonograma, quem é o compositor, se tem editora, etc.

⚠️ Atenção: não crie ISRC fantasmas, isso te impedirá de recolher os direitos autorais.

💭 Lembre-se: é preciso ter a obra registrada para conseguir fazer o registro do fonograma.

| Leia aqui: Saiba porque o EP é o melhor formato para lançar a sua música

3.3. Como gerar o ISRC?

👉 Para gerar o ISRC você deve usar o programa SISRC que as sociedades do ECAD disponibilizam de forma gratuita. Basta clicar aqui para fazer o download!

Ao fazer o registro do seu ISRC, você deverá preencher diferentes detalhes sobre a sua obra como:

• Gravação ao vivo ou em estúdio;
• Duração;
• Gênero;
• Data de gravação original e de lançamento;
• Entre outras;

👉 Também será necessário incluir o nome do titular, intérpretes, músicos acompanhantes e os respectivos números de CPF/CNPJ. No final do processo, você deverá fazer subir a sua música. Por isso, esteja pronto para enfrentar a burocracia necessária. Não existe nada muito complicado, é apenas um pouco demorado.

| Leia aqui: Contrato de gravação: o que esperar e o que evitar!

O ISRC é gerado pelo produtor fonográfico, ou seja, por quem financia a gravação. Ou seja, podem ser o:

• Artista;
• Gravadora;
• Produtor musical;
• Empresário;

Quando falamos de direitos sobre o fonograma, é o produtor fonográfico quem tem poder sobre eles.

Os direitos sobre o fonograma são os chamados direitos conexos. Estes têm as mesmas proteções que os direitos sobre a obra, mas serão relativos aos intérpretes, músicos, produtores fonográficos, gravadoras, etc.

👉 Para finalizar o registro do seu fonograma: insira o ISRC e todos os outros detalhes importantes sobre a gravação, suba a sua música e valide!

👉 Confira o tutorial de cadastro de Fonogramas feito pela UBC

4. Nomenclaturas importantes

Seguem algumas nomenclaturas que você precisa se acostumar quando falamos de direitos autorais:

• Obra musical: a composição em si.

• Fonograma: a obra materializada através de uma gravação, também chamada de “master”.

• Editora: é a empresa que administra os direitos sobre a sua obra e licencia a sua utilização, sejam gravações, comercialização, sincronizações audiovisuais no cinema, TV, etc. 

• Compositor: aquele que concebeu a melodia/letra.

• Produtor fonográfico: aquele que banca a gravação, como por exemplo o artista, gravadora, empresário, produtor, etc.

• Intérprete: aquele que gravou um ou mais instrumentos em uma música.

• Arranjo: a organização dos diferentes elementos de uma música para a execução por um grupo específico de vozes ou instrumentos musicais.

• Músico acompanhante: é o músico contratado para gravar um fonograma.

| Leia aqui: Dicas e exemplos de como escrever um Press Kit

5. Conclusão

✍🏻 Aqui na Groover, nós nos preocupamos muito com os artistas independentes que desejam se profissionalizar. Saber um mínimo sobre direitos autorais é fundamental para poder avançar na carreira musical.

Muitas vezes, por questões burocráticas, desconhecimento e preguiça, deixamos essa parte de lado. E isso significa deixar a porta aberta para que outras pessoas do mercado se aproveitem da falta de conhecimento para passar a perna nos artistas independentes.

| Leia aqui: As 10 melhores estratégias de marketing musical

Nós falamos isso porque sabemos que é nas entrelinhas que os artistas perdem o direito sobre o seu fonograma, não recebem pela reprodução da sua música em novelas, ou até mesmo não conseguem processar um artista que plagiou a sua obra.

💥 Por isso, repetimos novamente, os direitos autorais são a base para qualquer artista que deseja crescer no mercado musical. Conheça e proteja os seus direitos!

– Artigo escrito por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

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O que sabemos é que não existe criação musical sem mistura de gêneros musicais e referências. Até por isso, a questão do plágio é mais polêmica ainda. Não há nada de ruim em querer utilizar um motivo (padrão musical recorrente, perceptível ou saliente). Porém, existem três condições para fazer isso: assumir o uso do sample, conhecer a legislação e fazê-lo da maneira correta. 

1. O que implica o uso de um sample?

O medo de ser acusado de plágio ao utilizar um sample vem de fatos reais. Um caso famoso recente é o de Robin Thicke e Pharrell Williams, acusados de plagiar Marvin Gaye em “Blurred Lines”. Além desse, o uso de melodias da música “Taj Mahal” do Jorge Ben Jor pelo compositor e cantor Rod Stewart em “Da ya think I’m Sexy” é outro caso que ficou famoso nos anos 70.

Mas como podemos explicar o uso passivo dos samples do James Brown? Ou a existência de plataformas dedicadas aos samples com links para mais de 594.000 músicas e 198.000 artistas, tais como a whosampled.com? 

| Veja também: Como escrever um press release

Usar um sample é com certeza uma alavanca para aumentar a visibilidade de sua faixa. Muitas vezes, o público nem percebe a utilização de um sample que muito provavelmente ele conhece. Mesmo assim, o motivo musical gera uma sensação de familiaridade com o som.

Portanto, fica a pergunta: o sample melhora a música ou a música melhora o sample? Não existe resposta certa. Essa é a magia do seu uso na história da música.

2. O procedimento relacionado à utilização do sample

O principal questionamento é: como evitar ser processado na justiça?

Antes de tudo, você deve entrar em contato com os titulares dos direitos da faixa sobre o seu desejo de utilizar o sample em sua produção. A partir disso, as partes entrarão em um acordo legal.

Existem cinco pessoas (físicas e/ou jurídicas) que podem deter direitos sobre a obra: o produtor, a editora, o(s) compositor(es), o artista e os intérpretes. Um acordo com estas cinco partes será provavelmente uma missão impossível.

Portanto, o caminho mais simples é pedir a autorização para a editora da obra, pois geralmente é ela que tem o dever de proteger os direitos autorais. Normalmente, ela também já tem um acordo com as outras partes em relação a isto.

| Leia também: Saiba o que um selo pode oferecer aos artistas

3. Como usar samples legalmente de um jeito simples

É bem provável que você esteja achando muito difícil usar um sample com tudo o que falamos até agora. Fique tranquilo: é possível usá-los gratuitamente gratuitamente e legalmente.

Se você não quiser correr riscos, há milhares de beats e pacotes de samples gratuitos disponíveis na internet. Alguns você pode ter acesso através da assinatura de plataformas como a LANDR ou Splice. A plataforma Splice, por exemplo, reúne beats e samples gratuitos acessíveis por US$ 7,99 ao mês. A LANDR oferece um formato baseado em assinatura que permite você ter o domínio sobre o seu fonograma e sua distribuição. Você pode confiar, o investimento vale a pena se você está à procura de samples sem ter que passar por problemas na justiça.

Se você estiver procurando samples de músicas mais conhecidas para as quais é necessário um pedido de autorização, você está exposto a certos riscos. Neste caso, o mais importante é seguir os procedimentos legais através de uma pesquisa na internet, pelos profissionais que trabalham junto a você ou com a ajuda de um advogado especializado em direitos autorais.

| Leia também: Como entrar em playlists editoriais do Spotify

4. Os riscos no uso do sample

Muitos samples são utilizados sem licença nas produções. Às vezes, você pode encontrar dezenas de samples em uma mesma faixa, de diferentes décadas, gêneros e artistas. O risco que o artista corre em termos de direitos autorais depende de dois fatores:

• Sorte: ou seja, a sua faixa pode passar despercebida pelo “radar” da editora que protege os direitos autorais da música em questão.

• Sua habilidade de alterar o sample: este último pode ser integrado à música com múltiplas modificações vocais e rítmicas para que a editora não acredite ser necessário tomar medidas legais. Isso acontece muito, pois na maioria das vezes o processo consome muito tempo e dinheiro.

Por exemplo, é difícil não perceber o plágio da música “If I Could Fly” do Joe Satriani no refrão do Viva la Vida de Coldplay. Entretanto, a banda do Chris Martin foi considerada inocente pelo sample ou “plágio”.

Portanto, saber transformar o sample  ou um motivo de forma discreta e original é essencial se você não pretende recorrer a uma licença.

5. Usar o sample na sua música com sucesso

Há uma infinidade de técnicas de samples que são bem conhecidas e comprovadas na história da música. Não se trata apenas de colocar uma música em cima de sua composição. Muitas vezes, o sample vem para somar na produção para criar uma mistura única. Uma das técnicas mais utilizadas pelos artistas é a mudança da velocidade e do tom do sample original.

| Leia também: Como ganhar streams no Spotify?

A nossa dica final é: fique atento atento ao uso de samples. Se você for discreto e criativo na sua produção, não tem problema. Se você quiser realmente “assumir” o seu uso, por exemplo, sampleando o refrão de uma música famosa, nós te aconselhamos a entrar em contato com a editora que detém os direitos autorais da música em questão.

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Mesmo não sendo mais necessário assinar com uma gravadora ou um selo para crescer, ter uma estrutura profissional ao redor do seu projeto musical permite que você ganhe tempo e visibilidade. Além disso, estar em um selo traz credibilidade, aumenta o seu leque de contatos e garante uma equipe que estará trabalhando em prol de sua carreira.

Pensando nisso, a Groover trouxe este artigo com dicas preciosas para você saber exatamente para que serve um selo e como encontrar um para o seu projeto musical.

| Assista ao vídeo e saiba como usar a Groover para divulgar a sua música

Todos sabemos que fazer uma música nunca foi uma tarefa fácil. Entre todos músicos que compuseram músicas históricas, muitos se afogaram na indústria musical. Há muitas razões para isso ter acontecido, mas o principal motivo é provavelmente porque não trabalharam com um selo ou uma gravadora composta por uma equipe profissional.

Se a música tem se tornado cada vez mais um negócio, isso pressupõe a necessidade de um ninho de habilidades que reúne muitos outros tipos de know-how como o jurídico, econômico, marketing e assim por diante. Ciente desta realidade, você deve portanto fazer alianças com profissionais do mercado musical que lhe permitirão encontrar seu caminho e prosperar em seu projeto musical. Os selos profissionais são especializados em todos estes campos citados acima.

1. Como encontrar um selo que tem a ver com você?

Saiba que assinar com um selo não é tão difícil quanto se imagina. Primeiro porque a quantidade de selos independentes tem crescido no Brasil, assim como no mundo todo. Antes de tudo, é importante que você se familiarize com este universo e se conecte com as pessoas que dialogam com o seu universo musical. Esta etapa é essencial para encontrar o selo certo, para em seguida fazer um planejamento de trabalho a médio-longo prazo. Não há um procedimento padrão para este primeiro passo, mas o fundamental é expandir a sua base de contatos. 

A Groover tem uma resposta para você! Faça a sua campanha de divulgação em nossa plataforma, envie a sua música e receba uma resposta em até 7 dias (ou os seus créditos de volta)! São mais de 350 selos disponíveis no mundo inteiro, sendo mais de 30 brasileiros, cada um com a sua identidade. Temos certeza que eles ficarão muito felizes em receber as suas músicas. Dica: sempre busque selos que dialoguem com o seu som!

Agora que você sabe para quem enviar a sua música, vamos dar uma olhada no que você precisa entregar. É óbvio que você precisa ter alguma coisa para mostrar. Por exemplo, enviar as suas redes sociais e para o seu perfil nas plataformas de streaming.

O princípio de envio de sua música é quase o mesmo que com os jornalistas, mas para os selos você deve demonstrar o seu interesse pelo selo/gravadora. Um elemento que facilitará o seu encontro com o selo ideal é construir uma boa base de fãs e acumular uma quantidade significativa de plays no Spotify.

Outra estratégia eficaz para chamar a atenção dos selos é interagir bastante com o seu público. Busque criar uma relação mais íntima em suas redes sociais. Dessa forma, você atrai mais olhares por parte dos selos que te interessam. Não deixe que nenhuma rejeição acabe com os seus ânimos. Se não for com o selo que você acredita ser o ideal, outro pode estar interessado em te acompanhar no seu caminho profissional. Lembre-se que assinar com um selo é principalmente uma questão de match profissional entre as duas partes. Além disso, é importante que o artista e o selo estejam alinhados em seus objetivos desde o primeiro encontro. Se você sentir que os seus interesses divergem, deixe a proposta em stand-by e priorize quem compartilha valores e metas similares. A relação com o público também pesa para o departamento de A&R das gravadoras na hora de avaliar novos artistas.

2. O que um selo pode fazer por você?

Vamos supor que um selo queira assinar com você. O selo pode oferecer vários tipos de suporte dependendo de seus meios. Esses meios podem ser, por exemplo, financeiros: bancar ensaios, gravações, produtores ou qualquer outro elemento que envolve a produção da sua música são alguns exemplos. Além disso, qualquer material relacionado à sua imagem, desde a produção de um clipe até fotos promocionais.

Um selo também permite que você ganhe dinheiro. Aqui é aonde entra o caráter legal das suas músicas em relação ao selo: os direitos relacionados à obra e direitos autorais. Estes direitos são garantidos pelo ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição), que é composta por 7 associações. Busque estudar sobre os seus direitos enquanto artista para fazer um bom acordo e não passarem a perna em você. Dica: tenha em mente para as suas futuras negociações que, como artista, você tem que lembrar que você é a engrenagem essencial da roda.

Além disso, um selo poderá te ajudar na parte de divulgação de sua música. Seja contratando um assessor de imprensa, cuidando da burocracia, contatando os jornalistas para escrever sobre a sua música ou fazendo qualquer outro tipo ação relacionada à comunicação. Os bons profissionais já sabem as estratégias que não funcionarão para você e com certeza apresentarão ideias promissoras para conquistar um público fiel. Lembre-se: o selo também pode te ajudar a encontrar um agência de booking ou um booker ideal para cuidar da sua agenda de shows e sair em turnê com você.

| Confira também: 5 dicas para encontrar um booker!

Até o merchandising e a distribuição física e online de sua música também podem ser de responsabilidade do selo. Tudo isso depende do tipo de contrato que você assina com o selo. 

Nós sabemos que a situação dos selos no Brasil é muito diferente, por exemplo, dos selos da Europa, que recebem subsídios para estimular a cena local ou até mesmo nos Estados-Unidos, onde o mercado independente é muito mais pujante. No Brasil, os selos têm pouco orçamento, por isso muitos deles não oferecem tantos benefícios financeiros. Por outro lado, os selos podem trazer contatos, credibilidade e profissionalismo para a carreira do artista. Na sua posição de artista, é importante você saber qual é a troca real que existe entre as duas partes. Sempre faça a pergunta para si mesmo: “O que estou ganhando fazendo parte desse selo?”

Lembre-se: se você já conquistou um determinado público e tem bons números nas plataformas de streaming, valorize-se! Um selo e um artista podem ganhar muito se estiver trabalhando conjuntamente para aumentar a visibilidade do projeto musical.

| Leia também: Direitos autorais: tudo o que você precisa saber!

3. Tipos de contrato

Aqui estão os três principais tipos de contrato que você vai encontrar na busca por um selo:

• Contrato de exclusividade: este é provavelmente o contrato mais conhecido. Neles, o selo/gravadora pagará por tudo, desde os custos de produção, direção artística, edição e distribuição da sua música. Os serviços de marketing e divulgação da sua música também estão inclusos neste tipo de contrato. A sua remuneração poderá ser baseada em um cachê pelas sessões de gravação e em uma porcentagem da renda que você gerará a partir da sua música (streaming, venda de vinis, sincronização, etc.). Esta última fonte de renda são os direitos autorais (royalties em inglês) – dos quais a porcentagem varia dependendo da negociação entre o artista e o selo. Muitas vezes um artista recebe entre 5 e 20%. O artista também estipulará o tempo de vinculação ao selo (geralmente 2 ou 3 anos), assim como a quantidade de projetos musicais (álbuns, EPs, etc.) que serão produzidos. Atualmente, é raro um contrato firmar a produção de mais de dois projetos. 

A grande vantagem em um contrato de exclusividade é que você não precisará pagar nada por sua música: todo o processo é responsabilidade do selo. A desvantagem é que você receberá uma pequena quantia de dinheiro em comparação com os lucros totais que serão obtidos e que você não será dono de seus fonogramas.

| Leia também: Contrato de gravação: o que esperar e o que evitar?

• Contrato de licenciamento: este segundo tipo de acordo é sem dúvida o mais importante nos dias de hoje. Este contrato trata de tudo que está relacionado à venda da sua música. Neste caso você é o proprietário do fonograma. O selo cuidará da burocracia relacionada a edição e distribuição assim como a comunicação e a divulgação do seu projeto musical.

É importante enfatizar aqui que, uma vez ratificado este tipo contrato, você está concedendo à sua gravadora a possibilidade de fazer a promoção da sua música. Em suma, você está dando uma licença ao selo. O objetivo deste acordo é maximizar as vendas de sua música com uma boa distribuição em todos os meios de comunicação, graças aos contatos e à experiência de seu selo. Muitas vezes, pode acontecer de o artista não conseguir a visibilidade esperada. Neste caso, recomendamos que o artista veja se realmente está valendo a pena ficar no selo.

• Contrato de distribuição: este contrato vincula a editora e/ou selo à distribuidora. Este tipo de acordo permitirá que você tenha a ajuda de especialistas em entregar a sua música para o máximo de ouvintes, por exemplo, inserindo a sua música em um máximo playlists nas plataformas digitais. Neste caso, a distribuidora ficará com uma porcentagem das receitas da sua música, ou seja, das vendas físicas e das reproduções nas plataformas digitais. Se você tem um contrato de exclusividade, este processo estará incluso no contrato – o mesmo vale para os contratos de licenciamento.

Caso você se produza e consiga administrar minimamente os aspectos artísticos e comerciais da sua música, este último contrato é ideal para você. O contrato de distribuição permitirá que você torne a sua música acessível e que você fique praticamente com todo o lucro gerado. 

Sintetizando, em um universo onde a criação musical não está mais reservada a uma elite e onde se pode produzir a um custo muito baixo, o contrato de licenciamento parece ser o « ideal » para um artista. Entretanto, se você quiser começar e construir uma base sólida com um selo de qualidade e confiança, recomendamos o contrato de exclusividade.

Neste último tipo de contrato você ganhará menos, mas poderá se concentrar quase que exclusivamente na criação artística. O mais importante de tudo isso é ter uma relação transparente com o selo e ter o conhecimento claro dos valores e dos termos acordados entre as duas partes.

– Traduzido por Max Leblanc –

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1. Loud & Clear – Artistas e pagamento no Spotify

As críticas à indústria de streaming estão pipocando nas redes sociais este ano. Basta pesquisar #BrokenRecord no Twitter para ver a reação de artistas frustrados e profissionais da indústria contra o que eles consideram uma indústria injusta e exploradora – o streaming. Grande parte de sua crítica é direcionada ao Spotify, o maior player do setor, que representa 20% da receita de toda a indústria de música gravada em 2020. Esta é uma estatística enorme.

A crítica não vem apenas de artistas independentes, mas também de pesos pesados ​​da indústria como Mick Jagger, Ed O’Brien do Radiohead, Tom Jones e Nile Rodgers, só para citar alguns. A pressão sobre o governo para responder a este movimento culminou em um relatório de 6 meses do departamento de Digital, Media, Culture & Sport do governo do Reino Unido cujas conclusões estavam muito alinhadas com os objetivos deste movimento, ou seja, abordar a mísera parcela de royalties que ficam para os artistas de plataformas de streaming – as gravadoras sediadas no Reino Unido registraram receita de cerca de £736 milhões em 2020, com os artistas responsáveis ​​​​pela criação das músicas recebendo cerca de 16% disto.

Essa injustiça emana das próprias plataformas de streaming ou é um problema mais abaixo do filtro? Loud & Clear levanta o véu.

Loud & Clear é uma iniciativa lançada recentemente pelo Spotify para lançar alguma luz sobre a economia do streaming. É uma plataforma online, disponível gratuitamente para todos, onde você pode visualizar estatísticas sobre royalties, pagamentos, tipos de artistas e o fluxo de dinheiro através do Spotify. O Spotify afirmou que sente que “ficou muito quieto sobre esse assunto” e gostaria de fornecer “uma base valiosa para uma conversa construtiva” sobre o assunto.

| Leia também: Streaming: como decolar nas plataformas de streaming

2. Como o dinheiro entra no Spotify?

Para entender grande parte das estatísticas sobre streaming, precisamos entender como essa receita é gerada e como ela sai do Spotify. As duas principais fontes de renda do Spotify são o nível gratuito, financiado por anúncios, e o nível premium, financiado por pagamentos regulares feitos pelos usuários na forma de assinatura .

O Spotify fica com cerca de 1/3 do valor gerado em sua plataforma, sendo os outros 2/3 pagos como royalties aos detentores dos direitos, e esse é um ponto importante. O Spotify nem sempre paga diretamente aos artistas. Em vez disso, eles pagam aos detentores de direitos – que podem ser gravadoras, artistas, distribuidores ou outras agências. O titular dos direitos de uma gravação é determinado em um contrato entre uma organização (gravadora, distribuidora, editora…) e um artista. Para artistas independentes, que geralmente trabalham sem gravadora, o Spotify provavelmente pagará ao seu distribuidor, com o distribuidor pagando por sua vez aos artistas. Pode-se adicionar uma gravadora à mistura, caso em que eles provavelmente também receberiam um pagamento de seu distribuidor e, por sua vez, pagariam aos artistas de acordo com o contrato.

Já se pode imaginar que essa é outra possível fonte de injustiça promovida por essas agências terceirizadas – contratos desleais entre agências e artistas. De fato, os parlamentares criticaram as três principais gravadoras após o relatório devido a falta de clareza, e descreveram um chefe de gravadora como “vivendo no mundo da lua” depois de sugerir que os artistas estão felizes com o sistema atual. Essas três empresas representam uma parcela de 75% da receita na indústria de música gravada do Reino Unido e cerca de 66% em todo o mundo.

| Confira também: Saiba como subir um vídeo Canvas para as suas músicas no Spotify

3. Como o dinheiro sai do Spotify?

US$ 5 bilhões deixaram o Spotify e foram para os detentores de direitos em 2020. A próxima pergunta é: como o Spotify determina qual proporção da receita é paga a cada detentor de direitos? Todo mês, em cada um de seus principais mercados, o Spotify calcula o número total de streams. Em seguida, eles calculam, para todos os artistas transmitidos nesse mercado, a porcentagem do número total de transmissões que eles tiveram. Assim, eles pagam qualquer que seja essa porcentagem de royalties ao detentor dos direitos correspondentes.

Por exemplo, se um artista no Brasil for transmitido 1 vez a cada 1.000 streams, ele receberá 1/1.000 de cada dólar de receita desse mercado. Isso é chamado de sistema “streamshare”.

| Veja também: Editais de música 2022 – Inscreva-se!

Existem alguns problemas potenciais com este sistema – que inclusive tem sido amplamente criticado. Por exemplo, imagine que você é da França e ouve house music. 95% de seus streams são de artistas como Kerri Chandler, Floorplan etc. Seus hábitos de escuta não são refletidos nos pagamentos do Spotify ao detentor dos direitos. Por exemplo, 95% da sua assinatura não vai para Kerri Chandler ou Floorplan, mas é colocada no pool de receita e depois dividida com base em seu sistema de streamshare, com uma parte considerável de sua assinatura indo para os artistas mais populares, como JUL ou Damso.

A empresa afirma que a pesquisa sobre modelos de pagamento centrados no usuário, em que sua assinatura é paga proporcionalmente à quantidade de tempo que você gasta transmitindo artistas específicos, não é conclusiva. O Spotify abordou a questão via Loud & Clear, dizendo que “A pesquisa que vimos até agora sugere que uma mudança para pagamentos centrados no usuário não beneficiaria os artistas tanto quanto muitos esperavam originalmente – um estudo do National Music Center (CNM) descobriu que a mudança resultaria em “no máximo alguns euros por ano, em média” para artistas fora do top 10.000. ” Eles também sugerem que é necessário “alinhamento amplo da indústria ” para implementar uma mudança.

A Deezer, concorrente do Spotify com sede na França, já implementou a mudança para pagamentos centrados no usuário. É difícil ver o que exatamente o Spotify quer dizer com isso, já que a mudança pode vir diretamente deles e da forma como dividem a receita sem o envolvimento de terceiros. É bem provável que eles estejam preocupados com a pressão de agências terceirizadas com medo de perderem dinheiro com a mudança. Também parece estranho que o Spotify, famoso pela forma como abraçou o uso de seus dados em suas práticas, não tenha divulgado nada sobre simulações internas que certamente poderiam ter sido realizadas, mas citam pesquisas de terceiros (que não possuem acesso ao banco de dados do Spotify) sobre a sua própria plataforma.

4. Estatísticas do Loud & Clear

Inicialmente, a estatística interativa apresentada no Loud & Clear é aquela que fornece um valor fixo de receita e permite verificar o número de artistas na plataforma cujos catálogos estão gerando um determinado valor ou mais.

As estatísticas estão representadas graficamente abaixo. Na parte inferior do gráfico temos o ano, enquanto a altura de cada barra representa o número de artistas cuja receita ultrapassa o rótulo da barra. Portanto, a barra de cor salmão significa que, em 2020, 184.500 artistas geraram receita acima de US$ 1.000. Existem 2 gráficos, pois a escala é bem diferente para os dois conjuntos de resultados (apenas 840 artistas geraram receita acima de US$ 1 milhão, enquanto 185.000 artistas acima de US$ 1 mil).

Fonte: Loud & Clear pelo Spotify

Um ponto positivo é que o número de artistas cujos catálogos estão ganhando mais de $ X está crescendo ano a ano , o que significa que mais artistas estão começando a ganhar dinheiro a cada ano que passa e talvez estejam progredindo na plataforma. Pode-se imaginar que aqueles que entram na faixa de US$ 1 milhão provavelmente teriam vindo da faixa de US$ 500 mil.

Portanto, o que é surpreendente é quão poucos artistas estão ganhando um salário de vida com streaming quando fazemos uma análise mais detalhada. Para ilustrar um caso concreto, vamos pegar o grupo de artistas cujo catálogo gera mais de US$ 50 mil. Na melhor das hipóteses, o artista é independente e só tem que pagar uma parte desses US$ 50 mil ao seu distribuidor (a agência que colocou suas músicas no Spotify), o que hoje em dia é muitas vezes pouco devido ao surgimento de distribuidores online e práticas como a DistroKid. Por exemplo, podemos imaginar um caso muito pior e mais comum, onde uma gravadora receberá 50% diretamente (esta é uma taxa muito comum com grandes gravadoras – muitas vezes podendo chegar até 70-80%), sem mencionar o valor a ser pago pelo envolvimento de potenciais distribuidores, editores, etc.

Como citado acima, os artistas em média no Reino Unido levaram para casa apenas 16% da receita gerada na indústria da música gravada, então claramente há coisas ainda piores em situações imagináveis. Imagine o cenário de 16%. Isso corresponderia a cerca de US$ 8.000 por ano para aqueles na faixa de US$ 50.000. No grupo de mais de 100 mil, seria $ 16.000. Para se ter uma ideia, existem apenas 7.800 artistas gerando mais de US$ 100 mil no Spotify, ou cerca de 0,1% de todos os artistas no Spotify.

| Leia também: Saiba como entrar em playlists editoriais do Spotify

Para contextualizar melhor, podemos usar uma ferramenta disponível no Loud & Clear. Ela permite que você obtenha uma estimativa de onde um artista estará no top-X de artistas, considerando uma contagem mensal de ouvintes. Por exemplo: 750.000 ouvintes mensais colocariam você entre os 9.000 maiores artistas no Spotify de acordo com o Loud & Clear. Presumivelmente então, dado o que foi discutido acima, isso geraria cerca de US$ 100 mil antes de ser dividido entre as várias agências envolvidas na gravação (o selo, o artista, o distribuidor etc.). Este é um número muito grande de ouvintes mensais, dificilmente alcançável para a maioria dos artistas independentes – existem mais de 8 milhões de artistas no Spotify. Esperar alcançar um salário mínimo na plataforma é estar entre os 9.000 melhores artistas de 8 milhões e, em alguns casos, isso corresponde a pouco menos do salário mínimo sendo filtrado para o artista. Uma estatística bastante chocante.

Agora imagine o caso das bandas, onde a divisão dos artistas tem que ser subdividida entre os membros da banda. Parece sem esperança. Mas quem é o responsável? A partir de nossos cálculos aqui, parece que pode realmente, até certo ponto, estar fora das mãos do Spotify e de terceiros, como gravadoras.

5. Os diferentes tipos de artistas no Spotify – de acordo com a Loud & Clear

A Loud & Clear também nos apresenta vários tipos típicos de perfis no Spotify, e dá a receita média gerada por cada tipo de perfil. Temos os “The Established ”, ou aqueles artistas que são consistentes com seus lançamentos, chegando entre os 50.000 melhores artistas por 3 anos consecutivos. O número médio de ouvintes mensais deles é de cerca de 600 mil e a receita média gerada por eles é de US$ 94 mil por ano. Há cerca de 34.000 deles.

Além desse últimos, existem os outros perfis, como “The Specialist ”, que corresponde a artistas com mais de 25.000 ouvintes mensais e com 90% de sua música caindo em gêneros de nicho como trilha sonora, easy listening, religioso, música infantil e música clássica. Eles podem esperar US$ 36.900 por ano e têm, em média, 214 mil ouvintes mensais.

Essa análise é interessante e mostra algumas outras maneiras de ter sucesso na plataforma que não são apenas a ideia de “assinar para uma grande gravadora e ficar no topo das paradas”.

| Veja também: Pré-save: uma ferramenta fundamental para os artistas promoverem a sua música

6. Panorama do streaming para os artistas

Podemos concluir que é difícil ganhar a vida na era do streaming. Tudo o que podemos dizer foi estabelecido e pode ser facilmente visto graças ao Loud & Clear. O Spotify é totalmente responsável? Não. Eles tiveram um enorme impacto na indústria da música em geral , desencorajando a pirataria e, junto com seus concorrentes, tirando a indústria da música de uma baixa histórica em 2014 (receita total de US$ 14 bilhões na indústria) para números próximos de seu pico em 1999 por US$ 25 bilhões.

Eles democratizaram a indústria da música reduzindo as barreiras de entrada. Um artista não precisa mais de um grande orçamento e uma gravadora para colocar o pé na porta, eles podem tomar sua carreira em suas próprias mãos. 90% dos streams mensais no Spotify vêm de 57.000 artistas. Este é um número que quadruplicou em 6 anos, o que significa que a plataforma está se tornando mais diversificada, com um número maior de novos artistas representando o tempo de reprodução na plataforma. Porém, não se foi dito nada sobre a proporção de artistas que são independentes. Só podemos esperar que sua participação também esteja aumentando.

No entanto, há muitos espaços de melhoria a serem feitos para melhorar a igualdade e a receita paga aos artistas. Uma coisa óbvia para tentar seria um sistema de pagamento centrado no usuário ou talvez um aumento de preço. Eles comentam que um aumento de preço já foi realizado em alguns mercados e que, como “60% de nossos usuários de nível premium já foram de nível gratuito ”, um aumento de preço é um “equilíbrio fino”, pois eles não desejam gerar novos clientes longe de se tornarem assinantes.

| Leia também: Como escrever um bom rider técnico para shows ao vivo

Alguns críticos observaram que o Spotify, como plataforma, é semelhante ao rádio no sentido de que existem seleções de música pré-selecionadas (os Daily Mixes, por exemplo) com as quais o usuário se envolve da mesma maneira que eles fazem quando ouvem a rádio. Eles selecionam a estação de rádio (ou no Spotify, a lista de reprodução) e a música selecionada é transmitida para eles.

Dessa forma, esses críticos argumentam que o Spotify deveria ter que pagar da mesma forma que outras emissoras, e que eles deveriam ter que usar um sistema de remuneração equitativo; um sistema pelo qual a qualquer momento em que a música de um artista é transmitida (em uma apresentação pública, transmitida no rádio..), o artista deve ser compensado com um pagamento a uma sociedade de cobrança (como BMI, ASCAP, PLL etc.), que então repassará o pagamento ao artista. Esse sistema coloca um pouco mais de poder nas mãos dos artistas, pois é a sociedade de cobrança que pode negociar a taxa de remuneração equitativa com as emissoras.

Atualmente, os artistas efetivamente não têm poder para negociar seus pagamentos nas plataformas de streaming. Essas empresas não são obrigadas por lei a usar esse sistema, mas é difícil entender por que não deveriam. É difícil negar a semelhança com o rádio que o Spotify pode ter, especialmente considerando seus novos recursos como o Daily Drive (uma mistura de notícias e música), que o torna basicamente em uma rádio. O Spotify afirma seu compromisso em ajudar os artistas a alcançar o sucesso em sua plataforma e afirma que eles “estão maximizando a receita geral” e, portanto, os pagamentos aos detentores de direitos. Este problema não foi abordado diretamente no Loud & Clear.

Uma coisa é certa, se os artistas devem ser remunerados de forma justa por seu trabalho, não são apenas as plataformas de streaming que precisam mudar sua política, mas também as gravadoras e outras agências de terceiros. Enquanto os artistas só podem esperar uma divisão de 13 a 20% dos royalties das principais gravadoras (lembrete: elas representam cerca de 66% da receita da indústria da música), é difícil culpar apenas o Spotify. Levando em consideração que as 3 maiores gravadoras (Sony, Universal, Warner) possuem cerca de 13% de participação no Spotify, seria difícil não vê-los fazendo pressão contra qualquer política que reduza o valor que o Spotify representa para eles.

O streaming é justo? Não exatamente, mas não são apenas as plataformas de streaming que precisam mudar para que os artistas sejam compensados ​​​​de forma justa. 

– Texto traduzido por Thiago Cyrino –

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Além disso, se você sentir que já está precisando encontrar alguns membros para s

1. Empresário

Tradicionalmente, um empresário é o representante do artista que ajuda a construir, promover, e dirigir o projeto de um artista. Isso tudo diz respeito por exemplo a:

• Negociação de contratos e honorários
• Confirmar oportunidades de shows e de estúdio
• Montar um plano de negócios
• Fornecer feedbacks sobre música
• Direcionamento para as redes sociais de um artista
• Coordenar os membros da equipe do artista
• Promover a sua música e/ou eventos

👉 As perguntas mais comuns são:

• Será que eu preciso de um empresário?
• Como escolher o certo?

No meio da música independente é muito comum o artista não ter um empresário, principalmente no Brasil. A grande vantagem é que esse profissional libera o artista de muitas tarefas burocráticas. Além disso, se o empresário tiver bons contatos, é com certeza uma grande oportunidade.

No que diz respeito ao lado financeiro, um empresário pode exigir um pagamento mensal ou receber uma porcentagem da sua música, caso ele tenha investido na produção musical e/ou na venda de shows caso ele também seja o booker/agente de shows.

Um empresário na equipe de um artista pode ser muito vantajoso

👉 Em teoria, os empresários são os profissionais que cultivam um dos laços mais fortes com o artista no desenvolvimento de um álbum ou de uma carreira.

👉 Antes de firmar um contrato com um empresário, faça reuniões, elabore pontos importantes para a sua carreira musical e investigue seu trabalho. Outro ponto muito importante é o profissional ter uma conexão verdadeiro com a sua música, isso fará toda diferença no desenvolvimento e nos resultados da sua carreira musical.

| Leia também: Como encontrar um empresário?

2. Equipe de shows: booker ou agente

Hoje em dia, os artistas independentes vivem basicamente da renda de shows, por isso, ter alguém que trabalha para vender o seus shows e organizar as suas apresentações é uma grande vantagem.

👉 Existem dois profissionais dedicados a isso dentro da equipe de um artista:

🔸 Booker

• Planejar datas e itinerários de turnês.
• Tratar os aspectos contratuais de shows como horários, mapa de palco, patrocínios, etc.
• Encontrar suportes para a sua turnê como um produtor, assessoria e logística de transporte.

Assim como um empresário, é mais comum um agente chegar no artista do que o contrário. Em média, os bookers recebem uma porcentagem de cerca de 15% a 20% por show. Isso pode parecer muito, mas na verdade, o booker está engajado na venda do seu projeto e normalmente, fará de tudo para que você também saia ganhando: quantidade de shows, boas oportunidade, evitar calotes. Este profissional é o membro da sua equipe que tem como missão vender o seu peixe.

Por isso é importante que o booker que trabalhar na sua equipe esteja conectado com casas de shows, festivais, produtores, outros agentes, e equipes de produção artística. A reputação é tudo na indústria musical, portanto, certifique-se de que os membros da sua equipe tenham uma reputação positiva no mercado.

🔸 Produtor de shows

• Cuidar da realização do show
• Acompanhar o artista na turnê
• Relacionamento com o contratante e a equipe do local de apresentação

Este membro da equipe tem que estar preparado para cuidar de todos os detalhes que exigem um show, desde questões técnicas, logística e relacionamento humano, tanto com o artista quanto com os profissionais envolvidos.

| Veja também: 5 dicas para encontrar um booker

3. Equipe de divulgação e marketing

Promover a sua música é fundamental para construir o seu público e desenvolver a sua carreira musical. Para isso, é necessário uma equipe especializada nas estratégias de marketing musical como:

🔸 Produtor de conteúdo: no entanto, à medida que o artista vai se desenvolvendo, é possível que ele precise de um auxílio para desenvolver uma estratégia mais sólida e conteúdos de maior qualidade. Este é o membro da equipe que precisa saber tudo que está acontecendo com o artista: lançamentos, vida do artista, gravações e tudo que pode ser interessante para a produção de conteúdo. 

🔸 Assessor de imprensa: esse profissional cuida de toda divulgação do seu trabalho nas mídias e pode fazer a diferença na sua equipe. Um assessor de imprensa custa caro e vale a pena quando o profissional é bem conectado com os canais de seu nicho. Hoje em dia, é mais comum os profissionais trabalharem sob um contrato de prazo fixo para um lançamento específico: álbum, single, datas de turnê, etc. 

🔸 Divulgação na Groover: se você está buscando fazer contatos com profissionais do mercado, como mídias, produtores, playlists e rádios, a Groover é uma ótima ferramenta para isso. 

📺 Assista ao vídeo e veja como usar a plataforma

Na plataforma é o artista que escolhe os profissionais que escutarão a música enviada

4. Advogado

Ter um advogado parceiro pode ser muito útil para um artista independente que está se profissionalizando, por exemplo para:

• Proteção dos direitos de um artista
• Contratos de gravação, shows e selos
• Contratos com empresários, produtores, contratantes de show, etc.
• Assegurar a cobrança de seus ganhos 
• Assegura contratos com os membros de sua equipe

| Veja também: Contrato de gravação: o que esperar e o que evitar?

5. Editora

Caso você seja um compositor, então você precisa de uma editora. A edição da sua música permite que ela seja licenciada e que você seja pago por ela. Além disso, uma boa editora pode conseguir que o seu trabalho seja reproduzido em filmes, programas de TV, publicidade, jogos, etc.

O principal papel da editora é a administração dos direitos autorais. Ao assinar um contrato editorial, você está concedendo a seu editor o direito de administrar as suas músicas, o que pode trazer muitos benefícios, mas sempre consulte um advogado antes de firmar parcerias do tipo.

| Veja também: Direitos autorais: tudo o que você precisa saber

6. Selo ou gravadora

Hoje em dia, é muito comum um artista independente não precisar de uma gravadora para estruturar a sua carreira e fazer sucesso. Adele, Radiohead, e Kaytranada são alguns artistas que demonstram essa realidade. A partir do momento que o artista consegue rentabilizar o seu trabalho, ele pode começar a construir a sua própria equipe e muitas vezes, montar o seu próprio selo e/ou gravadora.

Entretanto, em troca de sua música, as grandes gravadoras fornecerão ao artista marketing, distribuição, produção e contatos de peso. Por isso, vale a pena calcular o que vale mais a pena para você.

| Veja também: 7 selos musicais para você enviar a sua música

7. Um empresário amigo

Muitas bandas independentes tiveram grandes amigos como os seus primeiro empresários. Este é um caminho viável e realista. Dessa forma, as duas partes crescem juntas e tem uma afinidade maior. Mas nunca esqueça de fazer um contrato mesmo sendo amigo, para evitar problemas de relacionamento no futuro.

| Veja também: Mafe Peccin entra em playlist da Piccadilly graças a Groover e Bananas Music

8. Faça você mesmo 

A dura verdade é que o artista começa fazendo tudo sozinho. Pode parecer esmagador, mas construir a sua equipe demanda tempo e empenho individual. Mesmo assim, não deixe de empregar pessoas por um tempo determinado para projetos específicos, isso vai te ajudar muito. A medida que o projeto for se desenvolvendo, você poderá construir a sua equipe aos poucos.

| Veja também: Lacoya faz turnê no Brasil graças à Groover

9. Conclusão

Aproveite o conteúdo do Blog e do Instagram para estudar as ferramentas e as estratégias que existem para a carreira de um artista independente. A nossa plataforma, além de ajudar os artistas a se conectarem com o mercado, fornecem dicas, casos de sucesso e editais.

– Tradução por Max Leblanc – 

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Antes de mais nada, parabéns! Com este artigo, gostaria de guiá-lo através de alguns dos aspectos mais comuns de um contrato de uma gravadora: o que esperar e o que evitar, para que você esteja protegido e preparado para situações indesejadas.

No mundo de hoje, existem muitas opções quando se trata de gravadoras. Há uma infinidade de combinações possíveis e, na verdade, elas estão disponíveis para artistas de todos os tamanhos e estilos. No entanto, tudo se resume a uma decisão: uma gravadora independente ou grande. Embora as gravadoras geralmente permaneçam muito mais “tradicionais” em seus contratos, as gravadoras independentes costumam ter a oportunidade de oferecer contribuições criativas sob medida para um artista específico, mas com a desvantagem de geralmente ter um orçamento menor e uma rede de contatos mais limitada.

Então, o que você espera ver em um contrato? Vamos analisar algumas das seções principais juntos!

1. Estabeleça o contexto

Em primeiro lugar, cada contrato respeitável começará por estabelecer quem são as partes que estipulam o acordo (isso geralmente envolve o artista, seu possível representante e a gravadora com seu representante). Uma data também deve aparecer na parte superior para estabelecer uma cronologia histórica e quaisquer outras informações relacionadas a você como artista e ao selo como empresa.

Nesta seção, também é importante que toda a terminologia específica relevante para o contrato seja definida, pois elas serão usadas repetidamente ao longo do contrato. Alguns exemplos: devem ser definidos termos como fonograma, artista, etc. Esta seção serve como introdução ao contrato!

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2. Duração, termos e expectativas

Após a introdução, a primeira seção do contrato que você provavelmente encontrará será a do “termo”, também conhecida como cláusula temporal. Aqui, o artista e a gravadora chegarão a um acordo sobre a duração do compromisso. Nesta cláusula, é muito importante também determinar quais são as expectativas em relação à quantidade de música que deve ser produzida e em os seus respectivos prazos. Observe que este último ponto é aplicável apenas se a gravadora estiver contratando o artista. Os acordos de licença e distribuição geralmente não exigem que o artista produza uma quantidade específica de música sob a “proteção” do selo, entretanto, ainda será necessário definir a duração desses direitos de licença.

Nesta seção, o artista decidirá por quanto tempo os direitos de sua música ficarão à disposição da gravadora, e também será definida a natureza da relação entre as duas entidades: se é exclusiva ou não. Se for um contrato exclusivo com a gravadora, normalmente a gravadora cuidará de todos os aspectos da carreira do artista. Se for um contrato não exclusivo, isso geralmente significa que o artista está autorizado a firmar parcerias com terceiros em relação a merchandising, turnê, produção etc. (certifique-se de ler a parte dos termos com cuidado para entender qual “exclusividade” o seu contrato realmente se refere e o que isso implica na sua carreira).

Além disso, nesta primeira seção, você também pode esperar ver uma cláusula que concede permissão à gravadora para usar o nome e a imagem do artista para distribuir e promover as músicas em questão. Certifique-se de ler os detalhes da cláusula porque, embora permitir que uma entidade diferente use seu nome e imagem livremente pode ser benéfico para sua carreira, também pode ser bastante prejudicial. (Talvez você queira adicionar uma declaração dizendo que deve haver aprovação do artista antes que qualquer nome ou imagem seja usado … isso pode evitar muitos problemas futuros).

3. Os aspectos financeiros de um contrato com gravadora

A parte seguinte do acordo envolverá tudo o que tenha a ver com dinheiro e despesas. Isso geralmente é dividido em duas partes:

1. Adiantamentos e apoio financeiro:

Quando nos referimos a adiantamentos, estamos falando sobre o dinheiro que a gravadora dará ao artista como um  “depósito” para custear a criação de um álbum ou EP (seja qual for a quantidade de música acordada) e essencialmente financiar toda as despesas (salários) envolvidas e o processo de produção do início ao fim. O valor do adiantamento dependerá do tipo de contrato, do tamanho e do orçamento da gravadora e da popularidade do artista. No entanto, é muito importante saber que esse dinheiro pode ser considerado recuperável ou não recuperável: isso significa que a gravadora retém o pagamento de direitos autorais (ou uma porcentagem, dependendo do contrato) do artista até que o investimento inicial seja reembolsado integralmente ou em um percentual acordado. No entanto, a diferença é que um  adiantamento não-reembolsável significa que se as suas vendas não atingirem o ponto necessário com a gravadora, você não deverá dinheiro para ela – mas você ainda terá que pagar de volta o adiantamento em seus direitos autorais.

Nesta seção, muitas vezes é possível chegar a um acordo sobre as propriedades das gravações (também conhecido como fonograma). A regra geral é que quem paga pela gravação, obtém os fonograma. No passado, isso significava que as gravadoras tinham total posse da maioria de seus artistas. Hoje em dia, os artistas lutam para manter a propriedade de suas gravações e, por isso, procuram cada vez mais gravadoras independentes e acordos de licença e distribuição do que contratos completos oferecidos por grandes gravadoras.

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2. Divisão dos direitos autorais
   

A segunda parte desta seção é onde o percentual da divisão dos direitos autorais é acordado. Esse prazo varia conforme o caso individual e também muda com base na troca: normalmente, quanto mais dinheiro é recebido pelo artista como adiantamento, maior a cota que a gravadora pedirá no pagamento de direitos autorais. Os direitos autorais podem incluir direitos mecânicos, publicação, streaming e se estender a qualquer outra forma de receita gerada a partir da obra do artista.

4. A última seção: detalhes, mais detalhes e cláusulas de rescisão

Estamos quase lá! Como eu disse antes, os contratos são diferentes e podem variar, mas, na maioria dos casos, eles terão duas outras seções muito importantes no final.A penúltima parte do contrato conterá alguns pontos diversos, incluindo, mas não se limitando a: qualquer compensação fixa que a gravadora poderia pagar ao artista (observe que é sempre a gravadora que paga ao artista e não vice-versa, como nós veremos no último parágrafo deste artigo!) e qualquer acordo específico relativo a todas as músicas que possam fazer parte de uma compilação ou que já tenham sido publicadas como singles, capa do álbum, videoclipes ou mesmo ideias para promoção. Aqui você também encontra um prazo para o lançamento de novas músicas (que é uma cláusula temporal, mas que não pertence necessariamente à seção do “termo”, portanto, fique de olho!).

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Por fim, o contrato será encerrado com pontos de natureza burocrática ou jurídica . Normalmente, há muitos pontos listados e podem ser diferentes por vários motivos. Os mais comuns são:

• O artista garante que tem o direito de estipular o contrato e não precisa de autorização de terceiros.
• As repercussões em caso de término antecipado do contrato (o aviso prévio solicitado e a liquidação necessária para compensar o capital investido).
• Por último, o acordo normalmente termina com a declaração da jurisdição nacional do contrato (em caso de problemas, é necessário definir em que país você irá ao tribunal).

5. O que evitar em contratos

Falamos sobre quais são as características mais comuns de um contrato com uma gravadora, mas agora também gostaria de destacar alguns pontos que devem fazer você soar o alarme . Lembre-se de que você sempre tem o direito de questionar qualquer ponto que não esteja claro para você e, se necessário, procurar aconselhamento jurídico de um advogado especializado na indústria musical.

Exemplo de cláusula alarmante: esta cláusula permite que o selo tenha vantagens sobre o proprietário da obra após o fim de sua produção

Aqui estão algumas coisas que você deve estar ciente e tentar evitar:

• A gravadora te pede dinheiro! Como eu disse antes, é sempre a gravadora que deve pagar e não o contrário! Se a sua solicitar pagamentos, provavelmente é melhor recusar educadamente e encontrar um novo parceiro.
• Cuidado com os contratos que o prendem a um acordo de longo prazo e totalmente exclusivo.
• Não desista dos direitos de sua música pela “duração dos direitos autorais”: na Europa, isso ocorre 70 anos após sua morte!
• Fique longe de qualquer acordo que exija a mesma porcentagem de direitos autorais exigida por uma grande gravadora, mas sem o adiantamento financeiro ou outros benefícios (promoção, networking, acesso a instalações de alto nível, produtores, compositores e engenheiros de som).
• Cuidado com os contratos que afirmam que seus fonogramas são propriedade integral da gravadora. Em vez disso, tente manter a propriedade de seus fonogramas ou pelo menos compartilhar a propriedade com sua própria gravadora.
• Preste especial atenção às cláusulas de rescisão ou quaisquer cláusulas que possam sugerir que a gravadora é proprietária das gravações para sempre, mesmo após o término do contrato, e que podem conceder a ela o direito de usá-las para qualquer fim. (Veja a imagem).

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– Traduzido por Thiago Cyrino –

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1. O que são direitos autorais?

Para utilizar o trabalho de outra pessoa, você precisa pagar pelos direitos de uso, e esses pagamentos são chamados de direitos autorais. Essencialmente, eles são pagamentos feitos aos proprietários de uma obra por pessoas que querem utilizá-la, seja sob um direito autoral, marca registrada ou patente (todos chamados de Propriedade Intelectual). É importante observar que estes royalties são pagamentos feitos aos proprietários dos direitos da Propriedade Intelectual em questão, portanto, para que seja pago, eles precisam ser listados como um dos proprietários desta obra: sem direitos ou propriedade, o indivíduo não receberá nenhuma quantia. Quando se trata de royalties musicais, estamos lidando com os direitos autorais de uma música.

2. Direitos autorais e música

Antes de entrar nos diferentes tipos de direitos autorais, achamos importante dissecar com quais tipo estamos lidando e de onde eles vêm: os direitos autorais de uma música. Cada música tem dois tipos de direitos autorais: um para a composição, que também é conhecido como edição de obras musicais, e outro para a própria gravação, também conhecido como fonograma. O gráfico a seguir detalha a divisão dos direitos autorais da música e como eles são repartidos.

Repartição dos Direitos Autorais

Quando se trata da composição ou da parte de publicação de um direito autoral, existem dois tipos principais de direitos autorais: Execução Pública e Fonomecânica. Todo o dinheiro coletado da parte de publicação de uma canção é dividido entre o(s) compositor(es) e a editora. Por outro lado, quando lidamos com a gravação (ou fonograma) de uma música, lidamos com direitos autorais de desempenho digital e direitos autorais do fonograma. Estes são distribuídos entre o(s) artista(s) participante(s) da gravação e a gravadora.

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O guia a seguir separa o compositor e aquele que gravou a música como duas entidades separadas, pois é assim que a maioria das organizações classifica as diferentes partes. Entretanto, se você for tanto o compositor quanto a pessoa que gravou a música, leve em consideração que você estaria recebendo direitos autorais tanto da composição quanto do fonograma de sua música.

3. Direitos autorais de execução pública

Os direitos de execução pública são pagos pelo ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição) aos compositores e editores pelo uso público de suas músicas. Para que os artistas possam transmitir uma música original ou um cover, eles devem pagar uma taxa de licença global a um profissional. Entretanto, isto também se refere a rádios, estações de TV, locais ao vivo, restaurantes, lojas, etc. Por exemplo, toda vez que o I Will Always Love You de Whitney Houston tocar na rádio, Dolly Parton, juntamente com as editoras dessa música, receberá um recorte dessa peça. Dolly Parton recebe sua parte porque ela é a compositora original da canção, e já que os direitos autorais de execução estão sob os direitos autorais da composição da canção, a parte dos dos direitos autorais da execução vai para a compositora e para a editora (se houver um acordo).

4. Direitos fonomecânicos

Os direitos autorais fonomecânicos fazem parte da segunda metade dos direitos autorais associados à composição da canção. Um direito autoral fonomecânico é um pagamento ao compositor sempre que uma versão de sua música é feita. Por exemplo, se uma gravadora ou algum tipo de revendedor que vende música (CDs, streams, downloads digitais, etc.) quiser usar uma canção original, eles precisam pagar ao artista para adquirir uma licença fonomecânica. Estes pagamentos são então coletados por Agências de Cobrança ou Organizações de Direitos fonomecânicos e então eles pagam ao artista um montante fixo destes direitos autorais após um certo período de tempo (geralmente a cada 6 meses). Entretanto, alguns países tratam os direitos autorais fonomecânicos de forma diferente, e eles também podem ser negociados dentro dos termos de contratos com bandas, editoras, etc.

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No geral, assim como os direitos autorais de execução pública, os direitos autorais fonomecânicos vão para o(s) compositor(es). Entretanto, um compositor pode ter que dividir esses direitos autorais com outros membros da banda ou um produtor que possa ter estado envolvido no processo de composição (tudo detalhado sob os direitos autorais da música em questão). Se houver um acordo editorial em jogo, antes de pagar as ações devidas ao compositor, a editora receberá uma porcentagem dos direitos autorais fonomecânicos também.

5. Direitos de desempenho digital

Os direitos autorais de desempenho digital são direitos que os serviços de streaming digital não- interativos pagam ao artista de gravação (não ao compositor) cada vez que a sua gravação sonora é utilizada. A grande diferença aqui entre a desempenho digital e os direitos de execução pública são a parte ‘não interativa’ do streaming digital. Por exemplo, serviços como Spotify ou Apple Music pagarão direitos autorais de execução pública ao compositor, já serviços como Pandora ou Sirius XM pagarão direitos autorais de desempenho digital à gravadora e ao gravador. A diferença aqui é que os usuários do Spotify e Apple Music são tecnicamente livres para tocar qualquer música que escolherem. Entretanto, os serviços de streaming digital ‘não-interativo’ removem esse poder de escolha do usuário e a música que ouvem é escolhida unicamente por um algoritmo.

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6. Direitos do fonograma

Direitos autorais do fonograma são essencialmente o pagamento que os artistas e gravadoras ganham quando a gravação sonora é transmitida, baixada ou fisicamente comprada. Estes direitos autorais são coletados pelos distribuidores em lojas de discos e plataformas de streaming, e distribuídos de volta à gravadora, onde eles coletam a sua porcentagem e o restante é dado ao artista da gravação. Se um artista não estiver associado a uma gravadora, ele então coleta o dinheiro diretamente da distribuidora.

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7. Direitos de sincronização

Você deve ter notado que este tipo de direito autoral não é mencionado no diagrama de fluxo acima sobre direitos autorais. Isto porque é um dos poucos que são pagos igualmente ao compositor e a gravadora; no entanto, eles são também um dos tipos mais comuns de direito autoral, portanto, vale a pena mencioná-lo neste guia Groover. Os produtores de vídeo devem obter permissão (uma licença de sincronização) para usar uma música original em qualquer tipo de imagem em movimento. Esta licença de sincronização é negociada diretamente com a editora (se houver) e é completamente subjetiva aos termos negociados. Portanto, não há taxas estabelecidas quando se trata de direitos autorais de sincronia. Eles são pagos tanto ao compositor quanto ao artista de gravação pelo uso de sua gravação em uma produção audiovisual; isto inclui filmes, programas de TV, propagandas, videogames, etc.

Conclusão

Em conclusão, há muitas maneiras de uma música original gerar dinheiro. Entretanto, há muitos intermediários que entram em jogo quando se trata da distribuição desse dinheiro. Portanto, é importante saber, como é feita a organização dos direitos autorais. Não hesite em usar a Groover como ferramenta! Nós temos centenas de profissionais da indústria que estão ansiosos para ajudá-lo em sua jornada, e também numerosos artigos para ajudar você em sua carreira.

– Traduzido por Thiago Cyrino –

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