1. Use sua rede de contatos

Como para todos os aspectos de sua carreira, contar com sua rede profissional é uma das melhores estratégias. Para que as pessoas lembrem de você, informe que você está procurando eventos para DJ: converse com os profissionais da música e artistas ao seu redor e mencione isso em suas redes sociais.

Dessa forma, você com certeza conseguirá oportunidades para tocar nos próximos meses. Para os artistas que você conhece bem, veja se você não consegue criar um coletivo no qual vocês compartilham seus contatos e criam parcerias para participar dos mesmos eventos.

Não deixe de falar sobre isso o máximo possível com as pessoas que estão ao seu redor, inclusive pessoas que não estão no ramo da música. Com uma boa rede de contatos você pode desenvolver um roda de oportunidades: ao tocar para alguém da sua rede, você certamente será recomendado ou visto por pessoas que assistiram à sua apresentação.

Uma ótima maneira de expandir sua rede é participar de comunidades como a Pete Tong DJ Academy, onde você pode aprimorar suas habilidades com aulas online e conhecer outros artistas, DJs e produtores!

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2. Inscreva-se nos editais e eventos para DJ

Os editais de música são uma boa maneira de você conseguir eventos para DJ, tanto para apresentações como para residências artísticas. Por exemplo, a Groover organiza com frequência concurso musicais com festivais e outras oportunidades para artistas independentes.

Para participar dos editais de música, você precisa prestar atenção nas datas de inscrição e às diferentes condições para participar. Enquanto DJ, você geralmente precisa enviar uma demo de DJ set. Se ainda não tiver uma, você precisará reservar tempo suficiente para gravar sua apresentação de acordo com os critérios exigidos: duração, estilo musical, etc. Isso também conta para aumentar a sua presença em eventos para DJ. Em seguida, você precisará prestar muita atenção às várias etapas e divulgar sua participação em suas redes se a competição exigir voto do público.

Ao participar da programação do festival de música, os editais ajudam você a ser visto e a conseguir outras oportunidades de encontros. Portanto, fique de olho nas oportunidades de editais da Groover.

| Leia também: Editais de música 2024

3. Entre em contato com eventos para DJ em baladas e casas de show

Essa estratégia é particularmente eficaz se você estiver começando sua carreira como DJ. Você pode começar se apresentando em eventos para DJ que já frequenta e com os quais já tem uma conexão. Em vez de procurar locais distantes, você pode conversar pessoalmente com os programadores locais. Essa é o jeito ideal de ganhar confiança e se apresentar em um local que você já conhece.

Existem muitos locais com abertura de eventos para DJ, como bares, restaurantes, lojas, etc. Tente identificar aqueles que já oferecem sets de DJ ou tocam música eletrônica. Muitos bares estão abertos a receber DJs, especialmente para eventos fechados.

Muitas lojas também podem estar interessadas em seu trabalho para ocasiões especiais, como uma inauguração ou uma noite anual com os clientes. Esse tipo de oportunidade é uma ótima maneira de divulgar seu nome e pode levar a outras oportunidades para você tocar um set. Este tipo de eventos para DJ é um ótimo nicho a ser explorado.

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4. Entre em contato com os organizadores de eventos

Os organizadores de eventos geralmente procuram DJs em vários estágios de sua carreira: artistas que são conhecidos como headliners, mas também DJs iniciantes ou intermediários. Os organizadores podem ser variados:

• Promotor de eventos: a missão de um promotor de eventos é organizar shows e eventos musicais, portanto, eles são os contatos ideais para encontrar eventos para DJ. Procure promotores que estejam abertos a novos artistas independentes. Você pode encontrá-los procurando promotores de DJs com um estilo semelhante ao seu. Isso pode levar a oportunidades para você participar de uma formação ou apoiar uma banda, por exemplo.
• Bookers ou agências de booking: esses agentes ajudam os artistas a encontrar eventos e, às vezes, organizam seus próprios eventos. Nessas ocasiões, os bookers podem convidar artistas de fora de seu catálogo. Esse pode ser um bom jeito de encontrar uma data e possivelmente construir um relacionamento para garantir um contrato mais para frente.
• Gravadoras: muitas gravadoras de música organizam eventos regularmente para os quais precisam de DJs. Elas geralmente tocam seus próprios artistas, mas também podem estar abertas a receber artistas convidados.
• Coletivos: você pode ter como alvo os coletivos musicais, mas também pode ampliar seu alvo. Por exemplo, as associações que organizam eventos de moda e arte geralmente precisam de DJs. Eventos como desfiles de moda ou vendas de arte podem ser oportunidades para você tocar sets de DJ.
• Agências de eventos: aqui também, você pode ter como alvo as agências de música, mas também uma área de seu interesse: música, cultura, arte, etc. Tenha como alvo as agências que organizam eventos em que seu estilo musical se encaixaria bem.

Para ter ideias de quem contatar, pesquise por agências que organizam eventos perto de você ou com artistas da sua área. Para entrar em contato facilmente com profissionais, como gravadoras e agências de booking, e obter feedback, você pode usar a Groover.

| Leia também: O melhor serviço de divulgação em playlists do Spotify

5. Use plataformas de booking

Vários serviços on-line ajudam você a encontrar eventos, atuando como intermediários entre DJs e programadores. Geralmente, você precisa se registrar para criar sua página de artista com uma certa quantidade de informações: gênero musical, disponibilidade, local, preço sugerido etc. Os organizadores que procuram DJs podem entrar em contato com você ou publicar um anúncio ao qual você pode se candidatar.

A vantagem dessas plataformas é que elas dão a você acesso a oportunidades e facilitam a comunicação. Elas também ajudam você a concordar com os termos da apresentação e garantir o pagamento.

Você pode usar as seguintes plataformas, por exemplo:

• GetNinjas: esse aplicativo foi desenvolvido para contratantes que estão buscando por DJs para eventos privados. Você, enquanto DJ, pode se inscrever por lá para conseguir oportunidades de eventos.
• Contrate Artistas: este site funciona da mesma maneira, disponibilizando uma ferramenta que faz o intermediário entre o contratante e os artistas de diferentes estilos, assim como a categoria de DJ.

Antes de se candidatar em editais ou bookar um show, tome um tempo para analisar os detalhes do evento e conversar com o organizador. Isso ajudará você a entender as expectativas dele e dará a vocês uma boa base para trabalharem juntos.

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6. Divulgação de sua música

Este último método está menos ligado aos eventos de DJ, mas não deixa de ser importante. Se você produz música, provavelmente já tem uma estratégia para divulgá-la nas suas redes sociais e na mídia.

A divulgação da sua música dará a você algo para colocar no seu kit de imprensa quando estiver procurando eventos. Da mesma forma, ao entrar em contato com profissionais da música, você pode obter acesso a oportunidades de DJ.

| Veja também: Pitching Spotify: dicas e exemplos para você entrar em playlists

Se você não produz suas próprias faixas, não entre em pânico: você também pode divulgar seu projeto gravando demos. Esse método permite que você dê uma ideia concreta de seus gostos musicais e talentos de DJ. A maioria dos organizadores de eventos pedirá que você faça isso, e é até mesmo essencial se você quiser participar de um show de talentos. Portanto, você pode se antecipar a essa solicitação gravando um set antes de começar a procurar datas.

Para encontrar eventos como DJ, você pode usar uma combinação de estratégias. Ao entrar em contato com pessoas que você conhece e com outras fora da sua rede, você maximiza suas chances de conseguir eventos. Converse com o máximo de pessoas que puder e comece a trabalhar cedo o suficiente para que as pessoas pensem em você para obter oportunidades.

– Traduzido por Max Leblanc –

Quer encontrar um booker?👇

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A plataforma de divulgação musical Groover preparou este artigo explicando tudo sobre o assunto.

Envie sua música para A&Rs do mundo inteiro! 👇

1. Entenda o processo de curadoria do A&Rs

Os representantes do A&R procuram novos talentos das seguintes formas:

• Ouvindo e descobrindo novos artistas nas plataformas de streaming
• Shows e festivais
• Redes sociais e portais de música
• Demos enviadas às gravadoras
• Boca a boca

Se eles tiverem interesse em alguém, geralmente entrarão em contato com os próprios artistas por meio das redes sociais ou por e-mail. Você não precisa necessariamente ter muitos streams para despertar o interesse de um A&R, basta ter uma identidade forte e consistência.

👉 Portanto, certifique-se de que suas informações de contato estão disponíveis em todas as suas redes sociais.

| Leia também: Como encontrar um empresário musical?

2. O que o A&R procura nos novos artistas?

🔸 Uso das redes sociais

Quanto mais saturado estiver o mercado, mais seletivas as gravadoras deverão ser em seu processo de contratação. Agora que o TikTok pode produzir sucessos atrás de sucessos de artistas menores, o A&R das gravadoras está cada vez mais prestando atenção em quem está disposto a criar uma base de fãs por conta própria, sem grandes investimentos, mas sim de maneira orgânica.

Felizmente ou não, a realidade atual é que, quanto mais facilidade você tem de criar uma comunidade on-line de forma independente e gerar um burburinho em torno de sua música, maior será a probabilidade do A&R ficar interessado pelo seu trabalho, pois o risco de investimento no artista será menor.

🔸 Identidade visual e musical definida

O A&R procura artistas que eles acreditam que se encaixarão em seu catálogo, trazendo algo novo para o mercado e, ao mesmo tempo, com chances de bombar. Você não precisa estar totalmente pronto para conseguir um contrato. Mas o A&R também quer saber se você está disposto a trabalhar ainda mais na sua identidade, de acordo com os interesses da gravadora.

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🔸 Autossuficiência e consciência

Como artista, você não precisa saber como fazer tudo sozinho, embora isso seja muito atraente para o A&R das gravadoras. Quanto menos trabalho eles tiverem que fazer, mais interessados estarão em trazer você para a equipe deles. Afinal, quanto mais autonomia, melhor. Se você compõe, interpreta, performa, produz conteúdo, já é o suficiente para despertar interesse dos profissionais do A&R.

No final das contas, o A&R e as gravadoras estarão lá para te poupar de tarefas que tiram o seu tempo como artista. Se você já sabe quais áreas precisam ser melhoradas, como produção musical, identidade visual, eles provavelmente poderão oferecer um aporte financeiro e de networking, além de uma direção artística de alto nível.

🔸 Construção de uma narrativa

Tanto o público quanto as gravadoras adoram uma história atraente, consequentemente, o A&R olha bastante para isso ao investigar o seu trabalho. Trazer um histórico ou um evento da sua vida ou da sua trajetória profissional é algo que as pessoas adoram. Se você conseguir despertar a emoção das pessoas ao seu redor, isso será uma vantagem para ganhar maior visibilidade.

| Veja também: Storytelling: construindo universo ao redor de seu projeto musical

3. Envie sua música diretamente para o A&R

Para enviar sua música diretamente para o A&R, você deve ter em mãos:

• Demos ou músicas lançadas (obrigatório)
• Biografia do artista (obrigatório)
• Links para todas as plataformas de streaming (obrigatório)
• Links para todas as redes sociais (obrigatório, mesmo com pouco conteúdo)
• Fotos de shows anteriores (se houver)
• Cobertura da imprensa (se houver)
• Kit de imprensa / Electronic Press Kit (se houver)

A maioria dos selos e gravadoras disponibilizam de um formulário ou e-mail onde as pessoas podem entrar em contato para fazer perguntas ou enviar sua música para o departamento de A&R. Alguns são mais difíceis de encontrar do que outros. Por isso, faça uma boa pesquisa e seleção.

👉 Você também pode encontrar um A&R na Groover. Na plataforma, você tem a garantia de que eles escutarão a sua música!

| Entenda como usar a Groover para divulgar a sua música 📺

🔸 Criando sua mensagem

Nunca é demais enfatizar: seja conciso. O A&R está abarrotado de mensagens e músicas todos os dias, portanto, seja breve e objetivo. Inclua apenas o necessário (ver seção 3) usando hyperlinks.

Nós também recomendamos fortemente que você personalize sua mensagem para a pessoa que você está contatando. Você pode usar o mesmo modelo para todos os seus e-mails, mas não o torne tão genérico a ponto de a pessoa perceber que é um template sem nenhum propósito maior de trabalhar com aquele A&R ou gravadora específica.

| Confira também: 7 selos independentes para você conhecer e enviar a sua música

🔸 Follow-up para o departamento de A&R

Não tem problema se você não receber uma resposta. Isso é muito normal, dado o grande volume de mensagens de artistas que o A&R tem de analisar. Sinta-se à vontade para enviar um follow-up depois de uma ou duas semanas.

👉 Agora que você tem todas as ferramentas necessárias para enviar músicas para o A&R, é hora de começar a trabalhar.

– Tradução por Max Leblanc –

Está com dificuldades para divulgar a sua música? 👇

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Já pensou em enviar sua música para selos e gravadora do mundo todo? 👇

1. Liberdade artística

A principal vantagem de criar um selo para lançar sua música é que, como proprietário da gravadora, você tem total controle sobre sua música e pode decidir sobre sobre absolutamente tudo sem interferência externa.

Digamos que você tenha assinado um contrato com uma grande gravadora para lançar seu novo single. Nesse caso, você teria que levar em conta a opinião de outras pessoas, afinal, não podemos esquecer que as gravadoras têm interesses comerciais em mente e, muitas vezes, pressionam os artistas para que criem músicas comercialmente viáveis.

Se você encontrou uma fórmula de sucesso dentro de uma gravadora, é muito provável que esta deseje que você repita o sucesso sem tomar muitos riscos. Isso é frustrante para maioria dos artistas que se veem obrigados a deixarem sua gravadora para poder criar música sem barreiras criativas.

| Leia também: Selos musicais: 7 selos independentes brasileiros para você conhecer e enviar sua música

Portanto, ao criar um selo você mesmo, você tem a oportunidade de crescer como artista e evoluir, e além disso, garantir a maioria dos direitos autorais. Além de tomar as decisões na hora do estúdio, você também pode decidir sobre a direção de seus videoclipes, merchandising, colaborações e qualquer trabalho artístico, como a escolha da capa do seu novo álbum.

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2. Seguir seu próprio cronograma

Ao criar um selo, você pode seguir seu próprio cronograma. Isso significa que você não precisa responder a uma gravadora que pode querer que você escreva um álbum inteiro em seis meses e pode se concentrar no lançamento de sua música no seu próprio ritmo, fazer pausas maiores entre um álbum e outro.

Digamos que você tenha assinado contrato com uma grande gravadora ou mesmo com uma das três majors: Universal Music Group, Sony Music ou Warner Music Group. Se eles te falerem que precisam que suas músicas estejam prontas em uma determinada data para iniciar o processo de gravação, você terá que cumprir.

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Mas como artista, você sabe que a composição de qualidade é um processo natural, sem um padrão matemático. Ao criar um selo, você pode manter o controle de sua agenda, o que lhe permite experimentar diferentes abordagens criativas e lançar um trabalho que você realmente dedicou tempo para aperfeiçoar ao máximo. 

Dito isso, é importante não usar essa liberdade como motivo para procrastinar. Ao criar um selo, você não tem ninguém atrás de você para fazer o seu trabalho, é preciso colocar objetivos e manter uma disciplina para ser minimamente produtivo.

| Confira também: Tudo o que você precisa saber sobre direitos autorais

3. Maior independência financeira

Todos nós sabemos que o objetivo de muitos artistas é ganhar a vida com música, e passar por uma gravadora pode, muitas vezes, atrapalhar isso. Os contratos de gravação tradicionais geralmente envolvem uma divisão significativa dos ganhos. Isso significa que ao assinar com uma gravadora, você cede grande parte de sua renda, ao criar um selo, não.

Por outro lado, ao criar um selo, você pode manter grande parte de sua renda em suas mãos e usá-la da maneira que melhor entender. Muitas vezes, sai mais em conta você montar a sua própria equipe e investir em profissionais que estarão cuidando do seu marketing, shows ao vivo, parcerias e diversificação da sua renda.

Ou seja, ao criar um selo você terá maior liberdade financeira.

| Leia também: Saiba o que um selo pode oferecer aos artistas

4. Controle total sobre o fonograma

Esta é a maior vantagem de criar sua gravadora como artista independente: você detém os direitos de seus fonogramas, portanto, tudo o que você criar em seu repertório ou catálogo musical é 100% seu.

Os artistas que concordam em trabalhar com gravadoras assinam um contrato que os vincula à gravadora e delega a ela poderes e porcentagens sobre seu fonograma. Isso pode parecer trivial, mas na verdade é pode ser muito prejudicial para você, pois a propriedade de seu trabalho pode realmente desempenhar um papel importante na construção de uma carreira sustentável de longo prazo.

👉 Lembra-se de quando falamos brevemente sobre royalties? No setor musical, os direitos autorais são distribuídos a diferentes partes, dependendo dos direitos envolvidos e dos acordos contratuais.

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Os autores e compositores recebem royalties pelo uso de suas composições musicais. E as gravadoras, como investem na produção, marketing e distribuição de músicas gravadas, geralmente recebem uma parte da receita gerada pela venda e uso dos fonogramas. Se você eliminar esse intermediário, poderá ficar com uma parte maior da receita gerada por sua música.

Além disso, você está no controle e pode negociar acordos de sincronização musical para publicidade, filmes, programas de TV e outros tipos de mídias.

E ao possuir suas gravações principais, você tem a capacidade de licenciar sua música para uma variedade de finalidades, o que leva a fluxos de royalties adicionais. Muitas vezes, um licenciamento pode financiar boa parte do seu projetos nos anos a seguir, tornando assim o seu trabalho mais sustentável.

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5. Construir um relacionamento próximo com os fãs

Outro aspecto a ser levado em conta é que, ao criar sua gravadora, você pode estabelecer um relacionamento mais próximo com sua base de fãs.

Isso porque você está no controle total da sua comunicação e pode interagir com seus fãs por meio das redes sociais, newsletters, shows e eventos ao vivo de fãs que poderão apoiar sua carreira a longo prazo.

Além disso, um trabalho independente é muitas vezes mais autêntico, é você e sua arte, e muitas pessoas buscam isso nos artistas.

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Criar um selo é se aproximar da sua base de fãs

6. Relacionamento direto

Ao criar sua gravadora, além de te dar dá credibilidade no mercado musical, pode ajudar a você construir relacionamentos mais humanos, sem o intermediário de uma empresa e contratos burocráticos.

Expandir seu relacionamento é sempre positivo quando as conexões acontecem naturalmente. Muitas vezes, ao estar em uma gravadora, é preciso ter o aval da gravadora para colaborar com um determinado artista, produzir com um determinado produtor, o que pode te limitar artisticamente.

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Além disso, você pode fazer acordos em que as duas partes estejam satisfeitas com a parceria. Se você é alguém que sabe fazer conexões, frequenta as festas e shows da música independente, você provavelmente não vai precisa de uma gravadora para fazer uma colaboração com um artista que você admira.

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7. Pode ser mais vantajoso do ponto de vista financeiro

Não é de surpreender que a criação de uma gravadora custe dinheiro, tempo de estúdio, distribuição musical, sincronização musical, marketing musical para divulgar a sua marca.

Mas uma das vantagens de montar sua própria gravadora é que ela também pode te ajudar a economizar dinheiro. 

• Empresas podem ser mais vantajosas do ponto de vista fiscal, podendo deduzir suas despesas, encargos e custos, como na compra de equipamentos, aluguel de estúdio, etc.
• Conseguir leis de incentivo para projetos maiores. 
• Maior credibilidade perante diferentes financiadores de projetos musicais.
• Oferecer uma maior variedade de projetos musicais para projetos de fomento: gravação, distribuição, marketing, circulação, eventos, shows e festivais.

| Veja também: Editas de música 2024 – Inscreva-se já!

Embora existam diferentes vantagens ao criar sua própria gravadora, é importante reconhecer as responsabilidades e os desafios adicionais que vêm com ela:

• Burocracia;
• Gestão empresarial;
• Financeiro;
• Comercial;
• Conhecimento sobre direitos autorais;
• Distribuição;
• Marketing;
• Relacionamento com os artistas e os diferentes atores do mercado musical;
• Editais;

No entanto, os benefícios em termos de liberdade artística e independência financeira podem ser consideráveis, e administrar sua própria gravadora pode ser uma valiosa experiência de aprendizado, trazendo mais benefícios para a sua carreira a longo prazo.

– Texto traduzido por Max Leblanc –

Já pensou em ter a sua faixa escutada por mídias, playlisters, rádios e jornalistas do mundo todo? 👇

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Na maioria das vezes, ela se abre portas para novos projetos e colaborações entre artistas, e pode vir a ser a experiência que mudará completamente a sua carreira.

Neste artigo vamos ajudá-lo a entender os diferentes tipos de residências artísticas e como conseguir uma.

Um novo jeito de divulgar sua música para playlists, mídias, rádios e muito mais👇

1. Tipos de residências artísticas

Em geral, uma residência artística está centrada na performance ou na criação. 

Quando um artista diz que está em residência, ele está se referindo a uma residência em um local (performance) ou a uma residência associada a um programa ou organização (criação). 

A natureza dessas residências é extremamente diferente e, portanto, contrastam fortemente entre si quando se trata do que um artista pode ganhar ao participar delas. 

São as suas metas que determinam qual delas é a mais adequada para você. Em qual músculo criativo você gostaria de trabalhar mais – performance de um trabalho finalizado ou encontrar novas maneiras de criá-lo?

👉 Encontre concursos, editais e residências artísticas aqui!

2. Residência artística de performance

Quando um artista concorda em fazer um número X de shows em um determinado período de tempo em um local, é uma residência artística para shows. Você provavelmente já ouviu falar da residência de Adele em Las Vegas, “Weekends with Adele”, que começou em novembro de 2022 e acabou de ser prorrogada até junho de 2024. A cantora faz dois shows todo fim de semana no Caesar’s Palace, um dos hotéis e cassinos mais conhecidos de Las Vegas.

Esse é um ótimo exemplo de uma residência artística. Enquanto Adele se apresenta somente nos finais de semana, Usher fazia três shows por semana. Billy Joel, que detém a residência artística mais longa dos Estados Unidos, tem se apresentado um show por mês no Madison Square Garden, em Nova York, nos últimos 10 anos. 

Isso se deve ao fato de que as residências artísticas permitem que os artistas negociem seus termos com as casas de shows e concordem apenas com o que sabem que estão confortáveis e são capazes de fazer.

Essa é uma grande vantagem de ter uma residência para perfomances. Os artistas podem concordar com uma série de shows consecutivos, ou optar por se apresentar semanalmente ou mensalmente. O pagamento também é negociado e pode ser um valor fixo por show ou uma porcentagem da venda de ingressos. O contrato final depende muito das necessidades do local e da disponibilidade do artista.

No Brasil, este tipo de residência não é tão comum no cenário da música indie. Elas são mais comuns para DJs ou para artistas que se apresentam trabalhos de música cover ou que tocam em festas.

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2.1 Quem contactar?

A pessoa com quem você deve entrar em contato para este tipo de residência é o produtor do local com o qual você gostaria de fazer parceria.

Em vez de tentar entrar em contato com os produtores de todas as casas de shows da sua região, comece observando a programação de uma casa de shows ao longo de um mês, tome nota de quaisquer apresentações recorrentes e descubra se a sua música se alinha com o tipo de vibe e público que eles esperam que as apresentações atuais tragam. 

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👉 Lembre-se: esse esforço é mutuamente benéfico para você e para o produtor, você consegue um show consistente e ele consegue regularidade, eliminando a necessidade de sempre ter que encontrar alguém para preencher a vaga que você ocuparia. 

2.2 O que preparar?

O segredo para chegar a um acordo como esse é dar ao produtor do local um acordo e uma proposta convincente. Portanto, a filmagem de um show é uma ótima jogada. Se o seu projeto entrega o que o local espera, com certeza isso irá te ajudar a chegar em um acordo.

Se você ainda não tem vídeos de nenhum show, mas gostaria de ter uma residência de performance, marque um show pequeno, encha a sala com amigos e familiares, e peça para alguém documentar com um celular e faça uma edição que traduza a energia da sua apresentação.

🔥 Se não souber por onde começar, a Groover promove apresentações de artistas no mundo todo, nas quais qualquer pessoa pode se candidatar.

Fique de olho em nosso Instagram para saber qual será o próximo evento que realizaremos em sua cidade e mande uma DM do Instagram da Groover Brasil.

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2.3 Prós e contras

Há vários motivos pelos quais alguns artistas se inclinam para as residências, enquanto outros permanecem em movimento. Independentemente de você ser um artista independente ou contratado, os prós e os contras permanecem os mesmos.

👉 Se você ainda não tem certeza se uma residência artística é ou não para você, aqui estão alguns fatores a serem considerados:

🔸 Prós:

• As residências são mais fáceis de fazer do que turnês.
• Sua capacidade de permanecer em um só lugar é, de longe, a maior vantagem – isso significa que não há desgaste físico ou emocional para o seu corpo ou na sua saúde mental, o que geralmente ocorre quando se está sempre em movimento.
• Preciosismo na hora da montagem do cenário, passagem de som, vídeo, mais tempo, familiaridade com a equipe, o que for, a equipe, o que se refletirá no resultado final do trabalho.
• Maior controle sobre o conteúdo da apresentação.

🔸 Contras:

• Alcance limitado em comparação às turnês.
• As residências exigem que os ouvintes venham até você, em vez de você ir até os ouvintes.
• Estar sob contrato com um local significa que talvez você não possa viajar para outras oportunidades ou eventos, caso eles surjam, especialmente se forem de última hora. As residências limitarão sua capacidade de sair de sua cidade por capricho, dependendo da frequência dos shows.
• Estar vinculado a um contrato.

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3. Residência artística

Em vez de ser um meio de apresentar um trabalho finalizado, uma residência artística clássica oferece um espaço para os artistas criarem. Muitas delas são interdisciplinares e reúnem diversas áreas para trabalharem juntos e aprenderem uns com os outros em um determinado período de tempo. 

Normalmente, elas são organizadas por instituições, festivais ou comunidades e costumam trabalhar em “live-in” , o que significa que os participantes moram juntos no local durante o programa.

3.1 O que é uma residência artística?

O dia a dia de uma residência artística consiste em oficinas, exploração de seus arredores, aprofundamento na história de sua arte, realização de exposições e apresentações e muito mais. São essencialmente acampamentos criativos, e cada dia é como uma aula magistral.

O local, a duração e o que essas residências oferecem dependem da organização anfitriã e de sua missão. Diferentemente das residências para performances, esses programas são controlados inteiramente pelo anfitrião, onde os artistas são os participantes. Algumas residências reúnem músicos, fotógrafos, designers, escultores, pintores e afins, enquanto outras residências são voltadas exclusivamente para a música, aceitando apenas cantores, escritores, produtores, compositores etc.   

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Algumas residências são financiadas pelo governo através de editais e cobrem os custos de viagem e moradia, fornecendo também suprimentos e recursos para seus artistas, enquanto outras exigem o pagamento da moradia ou pedem que você traga seus próprios materiais. 

Os anfitriões de qualidade, como grandes festivais ou programas de longa duração, pagarão aos artistas e não o contrário, oferecendo subsídios ou bolsas de estudo, além de fornecer espaço e recursos.

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3.2 Como se tornar um artista residente

Viajar para um novo lugar para conhecer pessoas que pensam como você e criar arte é um sonho – naturalmente, essas oportunidades são muito procuradas. É por isso que as residências artísticas têm inscrições que os artistas devem preencher para serem considerados. Elas têm o objetivo de mostrar suas habilidades, intenções e expectativas. 

Veja a seguir como navegar pelo processo de seleção.👇

3.3 Candidatura estratégica

Assim como em qualquer outro processo de verificação, você deve estar preparado para provar por que merece uma vaga em uma residência artística. Isso não significa se exibir, mas sim ser transparente sobre o que você está procurando e o que ofereceria a esse programa específico.

👉 Tente se colocar no lugar da equipe de curadoria: se o seu pitch for muito amplo, talvez eles não entendam por que você está aplicando para a residência. 

Personalize a sua inscrição, atendendo às demandas e a ideia da residência para a qual está se candidatando, e faça isso para cada uma delas. Para cobrir todas as suas bases, você deve:

🔸 Entenda a missão do programa

Embora algumas residências se concentrem na criação e na colaboração em geral, outras são organizadas por motivos específicos ou seguem conceitos específicos. A residência na qual você está interessado tem uma missão? Ela se destina a um tipo específico de artista ou valoriza a diversidade acima de tudo? Isso o ajudará a preencher o restante da sua inscrição de forma mais estratégica.

🔸 Personalize sua declaração de artista para eles

Tendo em mente a missão da residência artística em questão, explique o que o motiva a fazer música e o valor que você forneceria e ganharia ao ser incluído na residência. Convença-os de que isso seria mutuamente benéfico.

🔸 Monte um portfólio

As residências artísticas solicitarão um presskit, portanto, esteja pronto para fornecer alguns de seus trabalhos anteriores. Se a curadoria estiver procurando diversidade, focalize em um pitch voltado à diversidade. Se eles esperam receber um tipo específico de artista, mostre sua visão pessoal sobre esse gênero ou tema para que eles saibam que você se encaixa nos critérios.

👉 Lembre-se: você sempre pode obter feedback de um profissional em nossa plataforma, caso precise de uma segunda opinião.

🔸 Atualize sua presença nas redes sociais

As redes sociais, os sites e os perfis de streaming devem estar atualizados, mas, se não estiverem, esse é o momento para passar um pente fino, certificando-se de que são uma boa representação de você e de seu personagem.

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3.4 Prós e contras

Agora que temos um entendimento completo da diferença entre uma residência artística de performance e residências artísticas clássicas, podemos trazer as vantagens e desvantagens incluem:

🔸 Prós:

• Viajar e mudar seu ambiente: sair do seu estúdio atual para trabalhar em outro já faz milagres na sua mente, então imagine viajar para outro país para fazer isso também. Esse é um dos principais motivos pelos quais os artistas se candidatam a esses programas.

• Conhecer novos colaboradores: além de aprenderem uns com os outros, os participantes também se relacionam com as experiências que têm e com o trabalho que fazem como resultado. A probabilidade de conhecer artistas com os quais você acabará trabalhando em projetos é tão alta quanto a probabilidade de fazer amizades duradouras.

• Fontes de inspiração: nunca sabemos de onde virá nossa próxima faísca de criatividade, e as residências artísticas oferecem tantas “novidades” que você certamente tocará em algo que nunca explorou antes. Seja o trabalho de outro artista, o ambiente ao seu redor ou uma nova técnica que você aprendeu, é garantido que você encontrará algo que ampliará seus limites criativos.

• Novos recursos: seu anfitrião pode fornecer materiais que você nunca usou antes, dando-lhe uma ideia de como atualizar seu fluxo de trabalho em casa. Em residências com foco em música, você poderá usar um instrumento, DAW ou plug-in com o qual não esteja familiarizado, expandindo sua proficiência em criação musical e permitindo que você tenha uma compreensão mais completa de como outros artistas trabalham e o que funciona melhor para você.

🔸 Contras:

• Falta de controle: como você está entrando em um programa, você não tem a liberdade de alterar o formato da residência, como quantos dias está disponível, como será a programação, onde viverá, com quem trabalhará etc. Tudo isso é organizado para você, o que é uma faca de dois gumes para alguns.

• Custos: cada residência difere em termos de obrigação financeira ou compensação. Pode ser que a residência artística perfeita para você cobre uma taxa de inscrição e custos adicionais de moradia, materiais, vistos, etc. Se você tiver sorte, poderá conseguir uma que cubra essas despesas para você ou, melhor ainda, que lhe pague para estar lá.

• Tempo livre da vida cotidiana: outra aspecto é o sacrifício da sua rotina comum isolante das residências artísticas, que geralmente levam os artistas a trabalharem fora de suas cidades por um ou dois meses. Embora alguns possam ser atraídos por esses programas exatamente por esse motivo, outros podem não apreciar o grau de comprometimento exigido pelas residências, o que pode afastá-los de seu processo habitual de criação.

| Veja também: Como encontrar um empresário musical?

Não importa o tipo de residência para a qual você se sinta mais adequado, ela certamente o ajudará a crescer como artista. Quer esteja praticando sua presença de palco ou aprendendo diferentes métodos de criação, qualquer um deles é um grande passo à frente em sua escalada para ser um artista criativamente realizado.

Esperamos que o artigo tenha esclarecido as coisas para você, boa sorte!

– Texto traduzido por Max Leblanc –

Já pensou em ter a sua música ouvida por produtores, gravadoras e empresários da indústria musical? 👇

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Antes de produzir e divulgar a sua música, é preciso trabalhar bem a sua essência. Essa é a principal semente do seu trabalho enquanto artista independente. Quando falamos sobre composição estamos falando de transmissão de emoções, seja de alegria, tristeza, melancolia, revolta ou superação.

Tudo isso gera um grande impacto nos ouvintes que entrarão em contato com a sua obra. Por isso, é muito importante descobrir os pequenos segredos que existem na arte de compor.

Sua música está pronta para ser lançada e precisa de divulgação? 👇

1. Inspire-se em suas referências

As músicas que entraram para a história têm algo em comum: elas são atemporais. Muitas vezes, por conta da sua qualidade, narrativa e mensagem universal que é transmitida. Todos nós temos artistas que são referências para nossa carreira musical. Estes profissionais podem te ajudar a desenvolver o seu universo musical e formar a sua identidade enquanto compositor e artista. 

“Isso é válido para os grandes artistas também, como Joy Division, que não seria nada sem David Bowie e os Rolling Stones sem o Muddy Waters.”

👉 Antes de tudo, siga as instruções:

• Faça um brainstorming e analise as músicas que você mais gosta. 
• Crie uma playlist com as músicas que te inspiram 
• Faça hipóteses de porquê elas são tão boas: qual é a estrutura, arranjo, as progressões melódicas, a variação rítmica? O que torna a letra tão única? 

Com tudo isso você poderá entender melhor o que faz uma música reverberar profundamente nas pessoas. A partir disso, você poderá mergulhar no seu processo criativo com uma direção mais precisa. 

| Leia também: Quais equipamentos escolher para o seu home studio?

2. Pratique uma escuta ativa

A maneira mais eficaz de tirar proveito de suas referências é praticar uma escuta ativa. Isso é super importante para entender como compor uma música. Ao ouvir uma música de que você gosta, anote:

• Partes, elementos e técnicas que te agradam
• Organize as ideias extraídas para ter uma visão geral do processo criativo
• O que mais te chama a atenção nessa música? 

Uma boa composição tem um equilíbrio entre suspense, dinâmica e letras. Criar essa harmonia ajuda a conduzir e conectar a música com o ouvinte. Por isso, é muito importante fazer análise das músicas que fizeram história para descobrir como compor uma música.

| Veja também: Como entrar em playlists editoriais?

3. Como compor uma música com um diário de composição

Para aprimorar as suas habilidades de composição, carregue sempre com você um diário de composição. Isso é essencial para você que deseja aprender como compor uma música. Nele, a liberdade deve ser infinita, você pode escrever coisas como:

• Pensamentos mundanos do dia a dia
• Reflexões profundas 
• Descrever situações que te chamaram atenção no dia a dia
• Frases e inspirações poéticas
• Palavras que você gosta

O segundo passo é conseguir organizar as ideias em prosa. Para isso, não se pressione, cada letra sai no seu tempo, seja em 10 minutos ou até mesmo em anos. Ninguém testemunha seu processo criativo, ele é o seu mundo particular, por isso é muito importante criar um contexto em que você se sinta inspirado. Pense em ao parque que você costumava ir quando era pequeno e leve o seu diário consigo.

💡 Dica: caso você esteja com um bloqueio criativo, se inspire na natureza, filmes, músicas, cores, imagens e exposições. Isso faz parte do jogo que é aprender a como compor uma música. Tudo que está à sua volta pode vir a ser uma fonte de inspiração. A escrita livre, sem filtro, é o exercício mais importante de um compositor.

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4. Crie um arco narrativo para estruturar sua composição

Músicas contam histórias. Pensar na narrativa da sua composição é uma maneira inteligente e eficaz de tornar suas músicas mais interessantes para os ouvintes. 

Um “arco narrativo” é um método que te ajuda a escrever a letra da sua música. A vantagem dele é que você começa escrevendo com uma diretriz sem precisar colocar limites dentro do seu processo criativo. 

Normalmente, o método segue essa sequência narrativa: 

• Exposição
• Ação ascendente
• Clímax
• Ação descendente
• Desfecho

Na música, isso pode ser traduzido por exemplo em:

• Introdução
• Verso
• Refrão
• Segundo verso ou parte C
• Final

Cada uma dessas partes permite que você crie uma expectativa até o refrão. Isso é muito nítido nas músicas eletrônicas, com o seu famoso “drop” – momento da música em que a batida chega forte e que todo mundo vai começar a dançar sem pensar.

💡 Dica: criar uma progressão até o refrão acontece praticamente em todas as músicas populares – e a harmonia entre as partes é o que faz o seu ouvinte escutar a música do início ao fim.

| Confira também: Storytelling: construindo uma narrativa em torno do seu projeto musical

Além da melodia chiclete de “Eduardo e Mônica” e da letra falar de amor, sua narrativa faz com que seja uma música de sucesso. 

💡 Dica: o “arco narrativo” pode assumir várias formas, por isso, cabe a você encontrar uma estrutura que faça sentido para você. Inclusive, vale a pena analisar as suas composições depois de finalizadas, para entender que estrutura você desenvolveu inconscientemente. Isso pode te ajudar a lapidar ainda mais o seu trabalho de composição.

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5. Melhore sua composição colaborando com outros artistas 

Se você acha difícil escrever letras sozinho, procure trabalhar com outras pessoas. Existem muitas vantagens em compor uma música com outra pessoa. Além de descobrir muitas coisas sobre composição, uma música feita a dois traz uma riqueza que transcende a individualidade e adiciona um toque especial na sua identidade.

Desde sempre, os compositores compuseram a dois ou mais, com pessoas que falam diferentes idiomas e de diferentes universos musicais. E caso você só escreva ou só toque, pense em encontrar aquela pessoa que completa a sua outra metade.

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Aqui estão alguns dos maiores exemplos de compositores que compunham a dois:

• Jimmy Page e Robert Plant (Led Zeppelin)
• John Lennon e Paul McCartney (The Beatles)
• Mick Jagger e Keith Richards (The Rolling Stones)

Além disso, a composição em colaboração traz muitos benefícios como:

• Construir sua rede de contatos
• Aprender novas formas de escrever
• Aprender mais sobre seus pontos fortes e fracos
• Obter críticas relevantes
• Descobrir uma nova dimensão no seu processo criativo

| Confira também: 7 selos independentes para você conhecer e enviar a sua música

6. Experimente, experimente e experimente

Depois de desvendar as estruturas das músicas que você se inspira, você terá uma base mais sólida para refinar as suas composições. 

Ao criar, você provavelmente entrará em contato com a frustração. Isso é absolutamente normal. Use a mesma energia para transformar o seu trabalho, desconstrua e reorganize as suas criações constantemente. Isso é o que chamamos de “destruição criativa”, pois você não se deixa bloquear, mas continua trabalhando para melhor o que já foi feito. 

Pense assim, você é como uma esponja: absorva tudo o que te inspira e organize esses elementos para obter algo único que fará você se destacar.

💡Dica: divirta-se nesse processo e sinta orgulho da sua dedicação.

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O importante é lembrar que nada acontece de repente. Primeiro você deve entender do que gosta e depois ter as ferramentas para moldar seu próprio universo criativo. E o mais importante, não estabeleça limites para o processo criativo de suas composições. 

Existe uma série de histórias completamente malucas sobre como compor uma música. Um dos mais conhecidos é o Bob Dylan, que iniciava cada sessão de composição com alguns minutos de meditação profunda, ouvindo uma música que o inspirava.

Ou o David Bowie, que usava a técnica “cut-up”, que consiste em escrever um monte de palavras que vêm à mente e organizá-las em forma de letra.

Assista o vídeo e entenda a técnica do artista 👇

7. A arte da composição: uma boa música nunca é suficiente

Agora que você tem as ferramentas para desenvolver sua composição, só resta uma coisa a fazer: escrever sem parar. Compor é como um esporte para a sua mente, é com a persistência e a experiência que você vai progredir.

💭 Lembre-se: encontrar a sua identidade não é fácil, tenha paciência.

Se o seu objetivo é conquistar um espaço no mercado musical, corra atrás de compositores de qualidade. Isso é muito mais comum do que você imagina. Muitos dos grandes artistas que você conhece têm compositores muito talentosos trabalhando por trás.

Também é possível que você se acomode em uma maneira de compor, por isso lembre-se de deixar espaço para a experimentação e seus impulsos criativos, seja ambicioso. Saboreie o sucesso e aprenda a valorizar seu progresso. 

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8. Considerações finais: como melhorar suas habilidades de composição?

Você ainda quer mais dicas sobre como melhorar a sua composição? A repetição é fundamental. Coloque desafios pessoais para criar letras melhores com mais rapidez. Pratique o quanto puder.

Ou talvez você queira se aprimorar na parte instrumental da composição de uma música, melhorar seus refrões e versos. Dedique, por exemplo, uma sessão apenas para trabalhar em pontes ganchos, experimentar as possibilidades de um pré-refrão e organizar a melodia.

Depois de definir o que você quer melhorar, o processo de composição se torna muito mais fácil. Não tenha medo de usar recursos externos, como um dicionário de rimas para brincar com as letras ou loops de bateria para compor aquela linha de baixo matadora. 

– Traduzido por Max Leblanc –

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Pois é, até os grandes artistas têm produzido as suas músicas em casa. Por isso, a Groover trouxe este artigo para te mostrar que você não precisa necessariamente ir a um estúdio de gravação profissional para produzir as suas faixas. É muito provável que você consiga gravar tudo em casa. Mas lembre-se, isso vai exigir investimento e dedicação.

Antes de tudo, devemos nos perguntar: o que é necessário para produzir uma faixa ou um álbum? 

A resposta depende do tipo de música que você quer produzir. Existem diferentes necessidades entre produzir EDM, heavy metal e MPB. Por isso, vamos focar aqui no equipamento básico comum a todos os gêneros musicais.

Assista ao vídeo e entenda como divulgar a sua música na Groover

1. Qual computador você deve escolher para o seu home studio?

Primeiramente, lembre-se que para produzir música em casa será necessário um computador. Seja Mac, Windows ou Linux, o sistema operacional não fará tanta diferença. Diferentemente de softwares 3D ou jogos pesados, um software de produção musical não exige especificações complexas. O que fará a diferença é a memória do seu computador, já que muitos plug-ins são pesados.

Lembre-se: caso você deseje produzir em um tablet ou em um smartphone, você necessitará de um bom dispositivo e investir em adaptadores de qualidade para ter uma boa conversão digital do áudio. Por isso, recomendamos que você priorize a produção via computador.

| Leia também: Inclua a Apple Music for Artists na sua estratégia de divulgação

2. Qual software devo escolher para produzir a minha música?

O tipo de software necessário para produzir música é a DAW (Digital Audio Workstation). Existe uma diversidade de DAW’s no mercado, pagos e gratuitos. Em todos estes você poderá gravar, colocar efeitos, mixar e masterizar. 

Caso você esteja começando, não existe a necessidade de investir em um software caro. O risco aqui é você ficar perdido com uma grande quantidade de funções. Por isso, comece com um investimento baixo ou use softwares gratuitos. 

Importante: existem muitas interfaces de áudio (equipamento responsável pela entrada e saída de áudio do seu computador) que são acompanhadas de softwares gratuitos, plug-ins e instrumentos virtuais. Além das interfaces, muitas vezes os controladores também oferecem essa vantagem. 

| Leia também: EP: o melhor formato para lançar a sua música

Ou seja, escolher o software de produção musical é extremamente pessoal, pois cada um tem a sua maneira de funcionar. Portanto, é a ergonomia do software que será o fator mais decisivo para chegar em um bom resultado.

Por exemplo, Ableton Live, FL Studio, Bitwig ou Reason são mais frequentemente beatmakers e músicas com elementos eletrônicos, enquanto que Logic Pro e Pro Tools são de uso geral. Vamos também ressaltar que Ableton Live e Bitwig são os únicos softwares que foram projetados para uso ao vivo…

Nome de outros softwares: Steinberg, Image Line, Presonus, Cakewalk, Cockos, Bitwig, StudioOne, GarageBand.

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3. Como escolher o seu fone e os seus monitores?

Este ponto é fundamental para montar um home studio de qualidade. O fone e os monitores são decisivos para obter uma qualidade mínima de áudio.

Para os fones, nós recomendamos que você faça o teste e busque por uma referência com um profissional. Para ter uma ideia de custo, um fone para gravação gira em torno de R$800 e R$1.500. Os fones de gravação são produzidos especificamente para estúdio, por isso preste bem atenção na hora de comprar este equipamento. 

Lembre-se: a escolha final é subjetiva, pois depende da sua anatomia, gosto por conforto e audição. Por isso, é muito recomendado que você faça um test drive com as suas músicas preferidas. Além disso, busque por escutar músicas com mixagens diferentes, por exemplo, escute primeiro um bossa nova de João Gilberto e um trap de ASAP Rocky para analisar a performance do equipamento.

Marcas recomendadas de fones de ouvido para o home studio: AKG, BeyerDynamics, Sennheiser e Audio-Technica.

| Leia também: Como encontrar um empresário musical

Os monitores de estúdio também devem ser escolhidos com cuidado. Um monitor fiel ao som depende bastante do local onde será instalado. Por isso falamos que além de agradável aos ouvidos, ele deve ser adequado. Por conta disso, é inútil recorrer a modelos que são muito poderosos caso você viva em um quarto de 10m2.

Para o seu home studio, a sua busca deve se basear em monitores ativos e amplificados, com dois canais e um woofer de 5 ou 8 polegadas. Você deve encontrar modelos básicos por volta de R$2500. Também é recomendável fazer o teste drive do seu monitor com músicas de sua preferência.

Marcas de monitores recomendadas para home studio: Yamaha, Presonus, Adam, Focal.

| Leia também: Por que é importante entrar em playlists de usuários do Spotify?

4. Como escolher uma interface de áudio?

Nós recomendamos comprar uma interface de áudio externa. Ao optar por uma interface de áudio externa, você terá uma conversão de qualidade e uma série de funções e plug ins que são muito práticos para fazer música. 

Quanto mais entradas, mais cara será a sua interface. Para você ter uma ideia, você poderá começar a produzir as suas faixas com uma interface de áudio de R$800.

Marcas recomendadas para interfaces: Presonus, Focusrite, Audient, Steinberg, Roland, Arturia.

| Leia também: 5 dicas para prensar o seu vinyl de forma eficiente e acessível

5. Qual microfone escolher?

Se você pensa em gravar voz ou instrumentos acústicos, terá que investir em um microfone. Antes de tudo, saiba que não existe microfone perfeito. O importante é entender as características de cada um.

Existem dois principais tipos de microfones: 

• Microfones dinâmicos: baixa sensibilidade e resposta lenta. Não requer alimentação externa (phantom power, baterias 9v, fonte).
• Microfones condensadores também chamados de microfones estáticos ou eletrostáticos): mais sensíveis e mais “precisos”. Necessitam uma alimentação externa (pode ser uma interface de áudio, por exemplo).

Marcas recomendadas para escolher um bom microfone de estúdio doméstico: Shure, Audio-Technica, Blue (excluindo USB), Sennheiser, AKG e Aston.

| Leia também: Feat: parceria com outros artistas, como é o processo?

6. Quais cabos escolher para o seu home studio?

A escolha dos cabos também é muito importante. Comprar cabos de qualidade faz diferença na durabilidade e no som. Para você ter uma ideia de preços: um cabo de 3 metros custa em torno de R$60. Sendo que um cabo a partir de R$120 já é considerado um cabo de qualidade.

Marcas recomendadas de cabos Jack (ou banana) e XLR: Cordial, Sommer e Klotz.

| Leia também: Use os stories para ganhar mais ouvintes

7. Qual controlador devo escolher?

Ter um controlador é muito útil para tocar instrumentos virtuais, sejam eles pianos, órgãos e sintetizadores, mas também bateria, violão, baixo, etc. Para aqueles que fazem música eletrônica, um modelo de 25 teclas deve ser suficiente. Para gêneros musicais onde será necessário mais de duas oitavas, é recomendável investir em um teclado com pelo menos 49 teclas. Muitos controladores oferecem diferentes funções, mas o mais importante é você escolher o tamanho certo e se sentir confortável.

As marcas de teclados mestres que recomendamos para controladores são: Arturia, Native Instruments, Novation e Roland. Para comparar modelos concretos, do básico ao avançado, veja 7 modelos de controlador MIDI.

| Leia também: Como escrever um press release?

controlador devo escolher?

8. Conclusão

Vamos ser sinceros, para você construir um home studio de qualidade será necessário um investimento de no mínimo R$5.000. Este valor pode assustar, mas deve ser pensado como um investimento de longo prazo. Uma forma de ir montando o seu aos poucos é pedir equipamentos de gravação como presente, uma das nossas ideias de presentes para músicos. 

Lembre-se: os equipamentos apresentados no artigo são de boa qualidade. Mas se você quiser, poderá garimpar produtos de segunda mão.

Cuidado: tente não cair em armadilhas de marketing. Converse com engenheiros de som que conhecem os diferentes equipamentos disponíveis no mercado.

A nossa recomendação é que você invista em equipamentos básicos e trabalhe duro para conseguir tirar o melhor som possível. Aos poucos, você perceberá que muito da qualidade do seu som estará nas mãos de quem estará controlando os equipamentos.

| Leia também: Saiba o que um selo pode oferecer aos artistas

E claro, assim que você tiver uma demo ou a versão final da sua música, poderá enviar para curadores e profissionais da música usando a Groover.

Além de receber um feedback garantido em até 7 dias, você ainda tem a oportunidade de receber uma divulgação por parte dos profissionais.

– Traduzido por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

Envie a sua música para curadores e profissionais da música usando a Groover

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👉 Por isso, nós trouxemos este artigo para você, artista independente, saber qual o papel de um empresário artístico e onde encontrá-lo.

Quer mostrar o seu trabalho para um empresário artístico? 👇

1. Qual é o papel de um empresário artístico?

Você lembra de quando você era criança e sonhava em lotar estádios com a sua música? Na sua cabeça, ser músico significava compor e fazer shows. Porém, o tempo vai passando e a sua família começa a cobrar e você ainda não consegue rentabilizar o seu projeto.

👉 Normalmente, é quando decidimos seguir a carreira musical que percebemos que ser artista independente é uma missão para apaixonados, pois temos que lidar com:

• Produção
• Burocracias, contratos, distribuição.
• Comunicação digital
• Venda e produção de shows
• Finanças
• Direito

| Leia também: Álbum, EP ou single? Desenvolva uma estratégia sólida de divulgação

Um empresário artístico te ajuda a administrar tudo isso, o que tira um peso das suas costas. O ideal é que ele se encarregue de praticamente tudo, para que você possa se concentrar exclusivamente na sua arte.

Além disso, o empresário artístico deve ser a pessoa mais próxima do artista em sua carreira, pois é ele quem colocará em prática toda a sua estratégia. 

👉 Este profissional estará orquestrando todas as suas relações profissionais. Quando o empresário artístico não der conta de tudo, ele contratará alguém. Um empresário pode cuidar da divulgação, negociação com selos e gravadoras, venda de seus shows e muitas mais.

A partir de um momento da carreira profissional, não ter um empresário artístico fica pesado. Que tal começar trabalhando com um amigo que deseja entrar no ramo e que gosta da sua música.

| Leia também: 5 dicas para encontrar um booker

2. Qual é o momento de encontrar um empresário artístico?

Não existe hora certa. Claro que, quanto mais cedo melhor, porque se você tiver alguém para te ajudar com a gestão da sua carreira, mais tempo e energia você terá para a sua música. 

👉 Na prática, é importante começar sozinho. Assim você também terá uma dimensão do trabalho que o empresário terá que lidar.

⚠️ Lembre-se: ao invés de pensar no momento certo, pense em encontrar o profissional certo. Antes de assinar qualquer contrato, tenha em mente que o empresário artístico ficará com uma porcentagem de sua renda. Esse valor gira em torno de 15 a 20%.

| 📺 Assista o vídeo e veja como fazer contatos profissionais na Groover  

3. Qual perfil de empresário artístico você deve escolher?

Antes de analisar as diferentes possibilidades, lembre-se do critério mais importante para encontrar o profissional certo: um empresário deve além de tudo acreditar no seu projeto musical. O investimento pessoal que o trabalho exige é tão intenso, que ele deve ter fé em seu sucesso. Ele tem que vender o seu projeto, portanto, tem que conhecê-lo por dentro e por fora. 

| Leia também: Por que é importante entrar em playlists de usuários no Spotify?

👉 Saiba que encontrar um profissional completo não é fácil. Se você conseguir encontrar alguém que complete as suas habilidades, faça um acordo com essa pessoa. Por exemplo, se você cuida bem de suas redes sociais e da comunicação com os fãs, continue trabalhando com isso e busque alguém que possa vender os seus shows.

🚨 Critério fundamental: leve em conta é o tamanho e a qualidade da rede de contatos do empresário, pois uma das tarefas dele é o desenvolvimento da sua rede profissional. Se o empresário que você encontrar já tiver bons contatos, isso será uma grande vantagem para alcançar novos espaços no cenário musical.

🚨 Importante: A relação artista-empresário, vai além da relação empregador-empregado. É fundamental ter isso em mente para criar uma relação sólida com projetos a longo prazo.

| Leia também: Como escrever um press release?

4. Como entrar em contato com um empresário artístico?

Parta do princípio que não será suficiente postar em seus stories que você está buscando um empresário artístico. Na maioria das vezes, é o empresário que encontra o artista.

Além de curtir a sua música, o profissional vai pensar muito antes de entrar em contato com você, pois ele precisará enxergar o potencial e a sustentabilidade de um artista.

👉 Envie sua música para os empresários musicais disponíveis na Groover

Separamos aqui algumas dicas para encontrar um empresário musical: 

🔸 Pesquise nas redes sociais (principalmente no Instagram e no X, antigo Twitter)

Os empresários não querem um monte de artistas enviando mensagem em sua DM, portanto, comece acompanhando e conhecendo o trabalho deles antes de fazer qualquer contato.

🔸 Converse com artistas que já tem um empresário.

Muitas vezes, um empresário trabalha com mais de um artista. Quem sabe o empresário de um artista que você conhece não está buscando mais alguém para trabalhar? Converse com os seus amigos artistas. Outra opção é se conectar com empresários musicais na Groover.

🔸 Encontre agências de gerenciamento de artistas

Cada vez mais, vemos que muitos empresários trabalham em agências de gestão de carreira artística. Faça uma boa pesquisa e entre em contato, de preferência, por e-mail. Caso o e-mail não esteja disponível, envie uma mensagem na DM do Instagram solicitando a melhor forma de contato.

🔸 Use a Groover

Com a nossa plataforma, você pode enviar a sua música para curadores e profissionais da música, como empresários, curadores de playlists, rádios, mídias e receber um feedback garantido em até 7 dias.

👉 Use o nosso filtro para selecionar o tipo de profissional desejado assim como no exemplo abaixo:

– Texto traduzido e revisado por Max Leblanc –

Divulgue a sua música de maneira simples e eficaz 🔥

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O booker, também conhecido como agente de shows, é a pessoa encarregada de encontrar datas de shows para os artistas e organizar as suas turnês. Mas como encontrar o profissional certo para a sua carreira? Com certeza esta é a pergunta de muitos artistas independentes. 

A Groover Brasil recomenda que você dê uma lida nas dicas separadas por Baptiste, fundador da associação francesa Riche Idée.

| Assista ao vídeo e saiba como usar a Groover para divulgar a sua música

1. O seu projeto está pronto?

Todos os anos, entre 100 e 200 artistas entram em contato comigo pela Groover para que eu agende seus shows em minha pequena casa de shows. Não é raro eu ver projetos muito iniciantes com apenas algumas músicas lançadas e poucos shows no histórico. Lembre-se: Não cometa o erro de expor o seu projeto antes de atingir uma certa maturidade. Dê mais tempo a si mesmo! Geralmente, eu aconselho os artistas a não buscarem bookers até que eles tenham realizado pelo menos dez shows, principalmente em sua região de origem. Mas é claro que existem exceções, por exemplo, projetos que ganharam visibilidade muito rapidamente e que tinham chances de atrair muito público.

| Leia também: Álbum, EP ou single? Desenvolva uma estratégia sólida de divulgação

2. Você realmente precisa de um booker?

Essa é a pergunta que antecede a sua busca por um booker. Se um artista se organizar bem, ele consegue encontrar, sem ajuda externa, vários shows por ano. Se você está nesta situação, não deixe de lado a possibilidade de seguir a sua carreira musical de forma independente, sem um profissional que te acompanhe. Antes de mais nada, é uma questão de eficiência (e na Groover você também pode conseguir shows sem agente de booking). Muitas vezes, os artistas conseguem vender os seus shows de um jeito muito mais eficaz do que um booker que não é realmente apaixonado pelo seu trabalho.

Outro argumento a favor do “faça-o você mesmo” é obviamente financeiro. Em troca de seu trabalho de venda de shows, o booker receberá uma porcentagem que varia normalmente de 15% a 20%, mesmo quando não foi ele quem encontrou o show. Se você conseguir segurar a onda e vender os seus próprios shows, pode valer a pena esperar o booker certo na hora certa. Porém, calma. Caso você encontre uma proposta que vise desenvolver o seu projeto financeiramente e artisticamente (organizar turnês, tocar em festivais, etc.) é outra história.

| Confira também: Como o music branding pode ajudar os artistas?

3. Qual é o melhor booker para mim?

Após inúmeros e-mails e telefonemas você está convencido: seu projeto musical precisa de um agente de shows para crescer. A questão é: qual? Assim como o mundo das gravadoras e casas de shows, existe hoje uma grande variedade de bookers. É claro que muitos artistas sonham em unir forças com grandes agências nacionais ou internacionais. Porém, é importante levar em consideração que existem também agências menores e agentes de shows independentes que buscam junto aos artistas montar as suas primeiras turnês e estruturar um trabalho de médio e longo prazo.

Artistas mais estabelecidos também podem se aproximar de bookers especializados em um gênero musical particular, região ou shows internacionais. É recomendado que antes de começar a pesquisar por toda parte, você elabore um perfil do profissional ideal para o momento artístico de sua carreira (tamanho, ambição, catálogo, etc.). Fazendo isso, você economizará tempo e evitará contatos que não te levarão a nada.

| Veja também: 10 dicas para aumentar o engajamento do seu perfil de artista no Instagram?

4. Como chamar a atenção de um booker?

Conseguir um booker é como no amor, estamos falando sobre sentimento. Sejamos claros: será quase impossível convencer um profissional do mercado musical a te representar se ele não apreciar o seu universo musical. Além disso, você também deve demonstrar ao seu futuro booker a seriedade e o potencial de desenvolvimento do seu projeto. Este é particularmente o caso da Groover, onde os profissionais recebem vários pedidos por dia. 

Experiência, produção de qualidade, bons números nas redes sociais e nas plataformas de streaming são elementos importantes. Porém, o que chamará mais a atenção de um booker é um show atraente e instigante. Minha dica é: mostre o seu desempenho. Tenha em mente que um agente de shows deve alcançar um número mínimo de datas de shows para que seu trabalho seja lucrativo. Quanto mais a banda se mostrar pronta, disponível e disposta a fazer uma turnê, mais atenção terá a sua proposta.

| Confira também: Como entrar em contato com profissionais do mercado musical?

5. Como trabalhar bem com o seu booker?

Se você já encontrou um booker, saiba que ter um profissional desses ao seu lado é um grande passo na carreira musical de um artista independente. Como profissional, você deve compreender as limitações e expectativas de seu novo parceiro. Em outras palavras: facilite a venda de shows. Mesmo não tendo que buscar mais shows, você ainda deve desempenhar um papel ativo na agenda de shows. Lembre-se: busque manter o seu booker informado sobre o seu calendário nos próximos meses: datas disponíveis, gravações, férias, programas de mídia, etc.

Você também deve estar ciente das oportunidades visadas pelo profissional. Procure entender o que ele está buscando para você. Claro que você não precisa aceitar todas as propostas de show, por conta disso, eu tenho aconselhado jovens artistas a não serem muito exigentes nas primeiras semanas de trabalho. “A casa é muito pequena” ou “Vamos ganhar muito pouco”, são comentários que podem ferir a sensibilidade e a motivação de seu booker. Se você quiser realmente desenvolver o seu projeto, será necessário fechar uma série de shows. Essa é uma ótima estratégia para chamar a atenção do mercado musical (mídia, festivais, produtores, etc.).

| Veja também: Saiba como escrever um bom rider técnico para shows ao vivo

6. Conclusão

Quanto mais você fizer shows, mais fácil será conseguir novas datas, mais visibilidade e credibilidade no cenário musical. É um círculo virtuoso! Por isso, busque por um booker que acredite no seu projeto e que deseja desenvolver a sua agenda de shows. Lembre-se: fazer shows é essencial para um artista mostrar a sua postura fora das telas. Além disso, os shows são a principal fonte de renda dos artistas independentes nos dias de hoje.

– Artigo traduzido por Max Leblanc –

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Você é um artista independente e está procurando ganhar visibilidade e encontrar uma equipe profissional? A Groover permite que você entre em contato com os melhores selos, bookers, rádios, mídias, playlists e profissionais do mercado musical, com garantia de audição e um feedback em até 7 dias. Acesse o site para começar a sua campanha já!

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Álbum, EP, single e mixtape? Aqui estão algumas dicas para te ajudar a construir a melhor estratégia de lançamento para sua música.

Álbum: longo, caro, desanimador (porém atraente)

Para os grandes fãs de música, um álbum continua sendo o formato favorito pela simples razão de que é a melhor maneira de mergulhar no universo de um artista. Não há nada melhor do que escutar faixa à faixa sem pausas o álbum “Transa”, do Caetano Veloso ou “Acabou Chorare”, dos Novos Baianos. Um álbum pode nos marcar para sempre e qualquer artista deveria visar este tipo de marco.

Mas quando você entra no ramo da música, você tem que ter um lado pragmático. Seu objetivo final é chegar ao álbum, mas há uma série de objetivos intermediários a serem respeitados para que este trabalho seja escutado na escala que merece. Ou seja, que ele chegue em muitas pessoas. 

Por que um álbum não é uma boa estratégia para a divulgação musical no início de uma carreira? Minha primeira resposta seria: os artistas raramente estão prontos. Lembre-se, um álbum simboliza o que o artista tem de melhor. Significa dizer de primeira: “Fiz o melhor álbum que pude no momento atual”, o que muitas vezes pode ser o ego falando mais alto. Mas atenção: é óbvio que não há uma verdade única. Alguns artistas trabalham na sombra durante 10 anos, sem nunca lançar nada ou dizer que são artistas e conseguem produzir um álbum excelente sem nunca ter lançado um single. Porém, isso é raro, e são 10 anos passados sem lançar nada.

A segunda resposta é: um álbum é longo e caro para se produzir. Você tem que preparar pelo menos de 7 a 15 faixas colocando toda a sua alma, pagar os custos de estúdio, produção, mixagem e masterização. Depois, você ainda deve escolher 2 ou 3 singles e preparar uma divulgação especial para eles. Além disso, produzir um álbum aumenta as expectativas do seu público e eleva o seu padrão de qualidade. 

Imagine essa situação: você produz um álbum incrível e apenas poucas pessoas têm acesso. Dessa forma, você está impedindo que seu trabalho ganhe a vida e a proporção que ele merece. 

Mas então, quais são as alternativas?

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Mixtape, EP, singles e versões: outras maneiras de divulgar a sua música antes do álbum

Estas palavras são geralmente sinônimo de exigências menores. Em um EP, por exemplo, espera-se que o artista desenvolva a sua própria identidade. Mas também se sabe que é um momento de transição para o artista, como se fosse uma preparação para algo maior. Além disso, há menos faixas do que em um álbum, por isso é mais rápido e menos caro de se produzir e divulgar. Muitos artistas conseguiram decolar no início de suas carreiras lançando uma sucessão de EP’s.

Se você faz rap, a mixtape continua sendo um ótimo formato para começar a ser reconhecido. Não é tão popular como costumava ser, mas permite que você lance sons que estão na gaveta e convide outros artistas para fazer feats. Através deste formato, você pode expandir a sua rede e se beneficiar de uma troca de público com outros artistas. 

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Outra ideia é lançar versões, seja nas plataformas digitais, no YouTube ou no TikTok. Essa estratégia têm se tornado cada vez mais eficaz para aumentar a sua base de fãs. Muitos artistas que começaram a ganhar visibilidade fazendo versões de músicas famosas no Youtube conquistaram um grande público e começaram a divulgar as suas músicas autorais.

Por último, o single. Este formato se destaca por sua eficácia: fazer a sua comunicação é simples, e as chances da música entrar em playlists e das pessoas ouvirem repetidamente é alta. Muitos artistas emergentes têm explorado a estratégia de lançar diversos singles antes de lançar um álbum cheio. Dessa forma, quando o seu álbum é lançado, ele já tem uma certa visibilidade. Interessante, não é? Lançar vários singles durante o ano é vantajoso, pois o público fica muito mais satisfeito. Uma outra vantagem de lançar vários singles é o número mais alto de reproduções das músicas nas plataformas digitais. Já em um álbum, as reproduções ficam dispersas e a última faixa tende a ser a menos reproduzida.

Dividindo o EP em singles: a melhor estratégia de divulgação musical?

A música, como toda arte, é sagrada. Mas você entendeu: aqui estamos falando de marketing musical. Todas as dicas aqui são direcionadas para os artistas que desejam crescer no cenário musical.

A estratégia mais eficaz consiste em fazer um compromisso entre a qualidade da proposta musical (desenvolver uma identidade, como em um álbum) e a quantidade de lançamentos (divulgação constante). Para fazer isso, lançar um EP de 4 faixas é o ideal. Lance um single por mês (ou a cada 6 semanas). Desse jeito, você pode promover o seu EP durante 4 meses, lembrando constantemente o seu público que você está ativo e com novas músicas.

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• Maximize o engajamento com o seu público graças a esta estratégia de divulgação musical

A cada lançamento, o seu público terá apenas uma faixa para ouvir, portanto, o número de reproduções tende a aumentar. Ao invés de enviar o seu público para um álbum de 10 faixas, tendo o risco de perder os ouvintes na segunda faixa, o seu público se concentrará em apenas uma faixa. Desta forma, você pode ter certeza de que se eles gostarem da faixa, eles irão adicioná-la às suas playlists. Melhor ainda: o tempo que eles gastam ouvindo uma faixa é menor do que o tempo que eles teriam gasto em um álbum. Em tempos como hoje, onde o nosso cérebro tende a se concentrar em uma coisa só por pouco tempo, isso é precioso. Esse formato também os encorajará a reproduzir a sua faixa do primeiro ao último segundo – uma estatística que colocará o algoritmo do Spotify e outras plataformas a seu favor.

• Facilitando a cobertura da mídia do seu projeto musical

Divulgar singles regularmente também aumentará as suas chances de conseguir cobertura dos curadores de mídias e de playlists. A cada lançamento, você se aproxima mais dos veículos de divulgação. Para isso, você pode usar o Groover! 

Pouco a pouco, os jornalistas lembrarão do seu nome, ouvirão seus lançamentos e se apegarão a um dos seus singles. A mesma coisa acontece na Groover quando um artista contata um curador mais de uma vez, dentro de um período de tempo relativamente curto. Desse jeito, as chances do curador compartilhar a sua música é muito maior. Quanto mais vezes o artista contata o curador, mais o seu trabalho será lembrado e provavelmente valorizado. Com o feedback recebido o artista pode compreender os critérios de seleção do curador, o que lhe permite otimizar ainda mais as suas campanhas. 

Esta estratégia também faz com que você lance faixas mais populares e deixe as faixas mais profundas ou experimentais para um álbum. Assim, com cada uma delas, você terá mais chances de entrar em boas playlists, já que os curadores considerarão que a sua música tem um grande potencial.

• Uma estratégia benéfica para o seu crescimento nas redes sociais

Finalmente, esta estratégia de divulgação musical permitirá que você aumente o seu público nas redes sociais. De fato, em suas redes, você terá frequentemente um novo lançamento para anunciar. Isto te incentivará a criar e postar conteúdo com frequência. Dessa forma, os algoritmos irão lembrar de você como um usuário ativo e promovê-lo a novos usuários. Se os seus singles forem atraentes, você ganhará novos seguidores mais rapidamente.

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• Mais do que uma estratégia de divulgação musical: uma obra! 

A melhor coisa desta estratégia de lançamento é que no final você terá um projeto coeso de 4 faixas. Não é apenas uma série de singles sem ligação, é um verdadeiro cartão de visita para os recém-chegados descobrirem o seu universo musical. Assim que se criam novos ouvintes. O trabalho a seguir é transformar estes ouvintes em ouvintes de longo prazo. Agora cabe a você refletir e adaptar esta estratégia aos seus próprios objetivos.

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Para finalizar, é importante lembrarmos que nenhuma estratégia é a certa. Porém, com o modelo predominante do streaming, lançar singles têm sido prioridade nas estratégias de lançamentos musicais. Antes de investir todo o seu tempo e dinheiro em um álbum, busque lançar singles, EP’s, versões ou mixtapes. Esses formatos valem muito mais a pena para conquistar uma base sólida de fãs e ser valorizado pelos algoritmos.

– Texto traduzido por Max Leblanc e revisado por Thiago Cyrino –

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Baterista, engenheiro de áudio, mente aberta e cuiabano, Guigo Berger já rodou o mundo fazendo mixagem de P.A e tocando. Além de ter mixado e masterizado obras primas do pop contemporâneo, como o álbum “De Primeira” da Marina Sena e “Chegamos Sozinhos Em Casa”, da Tuyo, indicado ao Grammy Latino 🏆.

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1. Guigo Berger, você poderia se apresentar e falar sobre a sua carreira de engenheiro de áudio?

Primeiramente, muito obrigado pelo convite, me sinto honrado por estar nessa com vocês. Eu não sei como falar de mim sem falar da música na minha vida. Eu cresci num ambiente musical e muito antes do áudio entrar na minha vida eu já estava na correria das gigs e gravações com minha bateria, instrumento que toco desde os 9 anos de idade.

Acho que nessa vivência de músico, o áudio veio entrando na minha devagar, quando eu vi eu já estava inteiramente interessado pelo mundo da mixagem e da masterização.

| Instagram do Guigo | Site Oficial do Guigo

Guigo Berger, músico e engenheiro de áudio

2. Você mixou o aclamado álbum “De Primeira” da Marina Sena. Além de trabalhos da Tuyo e Linn da Quebrada. Conta um pouco mais sobre o processo de trabalhar com estes artistas?

Eu tenho sorte de trabalhar com gente talentosa e que confia muito em mim. Tanto os artistas como os produtores me deram muita liberdade para criar junto. Eu acredito que os trabalhos que a gente consegue dialogar assim é onde mais aprendemos com as pessoas envolvidas e eu pude aprender muito com todes. 

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Álbuns e singles em que o Guigo Berger trabalhou como engenheiro de áudio

3. Guigo Berger, o que é fundamental para um artista pop levar em conta quando vai mixar e masterizar?

Não só para o pop, mas para qualquer gênero musical, o artista deve procurar se identificar com os profissionais que escolhem pra fazer parte do trabalho. É fundamental ouvir o portfólio dessas pessoas e procurar entender se aquilo que ela apresenta pode agregar no produto final. Sempre que possível também tentar entender qual a vibe da pessoa.

Na construção de um trabalho artístico a gente deposita muitas horas e energia ali, pelo bem, é importante a equipe trabalhar em sintonia.

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4. Você tem algum gênero musical ou estilo de música que você prefere trabalhar?

Eu não diria que é uma questão de preferência, mas o pop brasileiro, aquele cheio de referências culturais das diversas regiões do Brasil mexe com meu coração.

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5. Guigo Berger, como está o mercado para os engenheiros de áudio que estão começando? 

Eu acredito que pra quem decide se especializar em mixagem e masterização o momento é ótimo. Mas eu acredito muito que pra conseguir se destacar precisa de uma constância de entrega efetiva, sabe?

Obviamente a gente aprende todos os dias e nosso último trabalho a gente sempre vai querer que seja o melhor. E para conseguir trilhar esse caminho com menos “cabeçada na parede” é estudar, sem dúvidas.

👉 Assista ao vídeo Audio for Singers no qual o Guigo Berger expõe algumas dicas essenciais para os novos artistas e engenheiros de áudio.

Minha dica é procurar aprender muito bem os fundamentos, confiar e seguir o pessoal que está no mercado de fato. Uma base sólida é super importante pra não se perder nessa era de excesso de informações.

Procurar ter a mente aberta e saudável, cuidar da saúde física e mental é extremamente importante. Acho que isso ficou muito claro pra gente nessa pandemia.

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6. Você poderia dar algumas dicas para esses artistas que enviam músicas para você?

Eu considero uma demo atrativa aquela que a música esteja apresentada e resolvida com todos os contrastes e nuances que a produção pode entregar para deixar a música mais interessante.

Quando existe este capricho ele é notável independentemente de como foi gravado, o que importa é ter tudo a favor da música que vamos trabalhar.

– Entrevista por Max Leblanc –

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