Como músico emergente, la marca artística es esencial. Por supuesto, necesitas hacer buena música para empezar. Pero como dijo Steve Jobs una vez, “el empaque puede crear una historia”.
Y cuando se trata de la marca artística, el “empaque” se refiere a todas las formas diferentes en que te presentas a tu audiencia. El logotipo, los colores, el tono de voz… Todos estos elementos contribuirán a crear una historia alrededor de tu música.
En este artículo, vamos a cubrir todo lo que necesitas saber sobre la marca artística. ¿Listo? Vamos a sumergirnos 👇
1. ¿Qué es la marca?
Antes de profundizar, exploremos qué es exactamente la marca. Todos tenemos una intuición de lo que son las marcas. Pero dar una definición precisa es un poco más difícil.
Una marca se define como «un nombre, término, diseño, símbolo o cualquier otra característica que distingue los bienes o servicios de un vendedor de los de otros vendedores» (Wikipedia).
Por extensión, los componentes de una estrategia de «marca» incluyen el diseño del producto, la identidad de la marca, el estilo de comunicación y «cualquier otra técnica que tenga como objetivo crear una impresión duradera en la mente de los clientes».
Aunque a menudo pensamos en la marca en el contexto de las empresas, la verdad es que todos estos conceptos son aplicables a un proyecto musical. El logotipo de una banda, la forma en que se comunican con sus fans, el tipo de fotos que publican en Instagram… Todos estos elementos contribuyen a la marca de un artista.
¿Tu música está lista para ser lanzada? ¡Entonces es hora de preparar tu estrategia de promoción! La mejor manera de hacerlo es contactar a curadores de listas de reproducción, estaciones de radio, medios de comunicación, sellos discográficos...
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2. Primero: Define lo que Representa tu Marca
En la introducción, mencionamos que tu marca como artista transmitirá una historia alrededor de tu música. Entonces, hazte esta pregunta: ¿cuál es la historia que quieres contar?
¿Por qué se destaca tu proyecto musical? ¿Tu objetivo es llevar alegría y amor a tus oyentes? ¿O es tu música oscura e introspectiva? O tal vez es ligera y no pretende ser tomada demasiado en serio.
Sea cual sea el caso, necesitas definir algunas palabras clave que representen a tu proyecto musical. Por supuesto, esto no sucede en el vacío. Tu marca está estrechamente relacionada con la música que haces. Si no estás seguro de cómo posicionar tu marca, pregúntales a algunos amigos cómo describirían tu música. Usa esas palabras como trampolín para desarrollar la imagen de tu marca.
Una vez que tengas algunas palabras para describir tu música, es hora de pasar a la marca propiamente dicha.
3. Construye tu Identidad Visual
La parte más evidente de cualquier marca es su logotipo. McDonald’s, Coca-Cola, Apple… Cuando piensas en esas marcas, inmediatamente tienes una imagen en mente.
El objetivo debería ser el mismo con tu música. Cuando las personas escuchan tu nombre de banda o artista, deberían tener de inmediato una imagen en mente.
Como artista, puedes desarrollar tu propio logotipo o usar una imagen tuya o de tu banda. En ambos casos, tu identidad visual debe comunicar las palabras que identificaste en el Paso #1.
Veamos dos ejemplos. Cuando Skrillex irrumpió en la escena en 2010, su música podría calificarse como «extrema», «caótica» e incluso «futurista». En ese momento, este era el logotipo que estaba usando:
Podemos ver claramente cómo este logotipo es una encapsulación perfecta de su música.
Otro ejemplo que podemos analizar es la banda The National. The National es conocida por su estilo elegante, serio y de indie rock. Cuando vemos sus fotos de banda, los vemos todos vestidos de negro y rara vez sonríen:
Una vez que elijas un logotipo o imagen, asegúrate de usarlo de manera consistente en todos tus canales de redes sociales. Esto incluye Facebook e Instagram, pero también plataformas como Spotify, Soundcloud y Apple Music. El objetivo es ser inmediatamente reconocible.
Sin embargo, tu identidad visual va más allá de tu logotipo. Echa un vistazo a la cuenta de Instagram del productor de House Oliver Schories:
Con el filtro en blanco y negro, hay una elección deliberada aquí para transmitir una imagen sobria y seria. Al definir tu identidad visual, piensa en los colores que usas, así como en la tipografía. Todas estas elecciones deben reforzar las palabras que definiste en el Paso #1.
4. Elige tu tono de voz
«Tono de voz» es un término de marketing que define el lenguaje en el que una empresa se expresa. Esto incluye no solo las palabras que usa, sino también la forma en que se dirige a sus clientes.
En el contexto del branding del artista, tu tono de voz también abarca cómo te comunicas con tus oyentes. ¿Cómo te expresas en tus canales sociales? ¿Es divertido y bromista? ¿O serio y misterioso?
Si miramos a Fred Again, uno de los artistas electrónicos más populares en la actualidad, su estilo de comunicación es muy distintivo:
Podríamos calificar este estilo de comunicación como «emocionante», «crudo» y «sin filtros». Este tono de voz contribuye a que Fred Again sea un artista muy accesible, alguien con quien la gente se conecta.
Cuando pienses en tu tono de voz, reflexiona sobre cómo te comunicas naturalmente.
Por ejemplo, Billie Eilish rara vez escribe subtítulos en sus publicaciones de Instagram. Sin embargo, publicará muchas fotografías aleatorias que transmiten su universo.
¿Prefieres publicar imágenes y subtítulos cortos en Instagram? ¿O prefieres largos debates en Twitter? Cuanto más natural sea tu tono de voz, más fácil será mantenerlo. No elijas un tono de voz solo porque crees que es genial. Elige algo que se ajuste a tu propia personalidad. Esto facilitará mantener la coherencia.
5. ¿Cuál es la Conclusión?
La verdad es que las personas quieren conectarse con una persona, no solo con un artista. Y cuanto más sepan sobre ti, más se conectarán contigo. Sin embargo, esto no significa que tengas que compartir cada aspecto de tu vida personal en las redes sociales. Pero cuanto más te comuniques con tu audiencia, más se conectarán contigo y tu música.
Un gran concepto popularizado por Gary Vee es «Documentar vs. Crear». La idea es centrar más tiempo en documentar tu viaje en lugar de la fase de creación.
En lugar de publicar solo una vez en Instagram cuando tu canción esté lista, documenta el proceso de creación de la canción. Publica fotos detrás de escena, videos de sesiones de grabación, extractos de la canción a medida que evoluciona, etc. Esto ayudará a tu audiencia a conectarse contigo a un nivel más personal.
¡Eso es todo para esta guía sobre la marca de un artista!
¡Esto concluye nuestra guía sobre la marca de un artista! Con suerte, pudimos darte algunas pautas para comenzar a pensar en tu propia marca como artista.
– Traducido por Matías Campá Olivares –
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