Hoy en día, los artistas independientes tienen más oportunidades que nunca para distribuir su música a una audiencia global sin la necesidad de pasar por una gran discográfica tradicional, gracias en gran parte al auge de las redes sociales y a las plataformas de música digital como Spotify, iTunes y Apple Music.

Así que si tienes tu proyecto apasionante y quieres lanzar tu álbum independiente pero te preguntas cómo hacer realidad tu sueño, crear tu propia discográfica independiente podría ser una decisión estratégica para tomar el control de tu carrera musical y llevar tu música al mundo en tus propios términos.

Hay muchas ventajas en crear tu propia discográfica como artista independiente, y podría ayudarte a comenzar tu carrera con buen pie, con pleno control y mayor flexibilidad.

Con eso en mente, echemos un vistazo más de cerca a todos estos beneficios y por qué podría ser la decisión correcta para ti.

1. Te da más libertad artística

La principal ventaja de crear tu propia discográfica para lanzar tu propia música es que, como propietario de tu discográfica, tienes el control creativo total sobre tu música y puedes decidir sobre el estilo, el contenido y la dirección general de tu trabajo sin ninguna interferencia externa.

Por poner un ejemplo, digamos que has firmado un contrato discográfico con una gran discográfica para lanzar tu nuevo sencillo. En ese caso, tendrías que tener en cuenta las opiniones de otras personas. Después de todo, no olvidemos que las discográficas tienen consideraciones comerciales en mente y a menudo presionan a los artistas para que creen música que sea comercialmente viable y que probablemente atraiga a una amplia audiencia.

Entonces, por ejemplo, si has lanzado un álbum debut que tuvo mucho éxito, es probable que tu discográfica quiera que repitas el mismo patrón y el mismo éxito, una y otra vez, manteniéndote en el mismo nicho que funcionó antes y sin mucho interés por tu desarrollo como artista.

Esto puede ser muy frustrante para muchos artistas que se ven obligados a dejar su discográfica para poder crear la música que realmente quieren crear.

Supongamos que eres conocido como un cantautor folk pero quieres probar diferentes géneros como rap, punk, electrónica y hip-hop… al ser un artista independiente, tienes la elección y la oportunidad de explorar diferentes géneros y cambiar de opinión.

Así que, al crear tu propia discográfica, te das la oportunidad de crecer como artista y evolucionar, manteniendo el control creativo total sobre tu trabajo.

Además de tomar las decisiones en el estudio de grabación, también puedes decidir sobre tus videos musicales, cualquier merchandising promocional, y cualquier obra de arte como la portada de tu nuevo álbum…

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2. Puedes seguir tu propio cronograma

Además de tener una mayor libertad artística, ser un artista independiente significa que puedes seguir tu propio horario. Esto significa que no tienes que responder a una discográfica que podría querer que escribas un álbum completo en seis meses y puedes concentrarte en lanzar tu música a tu propio ritmo.

Supongamos que has firmado con una gran discográfica o incluso con una de las ‘tres grandes’ compañías discográficas, Universal Music Group, Sony Music o Warner Music Group. Si te dicen que necesitan tus canciones listas para una fecha determinada para comenzar el proceso de grabación, tendrás que estar listo.

Pero la composición de canciones y la creación pueden ser a veces un proceso largo y todos sabemos que el trabajo creativo apresurado rara vez es bueno. Al crear tu propia discográfica, puedes mantener el control de tu horario, lo que te permite experimentar con diferentes enfoques creativos y lanzar trabajos que realmente te has tomado el tiempo de perfeccionar a tu gusto.

Dicho esto, es importante no usar esta flexibilidad y falta de responsabilidad como una razón para procrastinar. Cuando no tienes a nadie persiguiéndote para hacer tu trabajo, necesitas ser lo suficientemente disciplinado para hacerlo.

3. Tienes mayor independencia financiera

Todos sabemos que el objetivo es ganarse la vida como artista, y pasar por una discográfica puede en realidad interponerse en ese camino. Los contratos de grabación tradicionales a menudo implican una división significativa de las ganancias, lo que significa que cuando firmas con una discográfica entregas una gran parte de tus ingresos, lo que puede terminar siendo mucho dinero y puede llevar a que no puedas ganarte la vida con tu música.

Por otro lado, cuando diriges tu propia discográfica, puedes conservar una gran parte de tus ingresos musicales.

Abordaremos la cuestión de las regalías en la siguiente sección, pero debes saber que los contratos de grabación tradicionales a menudo implican un reparto significativo de regalías, donde la discográfica se lleva una parte sustancial. Como propietario de una discográfica independiente, puedes conservar tus regalías e incluso negociar tasas de regalías que sean más favorables para ti.

Puedes ir aún más allá diversificando tus fuentes de ingresos y explorando múltiples fuentes de revenue más allá de las ventas de música, como el merchandising (CDs, cassettes, artículos de edición limitada…), conciertos en vivo, patrocinadores y colaboraciones.

En última instancia, al igual que tienes el control creativo completo sobre tu carrera, también tienes el control financiero total sobre ella, lo que puede contribuir en gran medida a tu éxito como artista.

4. Conservas la propiedad total de tus producciones musicales

Aquí está la mayor ventaja de crear tu propia empresa limitada como artista independiente: posees los derechos de tus grabaciones originales, por lo que cualquier cosa que crees en tu repertorio o catálogo musical es 100% tuya.

Los artistas que aceptan trabajar con discográficas firman un contrato de artista que los vincula a la discográfica y delega la propiedad de sus producciones a esta. Esto puede parecer trivial, pero en realidad es muy perjudicial para ti porque la propiedad de tu trabajo puede jugar un papel importante en la construcción de una carrera larga y sostenible.

¿Recuerdas cuando hablamos brevemente sobre las regalías? En la industria musical, las regalías se distribuyen a diferentes partes según los derechos involucrados y los acuerdos contractuales.

Los autores y compositores reciben regalías por el uso de sus composiciones musicales. Y las discográficas, dado que invierten en la producción, el marketing y la distribución de música grabada, generalmente reciben una parte de los ingresos generados por la venta y el uso de las grabaciones. Si eliminas al intermediario, puedes conservar más de los ingresos generados por tu música.

Además, tienes el control y puedes negociar acuerdos de licencias para publicidad, películas, programas de televisión y otros medios, y ganar regalías en estas colocaciones.

Y al poseer tus grabaciones maestras, tienes la capacidad de licenciar tu música para una variedad de propósitos, lo que conduce a flujos adicionales de regalías, y puedes seguir ganando regalías por tu música durante años, y este potencial de ganancias a largo plazo puede proporcionarte estabilidad financiera y apoyar tu carrera a lo largo de tu trayectoria artística.

5. Puedes construir una mejor relación con los fans y oyentes

Otra cosa a tener en cuenta es que al tener tu propia discográfica, puedes establecer una mejor relación con tu base de fans. Nuevamente, se trata de eliminar al intermediario y tener una conexión directa con tu audiencia en lugar de hacerlo a través de un intermediario.

Estás en control y puedes interactuar con tus fans a través de redes sociales, boletines y eventos en vivo, construyendo una base de fans leal que puede apoyar tu carrera a largo plazo.

Y si volvemos a la primera sección donde vimos que crear tu propia discográfica te da total control creativo sobre tu música, esto significa que probablemente crearás un trabajo más auténtico que resonará más fuertemente con las personas que resuenan contigo.

6. Puedes establecer una red más efectiva dentro de la industria musical

Aceptémoslo: crear tu propia discográfica te da credibilidad en la industria musical, ya que la mayoría de la gente presta atención a una nueva discográfica. Puede darte la confianza para buscar activamente y construir relaciones con otros artistas, productores y profesionales de la industria que también están activos en la escena musical. Estas relaciones pueden llevar a oportunidades de colaboración y copatrocinio, lo que a su vez te ayudará a expandir tu red.

Si miramos primero las colaboraciones, trabajar con artistas influyentes de diferentes géneros o trasfondos puede aportar nuevas perspectivas a tu música y atraer a una audiencia más diversa a tu trabajo, aumentando tu visibilidad dentro de la industria. Una gran cosa sería conseguir que tus canciones estén en listas de reproducción y obtener más reproducciones y más descargas, y las colaboraciones pueden abrir puertas para ese tipo de cosas. Otra cosa que incluso podrían hacer por ti es conseguir que tu música se toque en la radio.

Las oportunidades de copatrocinio implican asociarse o apoyar a artistas emergentes, productores u otros profesionales de la música y cuando diriges tu propia discográfica, las oportunidades de copatrocinio con artistas conocidos pueden ser una forma poderosa de validar tu trabajo y señalar a la industria y a los fans que tu música es reconocida y respetada por figuras establecidas en el campo. Además, trabajar con artistas experimentados y exitosos te permite aprender y crecer; puedes entender mejor la industria, aprender de sus experiencias y aplicar valiosas lecciones a tu propia carrera.

Pero para obtener estas oportunidades, es crucial construir relaciones genuinas dentro de la industria y ser proactivo en buscar colaboraciones. Una buena manera de hacer esto es asistir a conciertos o incluso a eventos musicales donde puedes establecer una red con otros artistas independientes.

7. Puede ser más ventajoso desde un punto de vista financiero.

No es sorprendente que crear una discográfica cueste dinero, y no solo en lo que respecta a los costos de grabación y tiempo de estudio, sino también la distribución musical, licencias de música, marketing musical, y la publicidad general para la imagen de tu marca.

Pero una de las ventajas de crear tu propia discográfica es que también puede ahorrarte dinero.

En primer lugar, las empresas pueden ser más ventajosas desde un punto de vista fiscal y puedes deducir tus gastos, cargos y costos (compra de equipos, alquiler de estudio, etc.).

Sin embargo, crear tu propia discográfica como artista independiente también puede abrir oportunidades para solicitar subvenciones y financiación, y tener una discográfica te da más credibilidad ante los organismos de financiación. Te ven como un artista serio y comprometido con un enfoque estructurado hacia tu carrera, lo que puede aumentar tus posibilidades de obtener financiación.

También debes tener en cuenta que los distintos organismos de financiación a menudo se ocupan de varios aspectos de la industria musical, incluyendo grabación, producción, marketing y giras. Con tu propia discográfica, puedes ofrecer una variedad de proyectos, demostrando tu versatilidad y compromiso con los diferentes aspectos de tu carrera musical. Muchos organismos de financiación ofrecen programas de subvenciones a artistas que apoyan proyectos musicales innovadores y experimentales.

Antes de solicitar una subvención, es esencial estudiar cuidadosamente los criterios de elegibilidad, las pautas de aplicación y los plazos. Además, los consejos de artes locales y regionales pueden ofrecer programas específicos para apoyar a los músicos y a las discográficas en tu área.

Si bien hay ventajas en crear tu propia discográfica, es importante reconocer las responsabilidades y desafíos adicionales que conlleva. Gestionar la distribución, el marketing y otros aspectos comerciales requiere tiempo y esfuerzo. Para hacerte una idea de lo que asumirías, puedes repasar las funciones de un sello discográfico, de la financiación inicial a la promoción.

Sin embargo, los beneficios en términos de libertad artística e independencia financiera pueden ser considerables, y dirigir tu propia discográfica puede ser una experiencia valiosa de aprendizaje, brindándote una visión de la industria musical.

– Traducido por Matías Campá Olivares –

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1. ¿Qué es una discográfica?

Una discográfica es una empresa de la industria musical. Sus principales actividades son la producción y promoción de álbumes para los artistas que representa. Participa en la composición, grabación, mezcla y masterización de pistas, así como en la fabricación física y distribución de discos. Una discográfica también puede dedicarse a promocionar a los artistas que representa, organizar conciertos y gestionar las relaciones con la prensa.

Las grandes discográficas suelen denominarse las «majors» de la industria musical. Pueden tener filiales especializadas en géneros musicales concretos, y a menudo tienen sus propios sellos discográficos con su propia identidad y catálogo de artistas. Los sellos musicales son divisiones de una discográfica que tienen su propia dirección artística y su propio catálogo de artistas. ¿Los sigues?

Por último, es importante señalar que las discográficas suelen ser los negociadores entre los artistas y las plataformas de streaming o los distribuidores de música. Las discográficas son, por tanto, actores clave en la industria musical y desempeñan un papel importante en la producción, promoción y distribución de música.

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2. ¿Quiénes son las discográficas?

Las principales compañías discográficas son Warner, Sony y Universal Music. Para responder a esta pregunta, hablemos de las distintas funciones dentro de una discográfica: directores artísticos, productores y empleados dedicados a la promoción, relaciones con la prensa, contratos y finanzas. Cada una de estas funciones es esencial en la producción y promoción de los proyectos musicales de los artistas.

Los directores artísticos desempeñan un papel clave dentro de una discográfica. Son responsables de la dirección artística de la discográfica y trabajan con los artistas para desarrollar su imagen de marca y su estilo musical. También pueden participar en la búsqueda de nuevos talentos para la discográfica. Los directores artísticos también pueden participar en negociaciones contractuales con artistas y plataformas de streaming del sector musical.

El productor discográfico es un poco más complicado, de hecho, hay dos definiciones. O al menos, dos niveles distintos de implicación en el proyecto. Pueden limitarse a financiar el proyecto, y obtener un porcentaje de tus ingresos. Pero también pueden implicarse directamente, supervisando la producción de los proyectos musicales y trabajando con los artistas y los ingenieros de sonido para crear el mejor resultado posible. Pueden participar en la selección de temas para un álbum, dar su opinión sobre la grabación y producción de los temas y desempeñar un papel importante en la promoción y distribución de los proyectos musicales. Es una vuelta al significado original de «producir», que es «hacer».

Por último, una discográfica tiene empleados dedicados a la promoción, la gestión de las relaciones con la prensa, la tramitación de contratos y la gestión de las finanzas. Estos empleados desempeñan un papel importante en el éxito de los proyectos musicales y la promoción de los artistas entre nuevos oyentes y un público más amplio.

Los empleados de una discográfica trabajan codo con codo para producir y promocionar los proyectos musicales de los artistas a los que representa, con el fin de alcanzar los objetivos comerciales fijados de antemano.

3. ¿Para qué sirven las discográficas?

¿Para qué sirven las discográficas? En primer lugar, te dan un presupuesto. Y sí, producir un disco no es gratis. Necesitas una cierta cantidad de dinero para financiar el estudio de grabación, pagar a los ingenieros de sonido, pagar todo lo que tiene que ver con la promoción, como hacer la portada del disco o incluso vídeos musicales. Desde las grabaciones hasta el producto final, va a haber un montón de gente trabajando en el proyecto, y no van a esperar a que ganes tu primer dinero con las ventas, no van a apostar por tu música. Las discográficas están para cubrir esos costes, para establecer la remuneración necesaria para que todo ocurra dentro de la legalidad.

Desde los estudios hasta el streaming de música, para crear álbumes, como decíamos antes, hay que implicar a personas competentes en el proceso creativo. ¿Tienes los contactos? Discográficas como Sony, Warner y Universal, sí. Hay mucha gente en la industria musical y lleva tiempo conocer a las personas adecuadas. Así que mientras tú te centras en tu arte, tu discográfica se encargará de generar esa red por ti. Qué conveniente.

Te dará un alto nivel de credibilidad ante los distintos actores de la industria musical. Piensa, por ejemplo, en todas las veces que has soñado con que te incluyeran en tus listas de reproducción favoritas y nunca has recibido respuesta: eso no volverá a ocurrir. Hay que entender cómo funcionan los distribuidores digitales y los resultados pueden ser imprevisibles. Hay que entender cómo funcionan los distribuidores digitales y los resultados pueden ser impredecibles.

Sí, y un «pequeño truco» nada desdeñable: el acompañamiento artístico. El acompañamiento artístico en música es un proceso que consiste en ayudar a los músicos a desarrollar su creatividad, técnica y profesionalidad. Puede incluir sesiones de coaching, talleres de composición, asesoramiento sobre oportunidades profesionales y orientación sobre estrategias de carrera. El coaching artístico puede correr a cargo de entrenadores musicales experimentados, productores discográficos, gestores de talentos o incluso los propios artistas. Es importante que los músicos elijan el apoyo artístico adecuado a sus necesidades y estilo para maximizar su potencial y alcanzar sus objetivos profesionales, por lo que cuando su discográfica lo hace por ellos, es ideal.

4. Discográfica y sello discográfico: ¿cuál es la diferencia?

Un sello musical y una compañía discográfica son dos términos que pueden utilizarse para describir la misma estructura. Sin embargo, existen sutiles diferencias entre ambos términos.

Las grandes discográficas, también conocidas como «music majors» o «industry majors», suelen considerarse empresas dedicadas a la producción y distribución de discos. Compran los derechos de grabación de los artistas, producen y distribuyen sus discos y gestionan los aspectos financieros y comerciales de sus carreras.

Los sellos discográficos, por su parte, suelen considerarse empresas dedicadas a la promoción y desarrollo de artistas. Suelen tener contratos de grabación con los artistas y les apoyan en el desarrollo de sus carreras acompañándoles a conciertos, manteniendo relaciones con los medios de comunicación y ayudándoles a desarrollar su imagen artística. Los sellos discográficos también pueden tener acuerdos de distribución con discográficas para distribuir los discos de los artistas que representan.

También existen sellos independientes, que suelen ser pequeñas empresas que combinan las funciones de producción, distribución, promoción y gestión artística. Un sello independiente lo hace todo, sólo que no tiene tanto alcance como una discográfica mayorista.

5. ¿A quién debe escuchar tu discográfica?

Vamos a responder a esta pregunta, pero antes de encontrar a la persona adecuada, ¡es buena idea encontrar también el sello discográfico adecuado! Aunque no vamos a mentir, un sello discográfico es capaz de abarcar una amplia gama de géneros: pop-rock, Blues, Soul, Folk, Electro, Punk, Hip-hop, Rap, chanson francesa, etc. En realidad, lo que tienes que comprobar son las subdivisiones de la discográfica, es decir, los sellos. Comprueba cuáles son las que más te interesan, ya que así reducirás el campo de búsqueda.

Pongamos un ejemplo. ¿Eres rapero? ¿Por qué no buscas en Def Jam France y, por extensión, en Universal? Stalkea en LinkedIn, y busca gente que trabaje allí. Te dejaremos echar un vistazo, pero hay un tipo que dice que es su director artístico. Y ya tienes un contacto. Intenta un buen DM, envía una demo, ¿y quién sabe? Quizá seas el próximo en unirte a Kendji Girac, Louane, The Doug o Mimaa.

¿Qué tienen en común Pnl, Elvis y Niro? En algún momento estuvieron en el mismo escenario que tú. En algún momento tuvieron que encontrar a la persona adecuada en el lugar adecuado. Así que no te desanimes, la encontrarás.

6. ¿A qué artistas se dirigen las discográficas?

Conseguir un sello discográfico suele ser un objetivo clave para los artistas emergentes. Sin embargo, a los nuevos intérpretes y compositores les puede resultar difícil darse a conocer, sobre todo en las primeras etapas. A los nuevos artistas, cantantes y compositores puede resultarles difícil atraer la atención de las discográficas. Así que, mientras tanto, pueden empezar a crearse una base de fans siendo activos en las redes sociales, dando sus primeros conciertos y difundiendo su música en Internet. También pueden ser localizados por managers que les ayuden a desarrollar su carrera como artistas.

A medida que el artista desarrolla su reputación y su base de fans, empezará naturalmente a recibir ofertas de contratos. Los artistas con una gran audiencia podrán, por supuesto, negociar contratos más ventajosos. Negocios son negocios

7. ¿Qué contratos ofrecen las discográficas?

Obviamente, las discográficas están ahí para llevar tu música lo más lejos posible, pero hay distintas formas de hacerlo y, por tanto, distintos contratos:

• Contrato de licencia
• Contrato de distribución
• Contrato de artista
• Contrato de edición 

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8. Anticipos de la discográfica

Cuando un artista firma con una discográfica, suele tener un contrato que determina cómo se dividirán los derechos de autor entre él y la discográfica. Recibirán un anticipo de los derechos de autor para ayudar a financiar la producción de un nuevo álbum.

Así que antes de convertirte en el nuevo Hallyday del momento, tendrás que producir un álbum. Para eso está el anticipo. Si has firmado un contrato de artista, es el 12% y es para pagarte directamente. Cuando tienes un contrato de licencia, es el 30% para pagarte y financiar parte del proyecto, y finalmente cuando tienes un contrato de distribución, es el 70% pero para financiar TODO, así que ten cuidado de no quemarlo todo en las tiendas de los Campos Elíseos.

9. Conclusión

Las discográficas desempeñan un papel crucial en la industria musical, ayudando a los artistas a producir, promocionar y distribuir su música. Han evolucionado a lo largo de los años para adaptarse a los cambios tecnológicos y las tendencias del mercado, pasando de vender discos físicos a vender música en línea. Sin embargo, también se han enfrentado a retos como la piratería y la creciente competencia de la música en streaming. A pesar de estos retos, las discográficas siguen siendo un motor importante para la industria musical y seguirán desempeñando un papel clave en el descubrimiento y la promoción de talentos musicales en todo el mundo.

Los artistas, sean cuales sean sus ambiciones, hacen bien en fijarse en lo que hacen las discográficas, ya sea para inspirarse o para unirse a ellas. Y ten en cuenta que una estructura independiente será a veces mejor aliada que una gran discográfica para ayudarte a desarrollar tu proyecto musical.

– Traducido por Matías Campá Olivares –

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Groover ha hecho que estemos con A New Label, un lujazo. Es una sensación inmejorable.

– Toni de Pause –

¿Quién es Pause?

Somos una banda Post/punk formada por Toni Gastón y Juanjo Seguí. Somos una formación relativamente nueva, aunque hace ya unos cuantos años que empezó a forjarse como un grupo de amigos, sin más pretensiones que pasarlo bien. Hace ya unos 3 años que alguien se dio cuenta que éramos más que una banda que se junta para pasar el rato. Esta persona que apostó por nosotros y nos empujó a hacer algo más es Gene García, un gran artista de blues. Nuestras influencias son bandas como: Echo and the Bunnymen, The Clash, Joy Division, Depeche Mode, Lagartija Nick, The Cure , Talking Heads. En general nos va lo British. 

Durante un largo año nos encerramos en un estudio buscando nuestro sonido. Solo con guitarra, bajo y informática musical, salieron un buen puñado de temas. Después de experimentar mucho con ellas y con la ayuda de nuestro productor Gene, quien supo leernos la mente y plasmar el sonido que estaba en nuestras cabezas, salió un sonido oscuro, emocional y desgarrador que tanto buscábamos.

A partir de aquí disfrutamos de unos cuantos conciertos y cogiendo tablas en los escenarios con una respuesta del público muy positiva.

Somos una banda pasional y eso se refleja en nuestros directos y cuya intención es simplemente emocionar. A día de hoy, un sello como A New Label a confiado en nosotros y con su apoyo confiamos en dar muchas alegrías y poder mostrar nuestro potencial en directo.

¿Qué es A New Label?

A New Label es una empresa de la industria musical que tiene como visión abarcar los 360º que necesita un proyecto musical para poder prosperar en este negocio. Llegando a acuerdos con estudios de grabación de sonido, como el sector audiovisual; contando con  diferentes profesionales tanto para el trabajo de producción de eventos como el trabajo de oficina; fabricando cd´s, vinilos, merchandising o realizando labores de diseño gráfico. Pero lo más importante para cualquier proyecto musical poseer su propio departamento de comunicación y promoción así como su propia agencia de booking, todo lo necesario para desarrollar artistas.

En cualquier proyecto musical es esencial comunicar qué se está realizando en cada momento, para que todas las acciones que se realicen de un proyecto tengan su repercusión. Como siempre insistimos, poner los contenidos en los canales digitales, fabricar un disco para su venta o realizar una gira de conciertos no significa que vaya a salir bien sólo por el hecho de hacerlo. Se necesita atraer a la gente y eso significa hacer promoción, tanto en medios de prensa musicales como en las redes sociales. Y por supuesto hacer conciertos, la base de cualquier proyecto musical.

Pause, para que la gente los conozca más, ¿nos pueden contar un poco sobre su historia? ¿Cómo se formó la banda y cómo ha sido el camino hasta el día de hoy?

Toni de Pause: Somos músicos de barrio, pero sobre todo, amantes de la música. Juanjo y yo somos amigos de toda la vida; la banda tiene unos cimientos indestructibles. Sinceramente, hemos enfocado mal nuestra energía durante algún tiempo y está claro que la tenacidad es la base de cualquier éxito. Durante el proceso hemos podido disfrutar del caos, pero las cosas tienen que llegar cuando tienen que llegar. Somos los mismos de siempre; queremos disfrutar de estar juntos y disfrutar de este maravilloso oficio. Que a pesar de que la gente no se entera, es eso, un oficio. Igual de respetable que cualquier otro. Vamos como siempre con resiliencia y trabajo.

No podemos dejar de hablar en cada entrevista de Gene García, amigo y gran referente para nosotros. Todas las bandas tienen un árbol genealógico pero esta no. Solo hay amigos que han contribuido. La amistad es el nexo de unión de esta historia.

Para ustedes, ¿Cuáles son las mejores condiciones para descubrir y escuchar su música?

Nosotros hacemos canciones para que cada persona las haga suyas. El mainstream es un monstruo que se lo traga todo. Pero hay muchísimas personas que buscan joyitas pequeñas y a esas personas está humildemente dirigida nuestra música.

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A New Label, ¿nos podrían presentar su sello discográfico, sus inicios e historia?

A New Label nace en el 2008 con carácter de distribuidora y gestora de servicios, con la intención de dar a grupos autogestionados y sellos de nueva creación la posibilidad de optar por contratos de distribución y servicios integrales que les resultaba difícil conseguir por sí solos (mejores servicios y precios al estar trabajando en colaboración con una compañía más grande). Con el tiempo también se suma la edición de grupos propios de la compañía. Ya que antes, el fundador poseía otro sello discográfico para las ediciones. Pero, finalmente, se engloba dentro de A New Label. Básicamente comienza como un sello nuevo, de ahí el magnífico nombre; para dar otra visión a como se estaban y se hacen las cosas en la industria musical.

El objetivo es trabajar en colaboración con artistas u otras empresas; teniendo en cuenta que en España y en nuestra industria, la especialización es muy difícil. Así que, trabajamos con el objetivo de ser una micro multinacional; abarcando todos los campos que puedan dar ayudar a los proyectos musicales.

¿Cómo es el proceso de curaduría para determinar con qué artistas quieren colaborar? y ¿Qué necesita un artista para llamar su atención?

Principalmente nos tiene que gustar la música, que sea buena música y bien hecha. Siempre teniendo en cuenta las situaciones, ya que un proyecto joven debe tener tiempo para madurar; una grabación barata no da los resultados del alma de las canciones; pero nos interesa que la base sea buena y con alma. Una vez visto un proyecto interesante procuramos hablar mucho. Explicar como trabajamos y que nos expliquen como trabajan y cuales son sus objetivos.

Intentamos huir de la presentación comercial para vendernos. Sino lo que hacemos, es dejar bien claro que el proyecto musical es una startup; está en fase de desarrollo y pueden trabajar con nosotros para subir la escalera que es esta carrera de fondo. Sobre todo hacer entender que es trabajo en equipo, y que no van a pedir que les hagan las tareas. Sino que las vamos a crear un equipo, basándose en dos conceptos muy importantes: promoción y conciertos.

A New Label y Pause, ¿cómo fué éste encuentro en Groover? y ¿Qué les hizo querer trabajar juntos?

Toni de Pause: El encuentro en Groover fue de manera intuitiva. Buscábamos alguien con experiencia para lanzar nuestro proyecto vimos en A New Label, todo lo que necesitábamos. Lo probamos y tuvimos la suerte que les encajara la propuesta musical y fue un lujazo para nosotros. Todo muy fácil la verdad.

Jorge de A New Label: El encuentro fue bastante bueno, tanto a nivel musical como en la forma de trabajar. Para mi lo importante es que los músicos se impliquen. El hecho de que en Groover después de la mentoría un grupo contacte contigo da muchos puntos al proyecto. Luego todo fue hablar y ver si hay puntos en común para trabajar juntos. Eso es lo más importante para llevar un proyecto: ganas de trabajar, crear un equipo y conseguir buenas oportunidades.

Parece ser que tienen muy buenos proyectos a futuro ya en conjunto, ¿nos pueden contar un poco de estos planes?

Jorge de A New Label: Ya hemos acordado en trabajar juntos. Ahora estamos en la fase de planificación. Estamos terminando el kit de prensa para presentar la banda y el trabajo conjunto a los medios. Con eso damos un primer paso. Pero ahora tenemos que planificar las fechas en que sacaremos nuevo material de música, audiovisual, etc. Y sobre todo preparar las presentaciones en directo. Con el verano encima, vamos a ir un poco despacio para entrar fuerte en la temporada de invierno.

Toni de Pause: Nosotros estamos a la espera de saber los siguientes pasos para seguir creciendo. Ahora vamos a grabar un videoclip y un par de conciertos y preparando todo para salir de gira. También estamos grabando un par de singles para sacar en breve, en otoño seguramente. Vamos lentos pero seguros. Coordinados al dia con Jorge y su equipo, preparando el show minuciosamente y muy felices la verdad.

¿Alguna noticia que quisieran compartir con nosotros respectivamente?

Jorge de A New Label: La noticia en sí es el fichaje, como hemos comentado estamos en fase de planificación. Estamos con la preparación del video. Sacaremos más sencillos y lo más seguro es que hagamos una preventa para después del verano con sus presentaciones. Pero por ahora no tenemos fechas concretas, así que manteneros atentos que las iremos anunciando

¿Qué consejo le darían a artistas emergentes y en desarrollo?

Juanjo de Pause: Pues sin duda lo primero y mas importante es no desfallecer. Uiliza todas las herramientas disponibles a tu alcance que son unas cuantas. Groover por ejemplo, y creer en lo que haces sin dudar de ello.

Jorge de A New Label: Tiene mucha razón, pero sobre todo iría más allá. Si tienes una banda tienes que verlo como una startup. Estás desarrollando un proyecto para que funcione con el tiempo. Así que, recuerda que esto es una carrera de fondo que va a ser larga, es importante tenerlo presente. También ser consciente que la persona que más le importa tu proyecto eres tú mismo. Tienes que trabajar muy duro para llevarlo adelante, no esperar que otras personas hagan el trabajo por ti. No se puede ser una estrella del rock pensando que van a dártelo todo hecho. Las estrellas se han creado a sí mismas. Se han rodeado de gente válida y empresas que han ayudado a crecer el proyecto. Puedes tropezarte, pero te tienes que levantar. Sigue buscando la forma, las herramientas y las personas que hagan todo para seguir adelante.

| Échale un vistazo: Sitio web de A New Label

Toni de Pause: Mi consejo sería que en ningún momento dejes embaucar por cantos de sirenas. Es importante tener los pies en el suelo y sobre todo, ser realistas. Al final hay mucho intrusismo en el mundo de la música, somos muchos. La ilusión es respetable pero para ser músico hay que luchar, formarse y ensayar. Los atajos no llevan a ningún sitio. Dejarse asesorar por gente profesional y que te digan la verdad eso es lo que buscamos los músicos, para mejorar. Groover es una buena herramienta para encontrar respuestas. Pero lo primero y principal, es el esfuerzo y hacerse preguntas a uno mismo.

Jorge de A New Label: Esto es una carrera de fondo y una banda no sale de la noche a la mañana de la nada. Tal vez sí; igual que te puede tocae el euromillón y ya no trabajas más en tu vida, pero eso no es realista. También es importante no dejarse regalar los oidos. Busca las personas que pueden aportar aspectos positivos a tu proyecto. Evitar el intrusismo o los predicadores puede ser dificil, pero como dice Toni, herramientas como Groover pueden ayudarte mucho

¿Qué piensan de Groover y cómo les ha ayudado en sus carreras como artista y como sello?

Toni de Pause: Personalmente pienso que es una herramienta fantástica, una selección natural. Vuelvo a lo mismo, si encuentras tu espacio es porque te lo mereces , porque existe. Es muy fácil poner excusas pero en realidad, si hay algo que llama la atención llegará a la persona correcta. Groover ha hecho que estemos con A New Label, un lujazo. Es una sensación inmejorable. Estamos expectantes y con los pies en el suelo a la vez. Vamos a disfrutar del camino.

Juanjo de A New Label: Sin duda arroja un poco de luz en este camino tan largo y desconocido. Groover te ayuda acceder a profesionales de la música sin una guía y que finalmente llegues a las personas adecuadas

Jorge de A New Label: Dejando aparte que puedes encontrar grandes grupos como Pause, lo que siempre es un lujo; considero que te da amplitud de miras. Muchas veces los árboles no te dejan ver el bosque; te centras en lo que tienes entre manos y ves menos el entorno. Groover te da un visión conjunta e internacional. Puedes ver que están haciendo en paises como USA, Francia, Polonia o Australia. Ves qué nivel musical se está manejando; ves el bosque. También aprendes de músicos distintos a los que tienes cerca; aprendes de ellos como ellos aprenden de ti. De esto, consigues no solo mejorar en tu trabajo, sino ver nuevas vías de camino.

Aqui tienes la video entrevista de A New Label y Pause con nuestro proprio Luis Peréz de Groover:

Entrevistado por Luis Pérez. Escrito y editado por Betty González Gray

Ahora te toca a ti, haz clic aquí para acceder a Groover y buscar el socio perfecto.

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Las críticas a la industria del streaming han consumido las redes sociales este aña. Basta con buscar #BrokenRecord en Twitter para ver la reacción de artistas y profesionales del sector frustrados contra lo que perciben como una industria injusta y explotadora: el streaming. Gran parte de sus críticas se dirigen a Spotify, el mayor actor del sector, que representa el 20% de los ingresos de toda la industria de la música grabada en 2020. Esto es simplemente una gran estadística.

Las críticas no sólo provienen de los artistas independientes, sino que incluso han sido denunciadas por pesos pesados de la industria como Mick Jagger, Ed O’Brien de Radiohead, Tom Jones y Nile Rodgers, sólo por nombrar algunos. La presión sobre el gobierno para que responda a este movimiento culminó en un informe de 6 meses del departamento de Digital, Media, Culture & Sport del gobierno del Reino Unido, cuyas conclusiones estaban muy en línea con los objetivos de este movimiento, es decir, abordar la mísera parte de los derechos de autor que se filtran a los artistas desde las plataformas de streaming: los sellos con sede en el Reino Unido registraron ingresos de alrededor de 736 millones de libras esterlinas en 2020, con los artistas responsables de la creación de la música recibiendo alrededor del 16% de eso en promedio.

Pero, ¿esta injusticia viene de las propias plataformas de streaming o es un problema de más abajo en el sistema? Loud & Clear levanta el velo al problema.

Loud & Clear es una iniciativa lanzada recientemente por Spotify para arrojar algo de luz sobre la economía del streaming. Se trata de una plataforma en línea, de acceso gratuito, en la que se pueden consultar estadísticas sobre los derechos de autor, los pagos, los tipos de artistas y el flujo de dinero a través de Spotify. Spotify ha declarado que cree que «ha estado demasiado callado en este asunto» y que le gustaría proporcionar «una base valiosa para una conversación constructiva» sobre el tema.

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¿Cómo entra el dinero en Spotify?

Para entender gran parte de las estadísticas relativas al streaming, debemos comprender la forma en que se generan los ingresos y cómo salen de Spotify. Las dos principales fuentes de ingresos de Spotify son su nivel gratuito, que se financia con publicidad, y su nivel premium, que se financia con los pagos regulares de los usuarios en forma de suscripción.

Spotify se queda con alrededor de un tercio de la cantidad generada en su plataforma, y los otros dos tercios se pagan como derechos de autor a los titulares de los derechos. Este es un punto importante. Spotify no siempre paga directamente a los artistas. Más bien, paga a los titulares de los derechos, que pueden ser sellos discográficos, artistas, distribuidores u otras agencias. El titular de los derechos de una grabación se determina en un contrato entre una organización (sello, distribuidor, editor..) y un artista. En el caso de los artistas independientes, que suelen trabajar sin una discográfica, Spotify probablemente pagará a su distribuidor y éste, a su vez, a los artistas. Se puede añadir un sello discográfico a la mezcla, en cuyo caso probablemente también recibirían un pago de su distribuidor y luego ellos, a su vez, pagarían a los artistas según su acuerdo con el artista.

Ya te puedes imaginar que ésta es otra posible fuente de injusticia, promovida por estas agencias de terceros: los contratos injustos entre las agencias de terceros y los artistas. De hecho, los diputados criticaron a las tres grandes discográficas tras el informe por su falta de claridad y calificaron a uno de los responsables de la discográfica de «vivir en las nubes» tras sugerir que los artistas están contentos con el sistema actual. Estas tres empresas representan una cuota del 75% de los ingresos de la industria musical británica y alrededor del 66% en todo el mundo.

¿Cómo sale el dinero de Spotify?

5.000 millones de dólares salieron de Spotify y fueron a los titulares de derechos en 2020. La siguiente pregunta es: ¿cómo determina Spotify qué proporción de los ingresos se paga a cada titular de derechos? Cada mes, en cada uno de sus mercados clave, Spotify calcula el número total de streams. A continuación, calcula, para todos los artistas que se transmiten en ese mercado, qué porcentaje del número total de transmisiones tienen. En consecuencia, pagan el porcentaje de derechos que corresponda a cada titular.

Por ejemplo, si un artista en Brasil recibe 1 vez de cada 1000 streams, recibirá una milésima parte de cada dólar de ingresos en ese mercado. Esto se denomina como sistema de «streamshare«.

Este sistema tiene algunos problemas potenciales y ha sido ampliamente criticado. Por ejemplo, imagina que eres de Francia y escuchas música house. El 95% de tus streams corresponden a artistas como Kerri Chandler, Floorplan, etc. Tus hábitos de escucha no se reflejan en los pagos de Spotify a los titulares de los derechos. El 95% de tu suscripción no va a Kerri Chandler o Floorplan, sino que va un fondo de ingresos común y luego se reparte en función de su sistema de streamshare, con una parte considerable de tu suscripción que va hacia los artistas más escuchados, como JUL o Damso.

Spotify afirma que las investigaciones sobre los modelos de pago centrados en el usuario, en los que la suscripción se paga en proporción a la cantidad de tiempo que el usuario dedica al streaming de determinados artistas, no son concluyentes. Spotify abordó la cuestión a través de Loud & Clear, diciendo que «La investigación que hemos visto hasta la fecha sugiere que un cambio a los pagos centrados en el usuario no beneficiaría a los artistas tanto como muchos pueden haber esperado originalmente – un estudio del Centro Nacional de la Música (CNM) encontró que el cambio se traduciría en «como mucho, unos pocos euros por año en promedio» para los artistas fuera de los top 10.000″. También sugieren que es necesaria una «amplia alineación de la industria» para aplicar un cambio. Deezer, el competidor de Spotify con sede en Francia, ya ha aplicado el cambio a los pagos centrados en el usuario. Es difícil ver qué quiere decir exactamente Spotify con esto, dado que el cambio puede venir directamente de ellos y la forma en que dividen los ingresos sin la participación de ningún tercero. Tal vez les preocupe la presión de las agencias de terceros que temen perder dinero con el cambio. También parece extraño que Spotify, famoso por cómo ha adoptado el uso de sus datos en sus prácticas, no haya revelado nada sobre las simulaciones internas que seguramente podrían haberse llevado a cabo, sino que citan la investigación de un tercero (que no tiene acceso a la base de datos de Spotify) sobre su propia plataforma.

Estadísticas de Loud & Clear

La primera estadística interactiva que se presenta en Loud & Clear es una que da una cantidad fija de ingresos, y permite comprobar el número de artistas de la plataforma cuyos catálogos están generando esa cantidad de ingresos o más.

Las estadísticas están a continuación. En la parte inferior del gráfico tenemos el año, mientras que la altura de cada barra representa el número de artistas cuyos ingresos superan la etiqueta de la barra. Así, la barra de color salmón significa que en 2020, 184.500 artistas generaron ingresos por encima de $1.000. Hay dos gráficos, ya que la escala es bastante diferente para ambos conjuntos de resultados (sólo 840 artistas han generado ingresos por encima de 1 millón de dólares, mientras que 185.000 artistas por encima de 1.000 dólares)

Fuente : Loud & Clear de Spotify

Un aspecto positivo obvio es que el número de artistas cuyos catálogos ganan más de X dólares crece año tras año, lo que significa que hay más artistas que empiezan a llevarse dinero a casa año tras año y, quizás, que están progresando en la plataforma (cabe imaginar que los que entran en la franja de 1 millón de dólares probablemente procedan de la franja de 500.000 dólares).

Lo que sorprende es el escaso número de artistas que se ganan la vida con el streaming cuando se hace un análisis más detallado. Tomemos el grupo de artistas cuyo catálogo genera más de 50.000 dólares. En el mejor de los casos, el artista es independiente y sólo tiene que pagar una parte de esos 50.000 dólares a su distribuidor (la agencia que puso su música en Spotify), lo cual, en los tiempos que corren, suele ser poco, dado el auge de distribuidores online fáciles de usar como DistroKid. Podemos imaginar un caso mucho peor y más común, en el que una discográfica se lleve directamente el 50% (es una tasa muy común, y las grandes discográficas suelen llevarse incluso tasas más altas, del 70 al 80%), por no hablar de la cantidad que hay que deducir por la participación de posibles distribuidores, editores, etc. Como se ha citado anteriormente, en el Reino Unido los artistas se llevan a casa una media de sólo el 16% de los ingresos generados en la industria de la música grabada, por lo que está claro que hay situaciones aún peores imaginables. Imaginemos la situación del 16%. Esto correspondería a unos 8.000 dólares anuales para los que están en la franja de los 50.000 dólares. En el grupo de más de 100.000, serían 16.000 dólares. Sólo hay 7.800 artistas que generan más de 100.000 dólares en Spotify, es decir, alrededor del 0,1% de todos los artistas de Spotify.

Para poner esto en contexto, podemos utilizar la siguiente herramienta disponible en Loud & Clear. Permite obtener una estimación de la posición que ocupará un artista en el top N de artistas en función del número de oyentes mensuales. Así, por ejemplo, 750.000 oyentes mensuales te situarían entre los 9.000 mejores artistas de Spotify según Loud & Clear. Es de suponer que, teniendo en cuenta lo que se ha comentado anteriormente, esto generaría unos 100.000 dólares antes de repartirlos entre los distintos organismos implicados en la grabación (la discográfica, el artista, el distribuidor, etc.). Es un número muy elevado de oyentes mensuales, difícilmente alcanzable para la mayoría de los artistas independientes. Hay más de 8 millones de artistas en Spotify. Para aspirar a conseguir un salario digno de la plataforma hay que estar entre los 9.000 mejores artistas de los 8 millones, y en algunos casos, esto corresponde a poco menos del salario mínimo que se filtra al artista. Una estadística bastante sorprendente.

Ahora imagina el caso de las bandas, donde el reparto de los artistas tiene que ser subdividido entre los miembros de la banda. Parece desesperante. ¿Pero quién es el responsable? Según nuestros cálculos, parece que, en cierta medida, no está en manos de Spotify, sino de terceros, como los sellos discográficos.

Los diferentes tipos de artistas en Spotify – según Loud & Clear

Loud & Clear también nos presenta varios tipos de perfiles típicos en Spotify, y nos da el promedio de ingresos generados por cada tipo de perfil. Tenemos a «Los Establecidos«, o aquellos artistas que son constantes con sus lanzamientos, y que se encuentran entre los 50.000 artistas más escuchados durante 3 años consecutivos. Su media de oyentes mensuales es de unos 600.000 y la media de ingresos que generan son de 94.000 dólares al año y hay unos 34.000 de ellos.

También tenemos otros perfiles, como «El Especialista«, siendo un artista con más de 25.000 oyentes mensuales y con el 90% de su música categorizada en géneros de nicho como banda sonora, easy listening, religiosa, música infantil, música clásica. Pueden esperar 36.900 dólares al año y tienen una media de 214.000 oyentes mensuales.

Este análisis es interesante y muestra otras formas de triunfar en la plataforma que no son sólo la idea de «firmar con una gran discográfica y encabezar las listas de éxitos».

Perspectiva

En la era del streaming, es difícil ganarse la vida. Eso es lo que podemos decir que se ha establecido y se puede ver fácilmente gracias a Loud & Clear. ¿Spotify es totalmente responsable de esto? No. Han tenido un gran impacto en la industria musical en general, disuadiendo la piratería y, junto con sus competidores, levantando la industria musical de un mínimo histórico en 2014 (14 mil millones de dólares de ingresos totales en la industria) a cifras cercanas a su pico en 1999 con 25 mil millones de dólares. Democratizaron la industria musical al reducir los requisitos de entrada. Ya no es necesario que un artista cuente con un gran presupuesto y un sello discográfico para abrirse paso, sino que puede tomar las riendas de su carrera. El 90% de las transmisiones mensuales en Spotify proceden de 57.000 artistas. Esta cifra se ha cuadruplicado en 6 años, lo que significa que la plataforma se está diversificando, con un mayor número de nuevos artistas que representan el tiempo de reproducción en la plataforma. Dicho esto, no dice nada sobre qué proporción de esos artistas son independientes. Sólo podemos esperar que su proporción también aumente.

Sin embargo, podría haber mejoras de su parte para mejorar la igualdad y los ingresos pagados a los artistas. Algunas cosas obvias que se podrían probar serían un sistema de pago centrado en el usuario o quizás un aumento de precios. Comentan que ya se ha llevado a cabo una subida de precios en algunos mercados y que, dado que «el 60% de nuestros usuarios del nivel premium fueron en su día del nivel gratuito«, una subida de precios es un «fino equilibrio«, ya que no quieren ahuyentar a los nuevos clientes para que no se conviertan en suscriptores.

Algunos críticos han señalado que Spotify, como plataforma, puede ser muy similar a la radio en el sentido de que hay selecciones de música predeterminadas (las Daily Mixes, por ejemplo) con las que el usuario se relaciona de forma muy parecida a como lo hace cuando escucha la radio. Seleccionan la emisora de radio (o en Spotify, la lista de reproducción) y la música seleccionada es emitida a la medida de ellos. De esta manera, estos críticos argumentan que Spotify debería tener que pagar de la misma manera que otras emisoras, debería tener que utilizar un sistema de remuneración equitativo; un sistema por el cual cada vez que se emite la música de un artista (en una actuación pública, emitida en la radio…) debe ser compensado con un pago a una sociedad de gestión (como BMI, ASCAP, PLL, etc.) que luego pasará el pago al artista. Este sistema pone algo más de poder en manos de los artistas, ya que es la sociedad de gestión colectiva la que puede negociar la tasa de remuneración equitativa con las emisoras. Actualmente, los artistas no tienen ningún poder para negociar sus pagos con las plataformas de streaming. Las plataformas de streaming no están obligadas por ley a utilizar este sistema, pero en algún momento es difícil ver por qué no lo hacen. Es difícil negar la similitud con la radio que puede tener Spotify, sobre todo teniendo en cuenta sus nuevas funciones como el Daily Drive (una mezcla de resúmenes de noticias y música), que a todos los efectos es básicamente radio. Spotify declara su compromiso de ayudar a los artistas a alcanzar el éxito en su plataforma y afirma que «está maximizando los ingresos globales» y, por tanto, los pagos a los titulares de derechos. Esta cuestión no se aborda directamente en Loud & Clear.

Una cosa es segura: para que los artistas reciban una remuneración justa por su trabajo, no son sólo las plataformas de streaming las que tienen que cambiar su política, sino también los sellos discográficos y otras agencias de terceros. Mientras los artistas sólo puedan esperar un reparto del 13-20% de los derechos de autor por parte de los grandes sellos discográficos (recordemos que representan alrededor del 66% de los ingresos de la industria musical), es difícil culpar únicamente a Spotify. Teniendo en cuenta que las tres principales discográficas (Sony, Universal y Warner) poseen un 13% de las acciones de Spotify, es difícil que no ejerzan presión contra cualquier política que reduzca el valor que Spotify representa para ellas.

¿El streaming es justo? No exactamente, pero no son sólo las plataformas de streaming las que tienen que cambiar para que los artistas reciban una compensación justa.

| Echale un vistazo a: Las mejores herramientas que debes conocer para promocionar tu música 

– Escrito por Michael Murtagh en su versión original y traducido al español por Betty Gonzalez Gray – 

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Aunque muchos crean música, este nunca ha sido un trabajo fácil. Entre todos los músicos apasionados que han logrado construir este “complejo rompecabezas de palabras y pensamientos” con ritmos y sonidos, algunos (la mayoría, hay que admitirlo) lamentablemente se han ahogado en el océano infinito que es la industria de la música. Hay muchas razones por las que esto es así, pero la principal es probablemente el hecho de que no sabían cómo rodearse de las personas adecuadas. Encontrar una estructura, un equipo de trabajo (discográficas, editor, manager) es esencial para mantenerse en el camino correcto.

La música, ahora más que nunca, ya no es solo una empresa artística. Es un negocio, un centro que reúne a muchos tipos de virtuosos con distintas habilidades; ya sea legal, económico, promocional, etc. Consciente de esta realidad, es necesario, por ende, formar alianzas con profesionales de la industria musical. Esto te permitirá orientarte y prosperar con tu proyecto musical. Estos son grandes activos que los sellos discográficos, estas estructuras especializadas en las áreas anteriores, pueden proporcionar. 

1. ¿Cómo encontrar y unirse a una discográfica que complemente tu música? 

A pesar del tono negativo de esta introducción, firmar con una discográfica es bastante factible. La primera razón es que cada vez surgen más sellos independientes de calidad. Por lo tanto, el primer paso es familiarizarse con el universo de los «sellos discográficos» o «discográficas» y todos sus componentes, con la idea de que puedas llegar a las personas que puedan sentirse atraídas por tus producciones musicales – al igual que los medios se guían por su línea editorial. Toda esta preparación, esta búsqueda de los representantes adecuados, es el punto de partida fundamental para todo lo que sucederá después. No existe un procedimiento estándar a seguir para lograr esto, pero recuerda que, en cada canción puedes encontrar los créditos con el nombre de la persona que la produjo, básicamente, un posible contacto futuro. Afortunadamente, aquí en Groover, hemos reunido a más de 350 discográficas que están listas para escuchar nueva música y nuevos talentos. Solo piden recibir tus canciones / proyectos musicales, por supuesto, de acuerdo con su(s) estilo(s) preferido(s). ¡Así que envíales tus canciones y rompe el hielo!

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Ahora que sabes a quién mostrarle tu música, echemos un vistazo a qué necesitas mostrarles. No está de más decir que definitivamente debes tener muestras de tu trabajo: ¿por qué no invitarlos a que vean tus redes sociales, tu página de SoundCloud, YouTube, Spotify y cualquier otra plataforma en donde esté tu música? Y para los músicos que buscan conseguir nuevos seguidores, puedes leer nuestro artículo dedicado a Instagram 👈

El concepto es muy similar al de ponerse en contacto con periodistas, sólo que sin el Press Kit: tú debes crear un interés y despertar el interés en las discográficas con respecto a tu perfil. Una buena manera de lograr captar su atención y demostrar tu potencial es obviamente desarrollando tu número de fans y generando muchas reproducciones en Spotify.

| También lee: Spotify for Artists: La guía definitiva para impulsar tus streams

Mantente en constante contacto con tus contactos y envíales tus nuevas canciones; el objetivo de esta maniobra es seducir para que vigilen tu evolución, hasta que se ofrezcan a producirte. El resto es cuestión de contratos; volveremos a eso. No tengas prisa y sé inteligente. Cualquier negativa no debe socavar tu moral. Si alguien no está preparado para el desafío ni dispuesto a emprender la aventura contigo, es posible que alguien más sí lo esté. Una vez más, se trata de sensibilidad artística. Lo que te hará destacar entre la multitud es tu elección de tu equipo y de quién te rodeas. Si buscas sellos a los que enviar tus canciones, en Groover puedes contactar con más de 350 discográficas.

2. Lo que una discográfica puede hacer para ti

Supongamos que lo has hecho, un sello discográfico quiere firmarte. Pueden ofrecerte varios tipos de ayuda y asistencia, según sus medios. Estos «medios» pueden ser, en primer lugar, financieros. En otras palabras, pagarán las sesiones de estudio, los ingenieros de sonido o cualquier otra persona adicional involucrada en tu música; esto se llama proceso de producción. También podrían financiar cualquier cosa que tenga que ver con tu imagen, desde hacer un video musical hasta una sesión de fotos profesional. Una discográfica te protegerá y además te buscará nuevas formas de ganar dinero, aquí es donde aparece su carácter legal. Con esto nos referimos a tus derechos como artista; como propiedad intelectual y derechos de autor. Obviamente, todo esto avanzaría con un equipo legal y con tu consentimiento por escrito. Ten esto en cuenta para tus futuras negociaciones: tú, el artista, eres la parte esencial para que una máquina funcione.

Además, tu sello te ayudará con toda la promoción necesaria de tu música. Una vez más, las posibilidades están dispersas y fluctúan (o se acumulan) entre contratar a un agente de prensa, llamar a un periodista para que escriba tu biografía, sondear los medios de comunicación o cualquier otro canal para hacer publicidad… Los medios son numerosos y están en constante crecimiento – campañas publicitarias, conciertos o actuaciones en directo, merchandising, etc. ¡Tu sello discográfico se encargará de esto! ¿La distribución física y online de tu música? Siempre serán ellos los que se encarguen de ello, sea cual sea su estatus, independientes o no, reconocidos o no. En cualquier caso, no tengas miedo: tendrás la última palabra, con distintos grados de flexibilidad. Todo depende del tipo de contratos que firmes al inicio de la colaboración.

| Échale un vistazo a: ¿Cómo hacer que tus canciones triunfen en la radio?

3. Contratos artísticos y licencias

Aquí discutiremos tres tipos principales de contratos que podrás encontrar. Primero, el más popular, el contrato de “artista” o contrato de “grabación exclusiva”. Aquí, el sello pagará todo lo relacionado con los costes de grabación, publicación y distribución de tu música. Además, gestionarán todo lo relacionado con el marketing y la promoción. También podrán acompañarte en la creación de tu música a través de un director artístico.

En cuanto a tu remuneración, se basará en un pago por tus sesiones de grabación y en un porcentaje de los ingresos totales que habrás generado gracias a tu música, como la venta de discos. Esto se llama «regalías» y el porcentaje varía según la fama del artista o según la negociación inicial. A menudo, un artista gana entre un 5 y un 20%. En este contrato de artista, también estipularás la duración que te une a tu productor (normalmente 2 o 3 años), así como el número de proyectos musicales (álbumes, EP, etc.) que le debes, que en la mayoría de los casos no pasa de 2.

La ventaja aquí es simplemente que no tienes que pagar nada por adelantado de tu cuenta por tu música: desde la grabación hasta la distribución, todo el proceso está a cargo de la discográfica. La desventaja es que recibirás una pequeña cantidad en comparación con las ganancias totales probables y que no serás el propietario de tus grabaciones (también llamados «masters»).

Ahora, el contrato de licencias, posiblemente el más importante en esta era de autoproducción. Se ocupa de todo lo relacionado con la venta de tu música. Para acceder a este último, existen dos casos. El primero: firmas un contrato de artista donde la totalidad de este servicio será pagado por el sello con el que estás firmado. El segundo: tú haces toda la producción de tus canciones y, por lo tanto, tienes un disco terminado que te pertenece por completo.

En esta segunda hipótesis, tu discográfica ya no tendrá un papel de productor sino de editor. Luego invertirá exclusivamente en promoción, comunicación y marketing. Es importante destacar aquí, que después de la ratificación de este contrato, tú le otorgas a tu compañía discográfica, por un período determinado, la posibilidad de reproducir, fabricar y hacer difusión de tus grabaciones; tú, en efecto, le otorgas una licencia. La utilidad de este enfoque es maximizar las ventas de tu música distribuyéndola masivamente, en todos los medios, gracias a los contactos y la experiencia de tu sello. Por otro lado, si esto no funciona, las pérdidas serán sustanciales, ya que habrás financiado todo el proceso de creación con tu propio dinero.

4. Contrato de distribución

Como sugiere el nombre, este contrato vincula al editor y/o productor con el distribuidor. Por lo tanto, te permitirá recurrir a especialistas, cuya misión será hacer que tu música sea accesible, ya sea físicamente (a través de tiendas de discos independientes, grandes almacenes, etc.), o digitalmente (Spotify, Apple Music, Deezer, YouTube Music y otros servicios de música). Aquí nuevamente, el distribuidor compra un producto terminado, listo para ser comercializado. Para cobrar, tomarán un porcentaje sobre el precio al por mayor (de tu música). Si tienes un contrato de artista, este proceso está incluido en el contrato; lo mismo ocurre con los acuerdos de licencia.

Por último, si tienes música que produciste por tu cuenta y por lo tanto has gestionado los aspectos artísticos y comerciales de tu proyecto, este último contrato es para ti. Te permitirá hacer que tu música sea accesible y obtendrás casi todos los beneficios de ella, sin tener que pagar nada a tu sello discográfico. Este negocio es muy complicado y está reservado principalmente a compositores de renombre establecidos en la comunidad. Sin embargo, incluso más que el contrato de licencia, si las cosas no van bien, ¡perderás mucho!

En resumen, y dados los tiempos que vivimos, cuando la creación ya no está reservada para una élite y donde ésta se puede producir a bajo costo, el contrato de licencia parece el más adecuado. Sin embargo, para comenzar y construir una base sólida con un sello discográfico que te inspire confianza, te recomendamos el contrato artístico. Puede que ganes menos, pero puedes concentrarte casi exclusivamente en hacer música; aun así, presta mucha atención a la duración de tu contrato y compromiso. Para preparar esa negociación, consulta nuestra guía para fichar con una discográfica.

| Échale un vistazo a: Cómo obtener más reproducciones en Spotify

5. Algunos ejemplos de los mejores sellos discográficos independientes

• Cracki Records

La línea artística del sello Cracki Records es variada. Están impulsados por el corazón y tienen como objetivo ofrecer una amplia gama de música ecléctica y de calidad. Por tanto, se consideran un laboratorio pero también un trampolín: “el apoyo y desarrollo de los jóvenes artistas emergentes es nuestro leitmotiv”.

Estilos de música : electropop, indie pop, indie rock, nu-disco, pop soul, psychedelic pop, synthpop, synthwave.

Artistas firmados por Cracki Records : Agar Agar, Saint DX, Alma Elste, GENTS, Lucien & The Kimono Orchestra, Mangabey, Yen Yen, Antonin Appaix y muchos más…

| Contacta a Cracki Records

• Mind

Mind / Din Records es un sello discográfico independiente con sede en París y Le Havre

Estilo de música : hip hop, rap, trap, r&b, etc.

Artistas firmados por Mind : Médine, Brav, Tiers, Daryl, Oumar, Pirate 182.

| Contacta a Mind / Din Records

• Colligence Records

Un equipo apasionado, que defiende una empresa discográfica y editorial que brinda a los artistas todo lo que necesitan para su carrera. Su equipo está formado por un director del sello discográfico, un director de comunicaciones, un booker y un director de marketing.

Estilo de música: todos.

Artistas firmados por Colligence Records : Dimanche, Sacre, Söra, Poppy Moukoukenoff, Theophane, MAB, Babysolo33.

| Contacta a Colligence Records

• Chinese Man Records

Sello discográfico independiente formado en el 2004

Estilos de música: funk, hip hop, latin music, soul, rap, r&b.

Artistas firmados por Chinese Man Records : Chinese Man (High Ku, Sly, Zé Mateo), Taiwan MC, Scratch Bandits Crew, Deluxe, Baja Frequencia, Youthstar, Rumble, LeYan, Skoob le Roi, Tomapam…

| Contacta a Chinese Man Records

• La Souterraine

Red pop underground francesa y francófona, La Souterraine publica recopilaciones desde 2014. La Souterraine es una asociación francesa creada por Benjamin Caschera y Laurent Bajon. Los creadores de la empresa se autodefinen como un “laboratorio de observación del underground musical francés”. La asociación también realiza la actividad de un sello mediante la publicación de recopilaciones y álbumes de artistas que tienen poca o ninguna distribución previa. En enero de 2019, La Souterraine alojaba a 700 artistas (190 compilaciones, 2,000 canciones) en su plataforma Bandcamp y afirmaba tener 50,000 usuarios únicos.

Estilos de música : todos los estilos.

| Contacta a La Souterraine

• Jeune à Jamais

Jeune à Jamais está desarrollando un catálogo musical urbano con una estética única. Discográfica, editor, buscador de talentos y supervisor musical, Jeune à Jamais sueña con ser el reflejo de una generación. JAJ es una estructura adscrita a la editorial Alter K.

Estilos de música : urbano.

Artistas firmados por Jeune à Jamais : Andie Luidje, Jo Le Pheno, Marty de Lutece, Nodey, Pehoz, Roseboy666, Sali, Ucyll & Ryo, Wit., Zuukou Mayzie.

| Contacta a Jeune à Jamais

• Cookie Records

Una discográfica y playlists llenas de buenas vibras

Estilos de música : disco, electro, french house, nu-disco.

| Contacta a Cookie Records

– Traducido por Luis Fernando Pérez Ruiz – 

| Para saber más, escucha el episodio de nuestro podcast:
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