Manager, booker, éditeur, label ? De qui avez-vous besoin pour développer votre projet musical ? 

En tant qu’artiste émergent, il est plutôt logique de commencer votre carrière en solo. Mais plus vous gagnerez en popularité, plus vous aurez sûrement l’envie et le besoin de constituer une équipe. Mais comment savoir de qui vous aurez besoin pour développer votre projet musical au mieux : manager d’artiste, booker, éditeur, label de musique ? Quel est le bon moment pour constituer une équipe autour de votre musique ? Voici le guide pour vous aider à vous entourer au mieux.

1. Quel est le rôle d’un manager de musique ?

L’un des intermédiaires les plus courants qui peut apparaître dès le début d’une carrière musicale est le  manager de musique. La plupart du temps, un manager d’artiste est un représentant de l’artiste, qui peut l’épauler aussi pour la promotion de sa musique que pour les contrats. Le poste de manager s’adapte surtout aux besoins de l’artiste et à son niveau de développement, car son rôle est avant tout de vous aider à développer votre projet musical. Il peut négocier les cachets d’intermittence, confirmer les dates de concerts, rassembler les feedback des fans, aider pour les réseaux sociaux de l’artiste, coordonner tous les membres de l’équipe impliqués, aider l’artiste à promouvoir sa musique ou ses  événements, et plus encore ! Le manager est la personne de référence de l’artiste ; tout ce dont l’artiste a besoin, le manager est à priori là pour l’aider à l’obtenir. Cela signifie généralement que les managers travaillent 24 heures sur 24 et 7 jours sur 7 et qu’ils entretiennent un lien très fort avec l’artiste tout au long de son parcours.

Pensez-vous avoir besoin d’un manager aujourd’hui ? Et si oui, comment choisir le BON ? 

Il est facile de penser que vous n’avez peut-être pas besoin d’un manager. Après tout, il existe beaucoup d’artistes autogérés. Mais les managers permettent aux artistes de se concentrer sur leur musique. Plus besoin de vous préoccuper de l’aspect commercial dont vous avez horreur, le manager vous permet de retrouver une certaine liberté créative sans oublier de développer votre projet musical.

Vous associer à un manager est un bon moyen pour vous concentrer sur votre art et non sur les chiffres, mais aussi, et c’est le plus intéressant, un manager doit pouvoir vous fournir des contacts dans l’industrie de la musique. 

Alors si quelqu’un vous propose d’être votre manager, demandez-lui avant toute chose qui il connaît, et à qui il pourrait vous présenter. Ça peut paraître logique, mais un manager doit contribuer à accélérer votre carrière dans la musique et ne pas se contenter de prendre son pourcentage sur vos revenus tous les mois. 

Dans l’ensemble, je pense que le manager est votre allier le plus important à rechercher en premier. Une personne qui aime votre musique et qui est prête à s’engager pleinement dans la croissance de votre carrière musicale, et qui a un bon réseau de contacts (ou si elle n’en a pas, qui est prête à les trouver), sera très probablement un excellent manager pour vous aider à faire avancer votre carrière musicale.

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2. Comment un booker – ou tourneur – peut vous aider à développer votre projet musical ?

Une partie essentielle dans la vie d’un artiste émergent est de trouver des dates de concert. Quel est le moyen le plus simple de trouver des concerts ? Le booker trouve, négocie et signe les contrats pour vos prestations live, il peut également planifier les dates et les itinéraires d’une tournée, s’occuper des contrats de la tournée (cachets, parrainages, etc.) ou encore vous trouver des musiciens pour vous accompagner en tournée.

Il n’y a pas de bon moment pour trouver un booker. En revanche, pour être un bon booker, il est essentiel d’aimer l’artiste ou le groupe et, surtout, sa musique. Par conséquent, attendez qu’un booker frappe à votre porte, avec l’envie de vous représenter et de faire entendre votre musique.

En moyenne, les bookers prennent une part de 10 à 15 % des recettes brutes réalisées sur les concerts. En contre partie, il est très important qu’ils aient de bonnes relations avec les salles de concerts, les festivals, les producteurs de spectacle, mais aussi avec les autres bookers. N’ayez pas peur de vous renseigner sur un booker (ou tout autre rôle d’ailleurs) avant de signer officiellement. La réputation est primordiale dans l’industrie musicale. Assurez-vous donc que tous les membres de votre équipe ont une bonne réputation. 

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3. Quel est le rôle d’un éditeur de musique ?

Si vous êtes auteur-compositeur, vous avez besoin d’un éditeur ou d’un contrat avec une maison d’édition pour diffuser votre musique, mais également pour être payé, car l’éditeur a pour rôle de générer des revenus provenant de l’exploitation de l’oeuvre. Et pour ce faire :

• Le réseau de votre éditeur musicale devrait permettre à votre musique d’être placée dans un film, une une série, une émission télé, une publicité, un jeu vidéo, etc. Ce qu’on appelle la synchro.
• L’un des rôles de l’éditeur musical est aussi de vous mettre en relation avec d’autres artistes, producteurs et auteur-compositeurs afin de, pourquoi pas, écrire et/ou composer pour d’autres artistes.

Lorsque vous signez un contrat d’édition, vous accordez à votre éditeur le droit d’administrer vos chansons comme si elles étaient les siennes, ce qui peut apporter de nombreux avantages à conditions de bien choisir vos partenaires. Informez-vous donc avant de signer un contrat d’édition – comme pour n’importe quel contrat d’ailleurs.

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4. Avez-vous besoin d’un label de musique pour développer votre projet musical ?

Nombreux sont ceux qui pourraient affirmer que la « célébrité » associée au fait d’être signé par un label a disparu. De nos jours, il n’est plus nécessaire d’être dans un label pour « percer » dans la musique, et encore moins d’être signé en major. D’ailleurs, de nombreux artistes choisissent de s’associer à des labels indépendants (Adele, Radiohead, Kaytranada, etc.), et réussissent à atteindre le succès qu’on leur connaît. L’une des principales raisons à cela, ce sont les progrès de la technologie et la démocratisation des ressources disponibles pour tous. Et voilà une autre raison : les labels prennent en moyenne 85 % du revenu total d’un artiste pour un contrat d’artiste. Mais attention, malgré ce pourcentage gargantuesque, les labels conservent leur influence. Car être signé par un label en tant qu’artiste c’est bénéficier de services de marketing, de distribution et de production, mais aussi de revenus potentiellement plus stables, et l’accès à des contacts qui seraient très difficiles à obtenir autrement. Et pour finir, une signature en label continue d’être un atout pour la réputation du projet musical d’un artiste et son évolution. 

Alors avez-vous besoin d’un label ? Il n’y a pas de bonne réponse, et encore moins de réponse ferme. Dites-vous simplement qu’à chaque fois que vous signez un contrat, cela doit vous apporter plus que vous ne vous apportez déjà vous-même.

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Conclusion

Commencer seul le développement de votre projet musical est une excellente manière de voir ce que vous arrivez à faire par vous-même, et ce que vous avez absolument besoin de déléguer dès que l’occasion se présente. Et d’ailleurs, ne pas avoir d’entourage professionnel ne veut pas dire commencer seul, car il existe des centaines d’outils que vous pouvez utiliser pour vous aider, notamment Groover, ainsi que le Groover Blog qui regorge de conseils pour vous aider à gagner en visibilité.