Sie haben in der Tat schon immer eine wichtige Rolle in der Musikszene gespielt, aber während diese Rolle früher nur darin bestand, Musik aufzunehmen und zu verkaufen, haben die jüngsten Veränderungen in der Musikindustrie nach dem Aufkommen des digitalen Vertriebs und der Social-Media-Plattformen die Plattenlabels gezwungen, sich weiterzuentwickeln und nicht nur die Musik, sondern auch die Marke eines Künstlers zu verkaufen.

Werfen wir also einen Blick darauf, was genau ein Plattenlabel im Jahr 2024 für einen Künstler tut.

1. Die verschiedenen Musiklabels und ihr Engagement für Künstler

Bevor wir uns mit den verschiedenen Rollen eines typischen Plattenlabels befassen, ist es wichtig zu wissen, dass es zwei Arten von Labels gibt und dass sie leicht unterschiedlich arbeiten.

Auf der einen Seite gibt es die großen Plattenfirmen wie die Universal Music Group, Sony Music und Warner Music Group, die als die „Großen Drei“ bekannt sind und den Markt beherrschen.

Diese großen Labels setzen sich aus Tochterunternehmen zusammen. Zu Sony Music gehören zum Beispiel Columbia Records und RCA Records, zu Universal Music die Capitol Music Group und Island Records und zu Warner Music Atlantic Records.

Dann gibt es noch die Independent-Labels, die in der Regel viel kleiner sind und auch eine eingeschränktere Auswahl an Künstlern haben, da sie sich oft auf Nischengenres konzentrieren und ein bestimmtes Publikum ansprechen. Der Hauptunterschied zwischen ihnen und den Major-Labels besteht darin, dass sie mit einer eigenen unabhängigen Finanzierung arbeiten und in der Regel einen individuelleren Ansatz beim Management ihrer Künstler verfolgen, indem sie ihnen zum Beispiel mehr kreative Freiheit und Kontrolle über ihre Musik geben.

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2. Ein Plattenlabel investiert in deine Karriere, indem es dir zu Beginn finanzielle Unterstützung anbietet

Wie man so schön sagt, braucht man Geld , um Geld zu verdienen, und das gilt besonders in der Musikbranche.

Vielleicht bist du alleine schon so weit gekommen, aber vielleicht trittst du jetzt auf der Stelle und brauchst Geld, um deine Karriere auf die nächste Stufe zu heben. Die Wahrheit ist: Selbst wenn du als unabhängiger Künstler wirklich gut bist und es geschafft hast, selbst Geld aufzutreiben, ist es wahrscheinlich nicht annähernd so viel, wie eine Plattenfirma in deine Karriere investieren könnte.

Angenommen, die A&R-Abteilung (Artist and Repertoire) deines bevorzugten Plattenlabels hat dich gescoutet und dir einen Plattenvertrag angeboten. Wenn du diesen Vertrag unterschreibst, investiert die Plattenfirma einen Geldbetrag in die Entwicklung deiner Karriere. Diese finanzielle Unterstützung soll dir helfen, weiterzukommen und du kannst sie in jeder Phase deiner Karriere nutzen, von der Aufnahme über das Marketing bis hin zur Tournee.

Da es sich bei diesem Geld um einen Vorschuss handelt, musst du, der Künstler, ihn mit den ersten Einnahmen aus deiner Musik zurückzahlen. Sobald du es vollständig zurückgezahlt hast, erhältst du Tantiemen für deine Musik, die du mit der Plattenfirma entsprechend dem im Plattenvertrag vereinbarten Prozentsatz teilst (es kann ratsam sein, einen auf Unterhaltungsrecht spezialisierten Anwalt zu konsultieren, wenn du deinen allerersten Plattenvertrag unterschreibst, damit du genau weißt, was du unterschreibst).

Das erste, was eine Plattenfirma für dich als Künstler tun kann, ist also, Geld in deine Karriere zu stecken, damit du sie auf die nächste Stufe bringen kannst. Und wie wir sehen werden, wirkt sich diese Anfangsfinanzierung auf jeden Aspekt deiner musikalischen Karriere aus .

3. Ein Plattenlabel produziert Master-Aufnahmen von deinen Songs

Wenn du keinen Zugang zu einem Tonstudio oder professionellem Aufnahmeequipment hattest, hast du deine ersten Demos wahrscheinlich in deinem Schlafzimmer oder in der Garage aufgenommen.

Wenn die Plattenfirma dich unter Vertrag nimmt, wird sie als Erstes Masteraufnahmen von deinen Liedern machen , um die endgültigen Versionen zu erstellen, die dann veröffentlicht werden.

Dieser Prozess umfasst das Aufnehmen, Abmischen und Mastern der Lieder aus deinem Repertoire. Die Chancen stehen gut, dass eine große Plattenfirma über eigene Produzenten und Tontechniker verfügt, die dir bei dieser Aufgabe helfen, während unabhängige Plattenfirmen mit externen Fachleuten zusammenarbeiten und für die Zeit im Studio, für jeden angeheuerten Produzenten und für alle Songwriter oder Musiker bezahlen, die sie zur Unterstützung des Projekts hinzugezogen haben.

4. Eine Plattenfirma vertreibt deine Songs

Der Musikvertrieb hat sich in den letzten Jahren stark verändert und dreht sich heute hauptsächlich um das Streaming. Deshalb wird der Vertrieb größtenteils digital abgewickelt, und zwar über digitale Vertriebe wie Tunecore, DistroKid und CD Baby. Diese vertreiben deine Musik bei verschiedenen digitalen Dienstleistern (DSPs) wie Amazon Music und iTunes sowie bei Streaming-Diensten wie Spotify, Pandora, Apple Music, Deezer und Tidal.

Auch wenn der digitale Vertrieb den Markt dominiert, lohnt es sich, über den physischen Vertrieb zu sprechen, da die Labels auch physische Kopien von Musik wie CDs, Vinylplatten und Kassetten vertreiben wollen. Das gilt vor allem deshalb, weil es eine wachsende Nachfrage nach dieser Art von Waren zu geben scheint (dazu später mehr). Daher wird das Label mit Musikeinzelhändlern und Online-Shops zusammenarbeiten, um physische Produkte zu führen und zu verkaufen.

Ein letzter Punkt, der bei der Diskussion über den Vertrieb angesprochen werden sollte, sind Lizenzvereinbarungen. Falls du noch nie von diesen Verträgen gehört hast: Sie erlauben es Fernsehsendungen, Filmen, Werbespots, Videospielen usw., die genaue Aufnahme eines Songs zu verwenden. Dazu haben sie nur das Recht, wenn sie einen Lizenzvertrag unterzeichnet haben, und es ist die Aufgabe einer Plattenfirma, solche Verträge im Namen der Künstler auszuhandeln .

5. Eine Plattenfirma verkauft deine Lieder

Das übergeordnete Ziel einer Plattenfirma ist es immer, die Musik und in gewisser Weise auch den Künstler zu verkaufen.

Das kann für einen unabhängigen Künstler schwierig sein , aber eine Plattenfirma kann viel Geld investieren und eine Marketingstrategie entwickeln, damit deine Musik und deine Inhalte von mehr Menschen gesehen werden.

Eine gut durchdachte Marketingstrategie umfasst mehrere Dinge und das erste, was ein Marketingteam wahrscheinlich in Angriff nehmen wird, ist die Entwicklung von Werbekampagnen, um dein neues Album zu promoten. Dabei geht es im Wesentlichen darum, die Medienpräsenz des Künstlers zu sichern, sei es durch Pressemitteilungen, Interviews, eine große Plakatwand am Times Square … alles, was dir helfen kann, ein größeres Publikum zu erreichen und deine Fangemeinde zu vergrößern .

Ein weiterer Aspekt, um den sich das Marketingteam der Plattenfirma kümmert, ist die Werbung für die Musik des Künstlers auf den verschiedenen Streaming-Plattformen. Wir haben sie im vorherigen Abschnitt über den Vertrieb kennengelernt, aber jetzt müssen wir über die Platzierung in Playlists sprechen. Wenn du ein unabhängiger Künstler bist, liegt es an dir, deine Musik für die Playlist-Kuration zu bewerben , da du für die Veröffentlichung deiner Musik verantwortlich bist. Die Wahrheit ist, dass dies sehr schwierig sein kann, weil es viel Networking und viel Pitching erfordert (eine Sache, die den Prozess vereinfachen kann, ist der direkte Kontakt mit Playlist-Kuratoren über Groover).

Aber wenn du bei einer Plattenfirma unter Vertrag bist , wird das Marketingteam seine Kontakte nutzen, um sicherzustellen, dass deine Songs von den richtigen Leuten gehört und in einflussreichen Playlists oder sogar im Radio gespielt werden.

Ein weiterer Punkt, um den sich das Marketingteam wahrscheinlich kümmern wird, ist deine Präsenz in den sozialen Medien. Das hängt von der Größe des Labels ab, aber auch von deinen eigenen Fähigkeiten, deine Musik in den sozialen Netzwerken zu bewerben . Wenn du damit Schwierigkeiten hast, haben Plattenfirmen in der Regel jemanden in ihrem Team, der auf Social Media Marketing spezialisiert ist und die sozialen Medien der Künstler des Labels verwaltet. Denn die Wahrheit ist, dass der Großteil deiner Fangemeinde auf Plattformen wie Instagram, Facebook und TikTok zu finden ist.

Dein Label kann dich nicht nur bei der Verwaltung deiner sozialen Medien unterstützen, sondern auch bei der Erstellung von Inhalten, sei es ein tolles Musikvideo, das du auf YouTube oder Vevo hochlädst, oder hochwertige professionelle Fotos, um deine neue Veröffentlichung zu bewerben .

6. Ein Plattenlabel hilft dir bei deinen anderen Einnahmequellen

Während es früher hauptsächlich um den Verkauf von Musik ging, sind Plattenfirmen heute stark in die gesamte Marke involviert, die der Künstler repräsentiert. Diese Marke setzt sich aus vielen Einnahmequellen zusammen, darunter die Musik, aber auch Tourneen, Werbeverträge und Merchandising.
Schauen wir uns den ersten Punkt an. Ein großer Teil der Karriere eines Musikers ist mit Tourneen und Auftritten verbunden. Plattenfirmen können nicht nur Konzerte und Tourneen finanzieren, sondern sie helfen dir auch bei der Organisation, indem sie die richtigen Veranstaltungsorte buchen und sich um Reise- und Unterkunftsarrangements kümmern, und das Marketingteam kann die Tournee bewerben und für Aufmerksamkeit sorgen.

Eine weitere Aufgabe, bei der dir eine Plattenfirma helfen kann, ist die Herstellung von Merchandising-Artikeln, die während der Tournee verkauft werden. Merchandising ist für einen Künstler sehr wichtig und eine wichtige Einnahmequelle. Ob T-Shirts, Mützen, CDs oder Schallplatten – die Plattenfirma kann das Merchandising finanzieren und sich in den kreativen Prozess einbringen. Zum Beispiel kann sie Künstlern bei der Gestaltung des Covers für ihr erstes Album helfen, indem sie einen Grafikdesigner oder Fotografen engagiert.

Schließlich kann eine Plattenfirma dir helfen, Markenpartnerschaften und Sponsoring zu sichern. Das liegt daran, dass sie über etablierte Beziehungen zu Marken, Unternehmen und einflussreichen Persönlichkeiten in der Branche verfügen und dich als Künstler vorstellen können, um möglicherweise Produkte zu bewerben und dann in deinem Namen Verträge auszuhandeln.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Plattenfirmen, egal ob Majors oder Independent-Labels, für Künstler im Jahr 2024 sehr hilfreich sein können. Sie bieten ihnen eine Plattform, um sich zu präsentieren, eine Struktur, um zu wachsen, und die Ressourcen, die sie brauchen, um ihre Musikkarriere zu entwickeln und in der wettbewerbsintensiven Musikbranche erfolgreich zu sein.

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Die Rolle des Musikproduzenten ist eine Berufsbezeichnung, für die es schon immer viele verschiedene Definitionen gab. Früher war der Beruf an eine Plattenfirma gebunden, aber wie wir in diesem Artikel sehen werden, ist das heute nicht mehr unbedingt der Fall.

1. Was ist ein Musikproduzent?

Die Rolle des Musikproduzenten

Vereinfacht ausgedrückt ist ein Musikproduzent die Person, die für die Überwachung der Musikproduktion verantwortlich ist.

Er ist die Person, die dem Künstler hilft, sein volles Potenzial durch seine Musik zu entfalten. Ihre Aufgabe ist es, die Vision des Künstlers zum Leben zu erwecken und ein fertiges Produkt zu schaffen, das die emotionale Botschaft der Musik vermittelt und die Zuhörer das fühlen lässt, was der Künstler ihnen vermitteln wollte.

Die verschiedenen Arten von Musikproduzenten

Ein Musikproduzent kann sich im Hintergrund halten und die Arbeit nicht zu sehr beeinflussen. Seine Aufgabe ist es dann, den Künstler durch den Aufnahmeprozess zu führen und ihm zu helfen, seine Vision zu verwirklichen, indem er hier und da ein paar kleine Änderungen vornimmt. Er kann zum Beispiel Teile eines oder mehrerer Songs umschreiben und Instrumentalteile neu aufnehmen, damit sie anders klingen und mehr seiner Vision des Künstlers entsprechen, wobei er den gesamten kreativen Prozess überwacht .

Der Unterschied zwischen einem Musikproduzenten und einem Tontechniker

Ein Tontechniker oder eine Tontechnikerin arbeitet in einem Studio, in dem er oder sie alle Einzelheiten kennt: die vorhandene Ausrüstung und deren Standort, die verfügbaren Mikrofone und die für die jeweilige Aufnahme am besten geeigneten, die Funktionsweise der Patchbay… Seine Aufgabe ist es, das Studio für die Aufnahme vorzubereiten, die Mikrofone zu überprüfen, sobald sie installiert sind, und den Aufnahmeprozess aus technischer Sicht zu überwachen.

Ein Tontechniker oder eine Tontechnikerin hat nicht so viel Mitspracherecht bei den kreativen Aspekten der Produktion wie ein Musikproduzent oder eine Musikproduzentin, aber er oder sie hört sich an, was der Musikproduzent oder die Musikproduzentin zu sagen hat, und führt die Aufgaben für den Produzenten oder die Produzentin so aus, dass der Produzent oder die Produzentin sie versteht. Viele Tontechniker werden eines Tages selbst zu Produzent und nutzen ihr fundiertes Wissen über Klangqualität.

Der Aufstieg der Heimstudios und was das für das Tonstudio und die Musikproduzenten bedeutet

In den letzten Jahren hat sich in der Musik industrie viel verändert, und diese Veränderungen haben zu einer Verschiebung der Rollen im Studio geführt. Das bedeutet, dass viele Leute gleichzeitig produzieren und Tontechniker sind, und der Titel „Musikproduzent“ ist im Zuge dieses Wandels irgendwie verloren gegangen, weil es jetzt einfach ist, alles zu machen: Künstler, Produzent und Tontechniker.

Allerdings gibt es immer noch viele Plattenfirmen, die mit Musikproduzenten und Tontechnikern zusammenarbeiten, und die Berufsbezeichnungen sind immer noch unterschiedlich.

2. Die verschiedenen Rollen des Musikproduzenten.

Der Beruf des Musikproduzenten umfasst viele verschiedene Facetten und Rollen.

Ein Musikproduzent ist für die Budgetierung des Musikprojekts verantwortlich

Es gibt kein Projekt ohne Geld. Der Musikproduzent kann der Plattenfirma ein Budget vorschlagen, die es genehmigt, oder die Plattenfirma kann ein bestimmtes Budget für ein Projekt vorschlagen.

Ein Musikproduzent ist für die Organisation der Aufnahmesessions verantwortlich

Was die Aufnahmesessions angeht, so ist es Aufgabe des Musikproduzenten, Studiozeit zu buchen. Die Wahl des Studios hängt von der Ausstattung des jeweiligen Studios und dem Sound ab, den er erzeugen will. Ein guter Musikproduzent plant die Proben- und Aufnahmesitzungen und ist bei ihnen anwesend . Er arbeitet eng mit den Plattenproduzenten zusammen, um die Qualität der Aufnahmen sicherzustellen und den gesamten Aufnahmeprozess zu überwachen.

Ein Musikproduzent muss sicherstellen, dass ein Song verkaufbar ist

Das ist der Grund, warum er mit einem Künstler zusammenarbeitet, denn die Chance, dass die Plattenfirma ein Album bekommt, das sie verkaufen kann, ist viel größer. Ein erfolgreicher Musikproduzent sorgt dafür, dass das Endprodukt kommerziell verwertbar ist und den Standards der Branche entspricht, und dafür muss er eine Menge über das Musikgeschäft wissen .

Ein Musikproduzent erkennt das Potenzial eines Songs und was getan werden muss

Er kann auch die richtigen Musiker für den Song auswählen, sei es ein anderer Bassist oder Schlagzeuger, und er kann den Song auch in Bezug auf Struktur, Klang, Tempo und manchmal sogar den Text beeinflussen.

Das ist der Moment, in dem sich der Musikproduzent in die kreative Seite der Dinge einmischt, besonders wenn er seine eigene Musik produziert.

3. Welche Fähigkeiten braucht ein Musikproduzent?

Aufgrund dieser unterschiedlichen Rollen muss ein Produzent über ein breites Spektrum an Musikproduktionsfähigkeiten verfügen. Während ein guter Produzent ein bisschen von allem weiß, weiß ein großartiger Produzent sehr viel, ob es sich nun um technische Fähigkeiten, Musikalität, Technik handelt…

Ein guter Musikproduzent hat einen starken musikalischen Hintergrund

Wie wir bereits gesehen haben, ist ein Musikproduzent oft an der kreativen Seite der Dinge beteiligt, um sicherzustellen, dass die künstlerische Vision umgesetzt wird. Dafür braucht er Kenntnisse in Musiktheorie und Rhythmustheorie , er kann vielleicht sogar mehrere Instrumente spielen und kennt sich mit Arrangements und dem Songwriting aus. Er muss wissen, was eine gute Melodie ausmacht, und er muss in der Lage sein, einen starken Sänger zu erkennen – wie jeder Musiker muss er sich auf Gehörbildung konzentrieren. Im Grunde muss er wissen, wie man einen Song schreibt.

All diese Fähigkeiten können sehr nützlich sein und Musikalität kann den Unterschied zwischen einem großartigen Musikproduzenten und einem durchschnittlichen ausmachen, besonders in verschiedenen Genres wie Hip-Hop, aber insgesamt in allen Musikgenres.

Ein guter Musikproduzent weiß eine Menge über Tontechnik

Das bedeutet, dass er zumindest die verschiedenen Arten von Studiogeräten kennt, sowohl analoge als auch digitale, und ein grundlegendes Verständnis davon hat, wie Musik aufgenommen wird und wie man mischt und mastert. Er muss die grundlegenden Aufnahme- und Produktionstechniken kennen, z. B. Mehrspuraufnahmen, Overdubbing, Überlagerung, Entzerrung und Panning und Stereobild, wie man ein Mischpult bedient und Audio manipuliert, und die verschiedenen verfügbaren Plug-ins, er muss sich auch mit verschiedenen Digital Audio Workstations (DAW) wie Ableton Live, Pro Tools, FL Studio, Logic Pro, Cubase… vertraut machen. Er muss auch über verschiedene Synthesizer, MIDI-Keyboards, Drum Machines… und Soundeffekte wie Hall und Delay Bescheid wissen. Wer selbst produziert, findet in unserem Vergleich der besten MIDI-Keyboards passende Modelle vom Einstieg bis zum High-End-Bereich.

Er muss also wissen, wie die Dinge seiner Meinung nach klingen sollten und wie er sie zum Klingen bringt – und wie er das kommunizieren kann. Er muss zum Beispiel wissen, welchen Kompressor er für welchen Sound verwenden will, damit der Track so klingt, wie er es will. In vielen Fällen hat der Produzent ein Ingenieursstudium absolviert oder zumindest praktische Erfahrungen in einem Aufnahmestudio gesammelt.

Sie müssen wissen, wie die Studio-Sessions ablaufen, um das Budget und den Zeitplan einhalten zu können.

Ein guter Musikproduzent weiß eine Menge über das Musikgeschäft

Ein guter Musikproduzent muss ein feines Gespür dafür haben, was gut genug ist, um es auf den Markt zu bringen, und was sich tatsächlich verkauft. Er muss wissen, was den Industriestandards entspricht.

Hier sind einige Fragen, die er während des Musikproduktionsprozesses im Hinterkopf behalten sollte: Wie sieht der Musikmarkt aus? Was sind die aktuellen Trends in der Musik? … denn die Aufgabe eines Musikproduzenten oder einer Musikproduzentin ist es schließlich, ein Produkt zu schaffen, das sich verkauft.

Er muss auch wissen, was mit einem Song passiert, wenn er auf dem Markt ist, und er muss sich mit Musikmarketing auskennen und wissen, wie Tantiemen funktionieren, damit er seinen Künstler beraten kann.

Schließlich kann er auch Einfluss auf die visuellen Medien (Film und Video) nehmen, die zur Vermarktung des Künstlers eingesetzt werden, und dafür muss er gut wissen, wie die Unterhaltungsindustrie insgesamt funktioniert.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass der Beruf des Musikproduzenten eine der lohnendsten Musikkarrieren sein kann. Auch wenn sich die Rolle des Musikproduzenten mit der Entwicklung der Musikindustrie ständig weiterentwickelt, ist ein Produzent – unabhängig von seiner Rolle – für die erfolgreiche Veröffentlichung eines Musikprojekts unerlässlich.

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-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Eine aktuelle Umfrage von Pirate ergab, dass 53% der befragten Künstler/innen lieber selbst veröffentlichen, als bei einem traditionellen Label zu unterschreiben. Allerdings hast du nicht das Netzwerk oder die potenzielle finanzielle Unterstützung, die dir ein traditionelles Label bieten könnte.

Das Musikgeschäft funktioniert wirklich wie jedes andere Geschäft in anderen Branchen auch. Es vereint rechtliche, wirtschaftliche und werbetechnische Abläufe und ist daher voller Fachleute, die sich auf diese Bereiche spezialisiert haben, obwohl sie in der Musikbranche arbeiten. Aus diesem Grund solltest du frühzeitig versuchen, mit Fachleuten aus der Musikbranche zusammenzuarbeiten. Damit deine Musik von ihnen gehört wird, ist es wichtig, qualitativ hochwertige Musik zu produzieren und sie wirkungsvoll zu präsentieren.

In diesem Artikel erklären wir dir, welche verschiedenen Arten von Labels es gibt und wie du deine Chancen auf einen Vertrag mit einem Label erhöhen kannst.

1. Verstehen, wie Etiketten funktionieren

Der erste Schritt bei der Unterzeichnung eines Vertrags ist, sich mit dem Universum des „Labels“ und seiner Funktionsweise vertraut zu machen. Das Letzte, was du willst, ist ein Vertrag, der dich kreativ und rechtlich einschränkt, nur weil der Gedanke, unter Vertrag zu stehen, verlockend ist. Um das zu vermeiden, musst du dich über Plattenfirmen und die Arten von Verträgen, die sie anbieten, informieren. Hier ist eine kurze Zusammenfassung, damit du die Grundlagen verstehst, bevor du eine Entscheidung triffst.

Major Labels vs. Indie Labels

Major Labels

Wenn man von „großen Plattenlabels“ spricht, meint man die “Big 3”: Warner Music Group (WMG), Sony Music Entertainment (SME) und Universal Music Group (UMG). Sie sind als Majors bekannt, weil sie 70 % der Einnahmen aus Tonträgern erzielen und die Muttergesellschaften vieler kleinerer Labels sind. Unabhängige Labels machen die restlichen 30 % aus.

Unterhalb der drei Majors gibt es zahlreiche Tochterlabels. Island Records und Def Jam Recordings gehören zum Beispiel zu Universal, Columbia Records gehört zu Sony und Atlantic Records zu Warner. Die meisten Labels, die du vielleicht namentlich kennst, gehören zu einem der Big 3.

Die großen Labels sind international, verfügen über enorme finanzielle Mittel und betreiben ihren eigenen Vertrieb und ihr eigenes Verlagswesen. Das bedeutet, dass das gesamte Musikgeschäft von einer Gruppe betrieben wird, was bei Indie-Labels nicht der Fall ist. Das bedeutet auch, dass sie sehr mächtige Akteure in der Branche sind und wichtige Beziehungen zu fast allen Unternehmen unterhalten, die mit Musik zu tun haben (Streaming-Dienste, soziale Medien, TV-Netzwerke usw.).

Unabhängige Labels

Unabhängige Labels machen den Rest des Marktes aus. Sie sind kleinere Unternehmen, die aufgrund ihrer Größe eine viel engere Beziehung zu ihren Künstlern haben und mit anderen Unternehmen zusammenarbeiten, um Vertrieb und Veröffentlichung abzudecken, anstatt selbst Abteilungen dafür zu haben. Was den Indie-Labels an Macht und Einfluss fehlt, machen sie durch Beziehungen und individuelle Unterstützung wieder wett.Was die Verantwortung gegenüber ihren Künstlern angeht und was man erwarten kann, wenn man bei ihnen unter Vertrag ist, so erfüllen sie dieselben Pflichten, die auch ein größeres Label erfüllen würde.

2. Was ein Label für dich tun kann

Plattenlabels sind dazu da, Bands und Künstler/innen finanziell zu unterstützen, und sie versuchen, den Künstler/innen alle geschäftlichen Lasten abzunehmen. Je nach finanzieller Situation und Größe des Unternehmens können sie verschiedene Arten von Ressourcen anbieten. Ein großes Label bietet zum Beispiel ein anderes Maß an Unterstützung als eine unabhängige Plattenfirma. Hier sind ein paar der vielen Möglichkeiten, wie Labels ihre Künstler unterstützen.

Finanzierung und rechtliche Schritte

Die meisten Labels werden:

• Studio-Sessions, Tontechniker, Instrumentalisten und andere zusätzliche Mitarbeiter bezahlen und die Produktionskosten übernehmen
• Bezahlen und organisieren Dinge, die mit deinem Image zu tun haben, wie Musikvideos oder Fotoshootings
• Dich vor rechtlichen Problemen schützen und neue Wege finden, um Geld zu verdienen
• kümmern sich um den Vertrieb deiner Musik und fungieren als Musikverleger

Der rechtliche Aspekt ist nicht zu vernachlässigen. Damit meinen wir deine Rechte als Künstler, wie z. B. das geistige Eigentum und das Urheberrecht, das unbedingt in Ordnung sein muss und oft sehr mühsam ist, wenn man sich allein darum kümmert. Dazu gehört, dass du deine Songs bei Tantiemenagenturen (z.B. GEMA) anmeldest und mit allen, mit denen du zusammenarbeitest, über die Preise verhandelst. Das Rechtsteam eines Labels wird die unbequemen rechtlichen Gespräche für dich führen, was eine großes Zeitersparnis bedeutet.

Musikförderung und Projektentwicklung

Dein Plattenlabel sollte dir bei allen notwendigen Werbemaßnahmen für deine Musik helfen. Auch hier sind die Möglichkeiten je nach Musiklabel und Künstler unterschiedlich, können aber einige oder alle der folgenden Punkte umfassen:

• Ein Marketingteam, das deine Werbestrategie leitet
• Redakteure für alle schriftlichen Inhalte über dich (Biografie, Projektbeschreibungen, öffentliche Statements)
• Buchung von Werbeveranstaltungen (Talkshows, Interviews)
• Dich bei der Entwicklung deines Images und Sounds zu unterstützen

Unabhängig davon, ob du kurz vor der Veröffentlichung deiner Musik stehst oder sie gerade erst veröffentlicht hast, werden die Labels überlegen, wie sie deinen Namen und dein Gesicht so weit wie möglich bekannt machen können, damit mehr Menschen deine Musik hören und wissen, wer du bist. Das ist ein sehr komplizierter Prozess, weshalb es für kleine Künstler/innen, die sich in der Branche durchsetzen wollen, sehr wichtig ist, mehrere Köpfe an dieser Aufgabe zu haben.

Touren organisieren

Booking-Agenten und Tourmanager arbeiten mit Labels zusammen, um sicherzustellen, dass Künstler/innen regelmäßig Auftrittsmöglichkeiten haben, egal ob lokal oder international. Ein Label kümmert sich um die folgenden Dinge:

• Buchung von Veranstaltungsorten für Shows
• Planung von Tourdaten, Transport, Unterkunft und anderen Kosten
• Design und Aufbau der Show
• Dein Rider (ein Dokument, das du den Veranstaltungsorten übergibst und das beschreibt, was du für deinen Auftritt brauchst)

Denke immer daran: Auch wenn es unterschiedliche Grade an Flexibilität gibt, solltest du das letzte Wort haben, wenn es darum geht, wie du dargestellt wirst. Es ist gut, Hilfe zu haben, aber du solltest dir über alles im Klaren sein, was mit deinem Namen und deinem Aussehen zu tun hat. Du bist das Herzstück der ganzen Operation!

3. Welche Art von Vertrag ist für dich sinnvoll?

Viele Künstlerinnen und Künstler glauben, dass ein Plattenvertrag mit einem großen Label das ultimative Ziel und ein Zeichen für Erfolg ist. Aber nicht jedes Label ist für deine Bedürfnisse geeignet.

Große Labels nehmen sehr oft neue Künstler/innen unter Vertrag, in der Hoffnung, das nächste große Ding zu finden, während andere ihre Liste klein halten, um sich mehr Zeit für jedes Projekt zu nehmen. Was ist besser? Das hängt ganz davon ab, in welchem Stadium deiner Musikkarriere du dich befindest und nach welchen Ressourcen du suchst.

Der größte Unterschied zwischen Major- und Indie-Labels ist 1) die finanzielle Unterstützung, 2) die individuelle Unterstützung und 3) die kreative Kontrolle.

Finanzielle Unterstützung

Finanzielle Unterstützung kann es in vielen Formen geben, z.B. zur Deckung von Studiokosten, Kosten für Foto- und Videoaufnahmen und mehr. Eine andere Form sind Vorschüsse. Wenn ein Label wohlhabend ist und in einen Künstler investieren will, gibt es dem Künstler oft einen Vorschuss, wenn er bei ihnen unterschreibt. Dabei handelt es sich um eine (in der Regel beträchtliche) Summe, die der Künstler verwenden kann, um sein nächstes Projekt zu verwirklichen. Die Labels erwarten aber auch, dass sie diesen Vorschuss zurückbekommen, wenn das Projekt Geld einbringt. Das nennt man Rückvergütung. Was immer du bekommst, musst du nach und nach zurückzahlen, bis du alles zurückerhalten hast. In der Regel geschieht dies über die Tantiemen, d. h. das Label nimmt einen bestimmten Prozentsatz der Tantiemen, die du mit deiner Musik verdienst, und reduziert diesen Anteil, wenn er zurückgezahlt wurde. Wie viele Streams nötig sind, um einen bestimmten Betrag wieder einzuspielen, kannst du mit unserem kostenlosen Break-even-Rechner grob abschätzen.

Nur sehr wenige Indie-Labels haben die Mittel, um hohe Vorschüsse zu zahlen, wenn überhaupt. Das mag zwar abschreckend klingen, aber viele Künstlerinnen und Künstler, die bei großen Labels unter Vertrag stehen, müssen einen hohen Vorschuss zurückzahlen, den sie gar nicht wollten, und das für Musik, die sie nicht unbedingt veröffentlichen wollten. Das ist vor allem auf den nächsten Punkt zurückzuführen, nämlich die individuelle Unterstützung.

Individuelle Unterstützung

Große Labels sind riesige Organisationen, die deutlich mehr Mitarbeiter und Künstler haben als Indie-Labels. Das bedeutet, dass es sehr unwahrscheinlich ist, dass du eine persönliche Beziehung zu jedem Mitarbeiter hast, der sich um deine Bedürfnisse kümmert.

Indie-Labels mit kleineren Teams und Künstlerlisten arbeiten oft sehr eng mit ihren Künstlern zusammen und ermöglichen es ihnen, frei und offen über ihre Bedürfnisse zu sprechen. Außerdem können sich die Künstler/innen direkt bei den Leuten melden, die die Arbeit erledigen, im Gegensatz zu größeren Labels, die die Aufgaben an jeden weitergeben, der Zeit hat, etwas beizutragen.

Aufgrund der fehlenden Verbindung zwischen Label und Künstler/in ist es für die Majors viel einfacher, eine/n Künstler/in zu entlassen, wenn sie das Gefühl haben, dass er/sie nicht profitabel ist und die Erwartungen nicht erfüllt. Die Beziehung ist ganz einfach transaktionaler als bei einem Indie-Label.

Kreative Kontrolle

Major-Labels haben viel Macht in der Branche und daher auch viel Macht in ihren Verträgen. Aufgrund der vielen Ressourcen, die sie den Künstlern zur Verfügung stellen, erwarten sie auch viel von ihnen. Dies geht oft mit einem Mangel an kreativer Kontrolle für die Künstler/innen einher, da sie sich an die Erwartungen des Labels halten müssen. Das bedeutet oft, dass das Label entscheidet, wann das Album veröffentlicht wird, welche Songs es auf das Album schaffen, wie die visuelle Identität aussieht, wer als Featured Artist auftritt und wie viel Anteil der Künstler an seinen eigenen Tantiemen hat.

Aus diesem Grund sind Indie-Labels dafür bekannt, dass sie sehr viel künstlerfreundlicher sind. Künstler/innen, die bei einem Indie-Label unter Vertrag stehen, haben zwar weniger Ressourcen zur Verfügung, können aber Entscheidungen über ihre Projekte treffen, die die meisten Majors und ihre Tochtergesellschaften niemals zulassen würden. Das ist ein sehr wichtiger Faktor, den du bei der Entscheidung, mit welchem Label du zusammenarbeiten möchtest, berücksichtigen solltest.

4. Wie man bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen wird

Recherchiere und nimm Kontakt auf

Es gibt keine Standardprozedur, um einen Plattenvertrag mit einem Musiklabel zu bekommen, aber ein guter Ausgangspunkt ist es, in der Musik zu stöbern, die dir gefällt, und über den Künstler zu recherchieren. Unter jedem Projekt auf Spotify, das der Liste der Songs folgt, findest du das Datum der Veröffentlichung und den Namen des Verlags/Labels, über den es vertrieben wird. Schau dir das Label an und finde heraus, wen es noch vertritt. Machst du ähnliche Musik wie die Künstler auf der Liste des Labels?

Es gibt über 300 Plattenlabels, die bereit sind, sich neue Musik und neue Künstler auf Groover anzuhören , was auch ein guter Ausgangspunkt ist. Nachdem sie ihre Musik auf unsere Plattform hochgeladen hatten, unterzeichnete das französische Elektronikmusik-Duo Myoon einen Plattenvertrag mit Inside Records, dem Label der bekannten Musik-Trendmacher Electro Posé.

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Was man senden sollte

Schauen wir uns einmal an, was du einem Label, das dein Interesse geweckt hat, schicken solltest.

Demos

Es versteht sich von selbst, dass du dir die Zeit nehmen musst, die bestmöglichen Aufnahmen zu machen, bevor du deine Musik veröffentlichst oder deine Demos an jemanden schickst. Zur Erinnerung: Demos sind unveröffentlichte Songs, die vollständig sind, aber bei Bedarf noch geändert werden können. Neben dem Versenden von Links zu bereits veröffentlichter Musik sind Demos eine gute Möglichkeit zu zeigen, woran du arbeitest und wie sich dein Sound entwickelt.

Links und Kontaktinformationen

Wie auch immer du dich meldest, achte darauf, dass du Links zu ALLEN Künstlerseiten deiner Streaming-Plattform, deine E-Mail-Adresse und deine Telefonnummer angibst. Füge auch den Link zu deiner Website hinzu, wenn du eine hast (das solltest du!).

Auszeichnungen

Jüngste Errungenschaften/Auszeichnungen sollten auf deiner Website aufgelistet sein, aber wenn du keine hast, erwähne sie kurz. Das können sein: Presseberichte, Platzierungen in Playlisten, eine bestimmte Anzahl von Streams, Auszeichnungen usw.

Nachfassen

Auch wenn du im besten Fall sofort ein Interesse hast, dich unter Vertrag zu nehmen, ist das selten und braucht normalerweise Zeit. Sobald du eine Beziehung zu deinem Labelkontakt aufgebaut hast, solltest du ihm regelmäßig neue Tracks schicken, damit er deine Entwicklung als Künstler/in im Auge behalten kann. Vielleicht bieten sie dir irgendwann an, dich unter Vertrag zu nehmen oder zu unterstützen.

Habe es nicht eilig und sei klug. Lass dich von Ablehnungen nicht entmutigen. Falls jemand nicht gewillt ist, sich der Challenge zu stellen, selbst nach einiger Zeit, könnte es vielleicht einfach nicht zueinander passen. Musik ist subjektiv, und nur weil du bei einer Person nicht gut ankommst, heißt das nicht, dass es anderen auch so geht. Auf Groover kannst du deinen Track an über 350 Labels schicken und bekommst garantiert innerhalb von 7 Tagen Feedback.

| Check out : Wie man ein Demo an ein Plattenlabel schickt

5. Verträge verstehen

Wenn du ein Angebot erhalten hast, solltest du unbedingt das Kleingedruckte lesen. Du willst nicht in einem rechtsverbindlichen Vertrag stecken, den du nicht vollständig verstehst.

Es gibt viele verschiedene Arten von Aufnahmeverträgen, aber der gängigste Vertrag mit einem Major deckt alles ab, was mit den Kosten für die Aufnahme, die Veröffentlichung und den Vertrieb deiner Musik zusammenhängt. Außerdem kümmert er sich um alles, was mit Marketing und Promotion zu tun hat. So kannst du auf Spezialisten zurückgreifen, deren Aufgabe es ist, deine Musik zugänglich zu machen, sei es physisch (über unabhängige Plattenläden, Kaufhäuser usw.) oder digital (um deine Musik auf Spotify, Apple Music, Tidal, Deezer, YouTube Music usw. zu veröffentlichen).

In den Verträgen wird auch festgelegt , wie lange du bei dem Label unter Vertrag bist, wie viele Projekte du in dieser Zeit veröffentlichen musst, wem die Musik gehört und wie hoch der prozentuale Anteil des Labels an deinen Einnahmen ist (der Prozentsatz deiner Verkäufe/Streams, den das Label erhält). Wie hoch der Anteil des Labels an deinen Einnahmen ist, hängt davon ab, bei wem du unterschreibst, wie beliebt deine Musik ist und wie du den Vertrag aushandelst. Bei Verträgen mit Majors verdient ein Künstler zwischen 10 und 15 % seiner gesamten Tantiemen. Du kannst mehr Geld mit nach Hause nehmen, wenn du deinen Vorschuss zurückbekommen hast. Bei Indie-Labels sind diese Zahlen viel flexibler.

Die gute Nachricht bei den Majors ist, dass du im Vorfeld nicht viel Geld für deine Musik ausgeben musst: Von der Aufnahme bis zum Vertrieb wird der gesamte Prozess übernommen. Der Nachteil ist, dass du nur einen kleinen Betrag im Vergleich zu den wahrscheinlichen Gesamtgewinnen erhältst und dass du wahrscheinlich nicht Eigentümer deiner Aufnahmen wirst (auch “masters” genannt). Indie-Labels bieten weniger Ressourcen, aber mehr Unterstützung und kreative Kontrolle bei deinen Entscheidungen. Vor- und Nachteile!

| Schau dir diesen Artikel auf dem ICON Collective Blog an: Unabhängiger Künstler vs. Unterschrift bei einem Plattenlabel

6. Welchen Vertrag solltest du als unabhängiger Künstler wählen?

Wenn du in allen Bereichen deiner Entwicklung ein wenig Unterstützung brauchst, sollte ein Standard-Künstlervertrag für dich geeignet sein. Achte aber darauf, dass du keinen Vertrag unterschreibst, der dich zu lange an ein Label bindet. Wenn du aufsteigst und nicht mehr so viele Leistungen brauchst, willst du dich nicht durch den Vertrag eingeschränkt fühlen, den du vor deinem Erfolg unterschrieben hast.

Wenn du deine Musik selbst produziert hast und die künstlerischen und kommerziellen Aspekte deines Projekts selbst in die Hand genommen hast, solltest du einen Vertrag anstreben, der nur den Vertrieb und nicht auch die Aufnahme abdeckt. So kannst du deine Musik veröffentlichen und vermarkten, ohne dass deine Eigentumsrechte beeinträchtigt werden.

Wenn du dir eine solide Fangemeinde aufgebaut und eine beträchtliche Anzahl an Streams generiert hast und weiter bekannt werden möchtest, solltest du in Erwägung ziehen, deine Musik an ein Label zu lizenzieren , damit dieses die Kontrolle darüber hat, wo sie verwendet wird und sie besser vermarkten kann. So behältst du das Eigentum an deiner Musik und profitierst gleichzeitig von der Finanzierung und dem Netzwerk des Labels. Im Gegenzug erhält das Label natürlich einen Anteil an deinen Einnahmen.

Beispiele für unabhängige Plattenlabels

Willst du herausfinden, wie du auf Groover einen Plattenvertrag mit unabhängigen Labels bekommst? Schau dir die Liste der Indie-Labels unter ⬇️ an.

Cracki Records

Cracki Records ist mit dem Herzen dabei und möchte eine breite Palette an eklektischer, hochwertiger Musik anbieten. Deshalb sehen sie sich als Labor, aber auch als Sprungbrett.

Musikstile: Elektropop, Indie-Pop, Indie-Rock, New-Disco, Pop-Soul, Psychedelic-Pop, Synthpop, Synthwave.

Künstler, die bei Cracki Records unter Vertrag sind: Agar Agar, Saint DX, Alma Elste, GENTS, Lucien & The Kimono Orchestra, Mangabey, Yen Yen, Antonin Appaix und viele andere

| Kontakt Cracki Records

Ba Da Bing Aufzeichnungen

Ba Da Bing ist ein Brooklyner Label, das inzwischen fast 200 Alben veröffentlicht hat (Sharon Van Etten, Beirut, Julie Byrne, Lady Lamb, Talk Talk Reissues), ein Schwesterlabel (Grapefruit) gegründet hat, Management (Neutral Milk Hotel, Shearwater, The Breeders), Tourbooking und -management, freies Produktmanagement (The Leaf Label, Planet Mu) und Marketing-/Promotionberatung umfasst.

Musikstile: Ambient, Experimental Rock, Indie Folk, Lofi Bedroom, Neoclassical, Noise, Psychedelic Rock, Experimental, Indie, Lo-Fi, Melancholic, Underground, Weird…

Sie möchten Musik hören, von Künstlern wie: Cate Le Bon, Cassandra Jenkins, Voivod, Sarah Mary Chadwick, Roy Montgomery, Talk Talk, Jackson C. Frank, Radiohead, Brian Eno, Alice Coltrane, The Velvet Underground, Fred Neil, Throbbing Gristle,Swans, Tall Dwarfs, Ichiko Aoba, The Dead C, Six Organs Of Admittance, Talulah Gosh, Life Without Buildings.

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SONO Musikgruppe

SONO ist ein Team von Fachleuten, die Künstler/innen unterstützen, indem sie wie eine Familie gemeinsam an Projekten arbeiten, die sie lieben. Sie bieten weltweit ihre Dienste an, fördern Musik und ermutigen zu Aufgeschlossenheit. Ihre Mission ist es, Künstler/innen, Kreative und Musikliebhaber/innen weltweit zusammenzubringen und die Welt lebendiger zu machen als zuvor.

Musikstile: Pop, Hip-Hop, Rap

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👉 Die vollständige Liste der auf Groover verfügbaren Plattenlabels findest du hier 👀.

| Können Musikproduzenten bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen werden?

-Übersetzt von Benjamin Müller-

Um Plattenfirmen zu kontaktieren und sicher zu sein, dass du eine Antwort bekommst, benutze Groover 👇.

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Wichtigste Erkenntnisse

• Plattformen wie Groover, SubmitHub und Playlist Push helfen Indie-Künstlern, ihre Musik an einflussreiche Musikkuratoren und Fachleute zu senden, die im Gegenzug Feedback geben.
• Der Aufbau persönlicher Beziehungen zu Spotify-Playlist-Kuratoren und Bloggern kann die Glaubwürdigkeit und Bekanntheit erheblich steigern.
• Das Einreichen von Musik bei YouTube-Kanälen und Plattenlabels und die Zusammenarbeit mit SoundCloud-Repost-Kanälen kann die Reichweite und das potenzielle Einkommen eines Künstlers erheblich steigern.

Wo anpreisen

Die Reise durch die Musikindustrie kann für einen unabhängigen Künstler überwältigend sein. Lass dich von uns beraten, wie du deine Musik auf verschiedenen Websites und Kanälen effektiv bewerben kannst, um sie bekannter zu machen:

• Auf Musik fokussierte Blogs
• Kuratierte Spotify-Wiedergabelisten
• Einflussreiche YouTube-Kanäle

1. Musik-Submissionsseiten

Websites, die sich auf das Einreichen von Musik spezialisiert haben, ermöglichen es Künstlern, sich an eine Vielzahl von Kuratoren zu wenden, mit dem Ziel, mehr Aufmerksamkeit zu erlangen. Wenn sie strategisch genutzt werden, können diese Dienste wertvolle Verbindungen mit den Machern von Wiedergabelisten herstellen, die zu größeren Chancen und langfristigen Verbindungen führen. Durch die richtige Nutzung dieser Plattformen wird sichergestellt, dass deine Kunst ihr Publikum findet und im breiteren Branchenkontext die Anerkennung erhält, die sie verdient. Zu diesen Einreichungsplattformen gehören u. a:

• Groover
• SubmitHub
• Klangplatte
• Fluence
• Wiedergabeliste Push

Diese Plattformen bieten Künstlern die Möglichkeit, direkt mit Fachleuten wie Musikproduzenten, Radioverantwortlichen und vielen anderen in Kontakt zu treten.

Beispiel: Groover – Ein leistungsfähiges Tool für Musikeinreichungen

Groover ist eine Plattform, die entwickelt wurde, um den Prozess der Musikeinreichung zu rationalisieren und Musikern einen direkten Zugang zu einflussreichen Kuratoren und Branchenexperten zu ermöglichen. Groover ist bekannt für seine Benutzerfreundlichkeit und die große Anzahl an Kuratoren weltweit und ermöglicht es Künstlern, ihre Songs direkt an eine Vielzahl von Musikeinflussnehmern wie Playlist-Erstellern, Bloggern, Plattenlabels und anderen zu senden und garantiert so ein Feedback. Groover hat ein buntes Programm zusammengestellt, zu dem Kontakte wie folgende gehören:

• Plattenlabels
• Talent-Manager
• Konzertveranstalter
• Verleger
• Musik-/Sync-Betreuer

Dieses umfassende Netzwerk bietet Künstlern vielfältige Möglichkeiten, ihre musikalische Arbeit voranzubringen.

Bemerkenswerte Qualitäten

Ein bemerkenswerter Vorteil von Groover ist das Versprechen einer Rückmeldung innerhalb einer Woche. Obwohl jede Einreichung über einen Kontakt auf der Plattform mit einem Startpreis von 2 $ verbunden ist (bezahlt in Grooviz, der virtuellen Währung, die in Groover verwendet wird), ist die Zusicherung, dass du umgehend konstruktive Kritik erhälst- oder dein Geld zurück – ein unschätzbarer Aspekt für jeden Musiker, der in seiner Karriere vorankommen möchte. Die Künstler können ihre Kampagnenstrategien auch nach und nach verfeinern, indem sie sie als Entwürfe vor den Veröffentlichungsterminen speichern, was eine enorme Zeitersparnis darstellt.

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2. Sende deine Musik an Blogs

Die Bemühungen, deiner Musik in der Musikindustrie Gehör zu verschaffen, können belohnt werden, wenn du deine Titel bei einflussreichen Blogs einreichst. Das Vertrauen, das die Leser in die Rezensionen und Empfehlungen dieser Plattformen setzen, kann gar nicht hoch genug eingeschätzt werden, und wenn Blogger einen neuen Song oder Künstler vorstellen, wird ihre treue Fangemeinde zugreifen. Diese Websites eröffnen die Möglichkeit, dauerhafte Beziehungen zu den Türhütern der Branche aufzubauen, und bieten gleichzeitig zusätzliche Möglichkeiten, um die eigene Bekanntheit zu steigern.

Kontakte knüpfen

Für jeden, der seine Arbeit vorstellen möchte, ist es wichtig, gründlich zu recherchieren und nur die Blogger anzusprechen, die seine Musik und seinen Stil am ehesten zu schätzen wissen. Wenn du einen Beitrag verfasst, der die Vorlieben des Zielblogs kennt (sei es nach Genre oder Stimmung), zeigt das sowohl Respekt für die Kuratoren als auch ein authentisches Interesse daran, das Publikum zu erreichen. Hebe daher genau die Gründe hervor, warum deine Songs den Anhängern des Blogs gefallen würden und warum du gerade auf dieser Seite vorgestellt werden möchtest. Eine solche Anpassung der Nachrichten verbessert die Chancen, dass deine Musik nicht nur gehört, sondern auch prominent auf der Plattform präsentiert wird.

3. Nutzung der Spotify-Playlist-Anmeldeformulare

Künstler und Labels, die die Reichweite ihrer Musik erhöhen möchten, können Spotify-Playlists als effektives Instrument nutzen, um mehr Hörer zu erreichen. Damit die Spotify-Redaktionen deine neuen Titel berücksichtigen können, musst du:

1. Greife über einen Desktop-Computer auf die Plattform „Spotify für Künstler“ zu.
2. Suche unter der Registerkarte „Demnächst“ nach deinen demnächst erscheinenden Titeln.
3. Plane deinen Pitch zwischen dem Verbreitungsdatum und dem Veröffentlichungsdatum, da nur unveröffentlichte Musik zur Einreichung berechtigt ist.

Wenn du dich beim Spotify-Team bewirbst, solltest du beachten, dass du nur einen Track pro Bewerbung einreichen kannst und dass dies spätestens sieben Tage vor der offiziellen Veröffentlichung geschehen sollte. Gib in deinem Pitch ausführliche Informationen zu deinem Track an, darunter das Genre, die emotionale Stimmung, die verwendeten Instrumente und mehr, damit die Redakteure der Wiedergabelisten verstehen, warum der Track es verdient, gehört zu werden. Während der Einreichung wirst du durch all diese Details geführt, und du kannst dir hier einen Überblick über den Prozess verschaffen. Trotz der rund 75.000 Künstler, die wöchentlich in Spotify-Playlists vorgestellt werden, bleibt der Wettbewerb hartnäckig. Wenn du dich bei der Einreichung strikt an die Spotify-Richtlinien hältst und in deiner Nachricht relevante und aussagekräftige Informationen über deinen Track angibst, kannst du dich von der großen Anzahl der Einreichungen abheben.

4. Kontaktaufnahme mit unabhängigen Playlist-Kuratoren

Der Aufbau von Kontakten zu Kuratoren unabhängiger Musik-Playlists kann für Künstler, die sich Plätze in einflussreichen Playlists sichern wollen, von entscheidender Bedeutung sein, da viele Kuratoren Playlists hosten, die dieselbe Reichweite und Anhängerschaft haben wie die redaktionellen Playlists von Spotify. Um sie zu finden, starte eine Suche in Spotify mit spezifischen Schlüsselwörtern, die für dein Genre relevant sind, wie z. B. „lofi“ oder „indie pop rock“. Du kannst auch den Bereich „Discovered On“ unter den Profilen vergleichbarer Künstler einsehen, um festzustellen, in welche Wiedergabelisten sie aufgenommen wurden. Bei der Kontaktaufnahme mit diesen Vorreitern ist es wichtig, eine prägnante und persönliche Nachricht zu verfassen, um ihre Aufmerksamkeit zu erregen und ihre Neugier zu wecken. Hier ist, was du bei der Kontaktaufnahme beachten solltest:

• Zeige, dass du ihre Musikvorlieben kennen (Genre, Stimmung, Künstler)
• Schlage vor, die Playlist deiner Fangemeinde vorzustellen
• Setze dich nach der ersten Kontaktaufnahme mit ihnen in Verbindung, da sie oft täglich eine große Anzahl von Titeln einreichen müssen.

Erreichen

Da diese Kuratoren normale Spotify-Nutzer wie du und ich sind und nicht mit der Plattform verbunden sind, gibt es viele Möglichkeiten, mit ihnen in Kontakt zu treten. Wenn du sie über soziale Medien (TikTok, Instagram) entdeckt hast, kannst du ihnen eine Direktnachricht an ihr Konto schicken. Wenn du ihre Website gefunden hast, versuche, ihre E-Mail zu finden. Sei kreativ, wenn es um die Kontaktaufnahme geht!

5. Musik bei Plattenfirmen einreichen

In der Musikbranche streben unabhängige Künstler oft danach, den begehrten Plattenvertrag zu unterzeichnen, der für ihren Erfolg so wichtig ist. Ganz gleich, ob du einen Plattenvertrag anstrebst, um deine Karriere anzukurbeln, oder ob du einfach nur Hilfe beim Vertrieb benötigst, es kann nicht schaden, sich bei Labels zu bewerben und zu sehen, was dabei herauskommt.

Ausschau halten

Bevor du deine Musik verschickst, solltest du sicherstellen, dass sie vollständig produziert, abgemischt und gemastert (oder für das Mastern vorbereitet) ist. Recherchiere gründlich über potenzielle Labels, um sicherzustellen, dass ihre musikalischen Vorlieben und deine Arbeit gut zueinander passen. So erhöhst du die Chancen, das Interesse des Labels zu wecken. Wenn du bereit bist, deine Demos weiterzugeben,verwende private Streaming-Links, anstatt Dateien an E-Mails anzuhängen. Vermeide außerdem die Kontaktaufnahme über soziale Medien. Anders als bei der Kontaktaufnahme mit Indie-Kuratoren solltest du dich bei der Kontaktaufnahme mit einem Label an formellere Kommunikationsmittel halten.

Wenn du mehrere Wochen nach der Einreichung keine Antwort erhalten haben, zögere nicht, eine respektvolle Nachfass-E-Mail zu schicken. Eine Ablehnung sollte dich nicht entmutigen. Nimm sie vielmehr als konstruktives Feedback, um sowohl dein Handwerk als auch deine Herangehensweise an die verschlungenen Pfade dieser Wettbewerbslandschaft zu verfeinern. Das Absenden des Pitches ist bereits ein kleiner Gewinn.

6. YouTube-Kanäle

Um dein Publikum deutlich zu erweitern, solltest du deine Musik bei bekannten YouTube-Kanälen einreichen, damit sie in deren Musikvideos und öffentliche Wiedergabelisten aufgenommen werden kann. YouTube-Musikkanäle erreichen im Stillen weiterhin Tausende, manchmal Millionen von Aufrufen und haben einige Wiedergabelisten in den Mainstream katapultiert (z. B. Lofi Girl). Zu den wichtigsten Kanälen gehören:

• Monstercat Uncaged
• UKF Dubstep
• Loudwire
• Furchtlos Records
• Majestätisch Lässig
• Bandit Tunes
• WaveMusic
• IndieAktuell

Es ist wichtig, sich die entsprechenden Kontaktdaten für diese Plattformen zu beschaffen, denn jede Plattform hat ihre eigenen Regeln und Verfahren für die Einreichung von Songs. Monstercat Uncaged zum Beispiel kann unter press@monstercat.com kontaktiert werden, während UKF Dubstep einen speziellen Link für Song-Einreichungen bereitstellt.

7. SoundCloud Repost-Kanäle

Repost-Kanäle auf SoundCloud bieten aufstrebenden Produzenten eine hervorragende Möglichkeit, ihre Reichweite zu erhöhen und eine größere Hörerbasis zu gewinnen. Durch die Nutzung von Repost-Ketten können Künstler ihre Tracks gegenseitig mit ihrem Publikum teilen und so ihre Bekanntheit erhöhen.

Beliebte Kanäle wie Future Bass, Beats & Culture und Rap Nation sind gute Beispiele dafür, wo Künstler ihre Musik einreichen können. Auch hier gilt: Achte darauf, wie diese Seiten die Einsendungen entgegennehmen wollen. Future Grams stellt Details direkt auf ihrer SoundCloud-Seite zur Verfügung, während die Einreichungsinformationen für Beats & Culture und Rap Nation über ihre Facebook-Seiten verfügbar sind. Wenn du dich genau an die Richtlinien der einzelnen Kanäle für die Einsendungen hältst, wird das Leben derjenigen, die deine Musik bewerten, sehr viel einfacher und ermöglicht eine reibungslose Kommunikation, falls sie sich entscheiden, deine Musik erneut zu veröffentlichen. Du willst Beziehungen aufbauen, also lasse deinen ersten Kontakt mit ihnen nicht zu einer Belastung für sie werden.

8. Direkte Handouts über USB

Das Verteilen von individuellen USB-Laufwerken mit Ihrer Musik bei Live-Veranstaltungen kann einen unvergesslichen Eindruck hinterlassen und wird häufiger gemacht, als man denkt. Lade ein paar Songs sowie eine Datei mit deiner Künstlerbiografie und Kontaktinformationen hoch und gib sie an Branchenvertreter weiter, von denen du glaubst, dass sie sie in die richtigen Hände geben können. Noch besser ist es, wenn du es schaffst, mit deinem Lieblingskünstler oder seinem Manager zu sprechen, gib es ihnen. Benenne deinen USB-Stick mit einem einprägsamen Namen, damit er nicht auf dem Schreibtisch verloren geht!

9. Einreichen bei Musikbibliotheken

Musikbibliotheken können eine lukrative Einnahmequelle in Form von Synchronisationsgebühren und Tantiemen sein, wenn Künstler ihre Musik eingereicht haben, die dann in Medien wie Filmen, Fernsehsendungen oder Videospielen verwendet wird. Diese Bibliotheken ermöglichen es Musikverantwortlichen, in ihrem Katalog nach Musik zu suchen, die sie in ihre Produktionen einbauen möchten. Diese Platzierungen bieten nicht nur Vorabzahlungen, sondern auch laufende Tantiemeneinnahmen. Da es sich um einen offenen Katalog handelt, bist du weniger gezwungen, deine Musik vorzuschlagen – sie muss lediglich akzeptiert werden, nachdem sie angehört wurde.

Unabhängige Künstler können davon profitieren, ihre Tracks bei verschiedenen nicht-exklusiven Musikbibliotheken einzureichen, da sie dadurch ihre Bekanntheit erhöhen und gleichzeitig die Kontrolle über ihren Katalog behalten. Die Möglichkeit, Songs kontinuierlich und ohne Einschränkungen an neue Interessenten weiterzugeben, macht diese Plattformen zu attraktiven Optionen für Künstler, die ihre Reichweite und ihren finanziellen Gewinn erhöhen wollen.

10. In Podcasts und Radiosendungen vorgestellt werden

Wenn du dich mit deiner Musik an die Moderatoren von Podcasts wenden, ist das eine Möglichkeit, sie in deren Episoden unterzubringen. Podcaster benötigen in der Regel eine spezielle Lizenz, um deine Musik zu veröffentlichen, da sie sich nicht auf die allgemeinen Lizenzen verlassen können, die AM/FM-Sender verwenden, also stelle sicher, dass deine Musikrechte in Ordnung sind. Für Podcasts mit einem größeren Bekanntheitsgrad und einer größeren Fangemeinde kannst du auch Musik komponieren, die speziell für diese Sendungen zugeschnitten ist. Die Aufnahme in einen Podcast würde eine kontinuierliche Werbung bedeuten, da Podcasts nach ihrer ersten Veröffentlichung unbegrenzt verfügbar sind.

Die organische Werbung, die ein Platz in einem beliebten Podcast oder einer Sendung mit sich bringt – vor allem in solchen, die von renommierten Labels und anerkannten Künstlern betrieben werden – kann die Reichweite eines Künstlers erheblich vergrößern.

Zusammenfassung

In der komplexen Landschaft der Musikindustrie können unabhängige Künstler viel erreichen, wenn sie verschiedene Plattformen und Wege strategisch nutzen, um ihre Musik zu bewerben. Ob durch die Zusammenarbeit mit Blogs, die Aufnahme in Spotify-Wiedergabelisten oder die Nutzung der (schlafenden) Macht von YouTube-Kanälen und anderen Musikbibliotheken – diese Wege bieten Künstlern reichlich Gelegenheit, ihrer Musik Gehör zu verschaffen.

Denke daran, Richtlinien zu befolgen, Nachrichten zu personalisieren und deine Musik anschaulich zu beschreiben. Recherchiere im Vorfeld, an wen du dich wendest, und nimm nur Kontakt auf, wenn du das Gefühl hast, dass es gut passt. Gib immer auch deine Kontaktdaten an!

Häufig gestellte Fragen

Was ist Groover?

Groover dient als Promotionsplattform für Musik, die es Künstlern ermöglicht, direkt mit prominenten Kuratoren und Experten aus der Branche in Kontakt zu treten. Dies erleichtert es ihnen, ihre Tracks anzuhören und gleichzeitig innerhalb einer Woche wertvolles Feedback zu erhalten. All dies geschieht online über die Website.

Wie kann ich meine Musik für Spotify-Wiedergabelisten einreichen?

Künstler können ihre unveröffentlichten Tracks direkt an die Spotify-Redaktion senden, damit diese sie in eine Wiedergabeliste aufnehmen kann. Logge dich dazu in Spotify für Künstler ein, navigiere zum Bereich „Upcoming“, in dem deine neue Musik aufgelistet ist (nachdem du sie zur Verbreitung eingereicht hast), und stelle sicher, dass du beschreibende Details zu deinem Titel bereitstellst und sich dabei strikt an die vorgegebenen Einreichungsrichtlinien hälst, z. B. an die Wortzahl.

Welche sind beliebte YouTube-Kanäle für Musikbeiträge?

Entdecke Kanäle wie Monstercat Uncaged, UKF Dubstep und IndieCurrent auf YouTube und stöbere auch in den vorgeschlagenen Wiedergabelisten.

Was sind die Vorteile, wenn ich Musik in Blogs einstelle?

Blogger haben ein sehr treues Publikum, das ihrer Meinung und ihrem Fachwissen vertraut. Wenn du also von einem Musikblog vorgestellt wirst, kann dein Projekt ins Blickfeld von Menschen geraten, die zu echten Fans werden könnten. Die persönliche Ansprache von genrespezifischen Bloggern, wenn du deine Musik einreichst, kann die Wahrscheinlichkeit erhöhen, dass du vorgestellt wist, und verschafft dir somit Aufmerksamkeit und Glaubwürdigkeit sowie Zugang zu einem Publikum, das sich auf ihre vertrauenswürdigen Bewertungen und Empfehlungen verlässt.

Wie kann ich meine Musik in Podcasts und Radiosendungen vorstellen?

Indem du direkt mit Podcast-Moderatoren Kontakt aufnimmst oder Musik für bestehende Sendungen produzierst, kannst du dir Beiträge in Podcasts und Radiosendungen sichern, um deren Bekanntheitsgrad zu erhöhen. Noch einfacher ist es, wenn du die Kuratoren direkt über Groover kontaktierst, damit du sicher sein kannst, dass deine Bemühungen nicht vergeblich sind.

Wir wünschen dir viel Erfolg bei deinen musikalischen Unternehmungen!

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Fangen Sie jetzt an, Ihre Musik zu promoten!

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Die großen Plattenfirmen wie Universal Music Group, Sony Music und Warner Music Group (auch bekannt als die großen Drei) haben A&R-Teams, die oft nach Genres getrennt sind. Ein unabhängiges Plattenlabel hingegen hat vielleicht nur einen A&R-Vertreter, der für die Suche nach Künstlern und Künstlerinnen zuständig ist, je nach Größe des Labels.

1. Verstehe ihren Entdeckungsprozess

Bevor du deine Musik bei jemandem einreichst, solltest du wissen, wie sie Künstler/innen finden, damit du dich entsprechend positionieren kannst. A&R-Vertreter scouten neue Talente durch:

• Neue Musik auf Streaming-Plattformen anhören und entdecken
• Besuche von Live-Shows und Festivals
• Soziale Medien und Presseseiten nach Personen durchsuchen, die Aufmerksamkeit erregen
• Anhören von Demos, die Künstler an ihr Label schicken
• Mundpropaganda

Wenn sie sich für jemanden interessieren, wenden sie sich oft über soziale Medien oder per E-Mail an die Künstler selbst. Um das Interesse eines A&Rs zu wecken, musst du nicht tonnenweise Streams haben, nur authentische Musik! Achte also darauf, dass deine Kontaktinformationen auf all deinen Social-Media-Seiten leicht zugänglich sind.

2. Worauf achten A&Rs bei neuen Talenten?

Sicherer Umgang mit sozialen Medien

Je gesättigter die Branche ist, desto wählerischer müssen die Labels sein, wenn sie Künstler unter Vertrag nehmen. Jetzt, wo TikTok einen Hit nach dem anderen von kleineren Künstlern hervorbringt, sind die Labels gezwungen, darauf zu achten, wer bereit ist, sich selbst und ohne Hilfe eine Fanbase aufzubauen. Die Realität sieht leider so aus: Je besser es dir gelingt, eine Online-Community aufzubauen und deine Musik bekannt zu machen, desto wahrscheinlicher ist es, dass du von einem Label kontaktiert wirst. Für sie ist es weniger riskant, denn sie wissen, dass die Ressourcen, die sie für einen Künstler ausgeben, nicht umsonst sind, wenn bereits eine solide Grundlage vorhanden ist.

Definierter, aber anpassungsfähiger Look und Sound

A&Rs suchen nach Künstlern und Songwritern, von denen sie glauben, dass sie gut in ihr aktuelles Roster passen, etwas Neues auf den Tisch bringen und gleichzeitig einen vertrauten Musikstil haben. Du musst nicht völlig ausgereift sein, um einen Vertrag zu bekommen. Es ist sogar besser, wenn du weißt, in welche Richtung du in Bezug auf deinen Look und deinen Sound gehen möchtest, aber noch Raum für Wachstum hast. Die Labels wollen wissen, dass sie dich immer noch zu dem Künstler formen können, den sie sich für dich vorstellen.

Selbstständigkeit und Bewusstsein

Als Künstler/in musst du nicht alles alleine können, auch wenn das für Labels sehr attraktiv ist. Je weniger Arbeit sie haben, desto mehr sind sie daran interessiert, dich in ihr Team aufzunehmen. Denn je mehr Hüte du aufsetzen kannst, desto mehr Wert bringst du mit. Wenn du nicht nur performen, sondern auch schreiben, produzieren, abmischen, selbst vermarkten, Inhalte erstellen oder eine beliebige Kombination dieser Fähigkeiten hast, hast du einen großen Vorteil gegenüber anderen Künstlern.

Das bedeutet auch, dass du deine blinden Flecken kennst. Schließlich sind A&Rs und Labels dazu da, dir zu helfen, dich weiterzuentwickeln und dir die dafür notwendigen Ressourcen zur Verfügung zu stellen. Wenn du bereits weißt, in welchen Bereichen du dich verbessern musst (Abmischung und Mastering deines Songs, dein visuelles Erscheinungsbild usw.), wird es viel einfacher sein, die Hilfe zu bekommen, die du brauchst, um ein abgerundeter Musiker zu werden – und das ist ein Gewinn für alle Beteiligten!

Eine Geschichte zu erzählen

Sowohl das Publikum als auch die Labels lieben eine gute Geschichte. Das ist keine Voraussetzung, aber ein interessanter Hintergrund oder ein interessantes Lebensereignis, das dich dazu gebracht hat, Künstlerin oder Künstler zu werden, ist etwas, das bei den Leuten hängen bleibt. Wenn du bei den Menschen in deinem Umfeld Emotionen hervorrufen kannst, werden sie dich noch mehr unterstützen wollen.

3. Wie man mit A&Rs in Kontakt kommt und ihnen Musik vorlegt

Worauf wir alle gewartet haben! Es ist durchaus möglich, mit A&Rs in Kontakt zu kommen, ohne dass sie dich vorher angesprochen haben. Dinge, die du vorbereitet haben solltest:

• Demos oder veröffentlichte Musik (ein Muss)
• Künstler-Bio(ein Muss)
• Links zu allen Streaming-Seiten(ein Muss)
• Links zu allen Social-Media-Seiten (ein Muss, auch wenn sie klein sind)
• Filmmaterial/Fotos von vergangenen Auftritten (falls vorhanden)
• Liste der Medienberichterstattung/Presse (falls vorhanden)
• Elektronische Pressemappe (falls vorhanden)

Die meisten Plattenfirmen haben ein Kontaktformular oder eine E-Mail, über die man sich für allgemeine Anfragen melden kann. Wenn du sichergehen willst, dass deine Musik gehört wird, musst du ein bisschen tiefer graben. Versuche, die Kontaktinformationen bestimmter A&R-Vertreter/innen des Labels zu finden. Recherchiere, mit welchen Künstlern sie zusammengearbeitet haben, um herauszufinden, wer von ihnen am meisten an dir interessiert sein könnte. Wenn du deine Wahl getroffen hast, kannst du in der beruflichen Biografie, auf LinkedIn oder in den sozialen Medien nach einer E-Mail suchen, die du kontaktieren kannst, oder du kannst sie direkt auf der Plattform, auf der du sie gefunden hast, anschreiben. Wenn du Probleme hast, die E-Mails von A&R-Vertretern zu finden, schau dir die A&R-Vertreter auf Groover an. Sie werden deine Nachricht garantiert sehen, und unser Formular führt dich durch die Assets, die du ihnen schicken solltest, damit du nichts verpasst.

Verfassen deiner Nachricht

Wir können es nicht oft genug betonen: Fasse dich kurz. A&Rs werden jeden Tag mit Nachrichten überflutet, also fasse dich kurz und bündig. Füge die oben erwähnte Liste von Unterlagen bei und halte sie optisch sauber, indem du Hyperlinks verwendest! Das sind Links, die in deiner E-Mail eingebettet sind und direkt angeklickt werden können. Wenn du erwähnst, dass du auf Streaming-Plattformen erfolgreich bist, verlinke deine Spotify-Seite mit den Worten „Streaming-Plattformen“. Das bedeutet weniger Arbeit für den A&R und du wirst als gut organisiert und als jemand angesehen, mit dem es sich lohnt, zusammenzuarbeiten.

Möglicherweise wendest du dich an eine große Anzahl von Menschen – lass sie das nicht wissen. Gestalte deine Nachricht individuell für die Person, die du ansprichst. Du kannst durchaus die gleiche Vorlage für alle deine E-Mails verwenden, aber mach sie nicht so allgemein, dass die Person merkt, dass sie eine von vielen ist und du bereit bist, jede Gelegenheit wahrzunehmen, die sich dir bietet, egal wer es ist. Lass sie wissen, warum du mit ihnen zusammenarbeiten möchtest.

Nachfassen

Es ist in Ordnung, wenn du keine Antwort bekommst! Das ist ganz normal bei der großen Menge an Künstlernachrichten, die die A&Rs sichten müssen. Wenn du Lust hast, kannst du ihnen nach ein oder zwei Wochen eine weitere Nachricht schicken (ohne sie zuzuspammen). Denke daran: Wenn du eine Absage erhältst, sprichst du mit der falschen Person!

Jetzt, da du alle Werkzeuge hast, die du brauchst, um deine Musik bei A&Rs einzureichen, ist es an der Zeit, dich an die Arbeit zu machen! Schicke deine Musik an Profis in der Branche und erhalte garantiertes Feedback und potenzielle Möglichkeiten durch Groover.

Musik an A&Rs senden auf Groover ⬇️

Hier findest du alles, was du darüber wissen musst, wie du deine Musik bei A&R einreichst und wie du mit ihnen in Kontakt trittst.

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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