Aber was ist Showcase? Wie funktioniert es und wie kann es deiner Musikkarriere nützen?

In diesem Leitfaden werden wir all diese Themen und noch viel mehr behandeln, damit du das Beste aus dem Showcase herausholen kannst. Lasst uns eintauchen 👇

1. Was ist Spotify Showcase?

Spotify hat vor kurzem sein brandneues Werbetool namens „Showcase“ vorgestellt.

Kurz gesagt ist Showcase ein mobiles Banner, das oben auf der Spotify-Startseite angezeigt wird. Es zeigt alles an, was du willst, von einem klassischen Album bis zu einer aktuellen Veröffentlichung.

Sie erscheint als gesponserte Empfehlung, ähnlich wie bei Instagram:

Und das Beste ist, dass du die Schlagzeile an die Veröffentlichung, für die du wirbst, anpassen kannst! Möchtest du eine bevorstehende Show ankündigen? Warum schreibst du nicht „Auf Tournee“. Oder wenn du einen Hype für eine bevorstehende Veröffentlichung aufbauen willst, könntest du etwas schreiben wie „Veröffentlicht bald Musik“.

Basierend auf deinen Kampagneneinstellungen wird Spotify deinen Showcase automatisch an mögliche Hörer weiterleiten. Das können „alte“ Hörer sein, die deine Musik in letzter Zeit nicht gehört haben, oder neue Hörer, die dich noch nie gehört haben.

Showcase kommt inmitten einer Studie von Spotify, die zeigt, dass „Katalog“-Tracks und Charts mehr denn je:

Spotify definiert einen „Katalog“-Titel als einen Titel, der älter als 18 Monate ist. Nach diesem Zeitraum geht Spotify davon aus, dass er in den Katalog des Künstlers aufgenommen wurde.

Aus diesem Grund wurde Showcase geschaffen, um Künstlern und ihren Teams mehr Flexibilität zu geben, welche Titel sie wann und für wen bewerben können.

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Hast du bereits Tracks auf Spotify, aber sie bekommen nicht die Aufmerksamkeit, die du dir erhofft hast?

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2. So richtest du Spotify Showcase ein

Wie geht man also vor, wenn man eine Showcase-Kampagne einrichten will?

Zum Zeitpunkt der Erstellung dieses Artikels ist Spotify Showcase nur für Künstler mit Sitz in den USA verfügbar.

Dies wird sich jedoch in Zukunft sicherlich ändern, und du kannst diese Seite besuchen, um die vollständige Liste der verfügbaren Märkte zu überprüfen (mehr dazu später). Wenn du tatsächlich in den USA bist, dann gehe zur Registerkarte Showcase in Spotify für Künstler. Dort kannst du deine eigene Showcase-Kampagne konfigurieren und starten.

In der Praxis beginnt eine Showcase-Kampagne bei 100 USD. Jedes Mal, wenn jemand auf dein Banner klickt, wird ein Teil deines Budgets ausgegeben. Die Laufzeit beträgt maximal 14 Tage, oder kürzer, wenn dein Budget bereits aufgebraucht ist.

Spotify schließt außerdem alle Personen von der Kampagne aus, die sich deine Veröffentlichung bereits angehört haben.

3.Wann solltest du Spotify Showcase verwenden?

Hier sind einige Möglichkeiten, wie du Showcase nutzen kannst, um deine Musik zu promoten:

• Du hast in nächster Zeit keine neuen Veröffentlichungen? Warum bewirbst du nicht einen alten Titel, um deine Hörer wieder anzusprechen?
• Hast du einen „saisonalen“ Titel (z. B. einen Sommerknaller oder ein Weihnachtslied)? Nutze Showcase, um ihn bekannt zu machen.
• Möchtest du das einjährige Jubiläum deiner ersten Single feiern? Dann nutze Showcase dafür!
• Haben die Streams einer neuen Veröffentlichung nachgelassen? Warum gibst du ihr nicht einen Schub mit einem Showcase-Banner?

| Lies auch: Wie bekommt man mehr Streams?

Wie du wahrscheinlich schon verstanden hast, geht es bei Showcase nicht nur darum, „welche“ Titel du bewirbst. Es geht auch um die Frage, „für wen“ du sie bewerben wirst.

Zum Glück macht Spotify die Sache einfach und teilt das potenzielle Publikum von Showcase in 3 Gruppen ein:

• Engagement mit dem Publikum, d.h. „aktive Zuhörer“. Hier wird das Showcase-Banner vor deine aktive Zuhörerschaft geschoben. Du kannst die genaue Mischung aus Super-Hörern, moderaten Hörern und leichten Hörern wählen.
• Reaktivierung des Publikums, d. h. der „alten Hörer“. In diesem Fall wendet sich Showcase an Hörer, die dir früher zugehört haben, aber jetzt nicht mehr.
• Zuwachs der Hörerschaft, d. h. „potenzielle neue Hörer“. Schließlich kannst du dich auch dafür entscheiden, Spotify zu vertrauen, um mögliche neue Hörer deiner Musik anzusprechen.

Interessant ist auch, dass du pro Showcase-Kampagne nur einen Markt (d. h. ein Land) ansprechen kannst.

4. Wie misst man die Effektivität von Spotify Showcase?

As with all marketing campaigns, the idea is only as good as the result.

So, what kind of metrics does Spotify Showcase offer you?

Spotify unterteilt diese Metriken in 3 Bereiche:

• Verstärkte Zuhörer: Das sind bereits aktive Hörer deiner Musik, die sich entschließen, deine Veröffentlichung zu streamen, nachdem sie den Showcase-Banner gesehen haben.
• Reaktivierte Zuhörer: Hörer, die aufgehört hatten, deine Musik zu hören, aber nach der Showcase-Kampagne wieder zu aktiven Hörern wurden.
• Neue aktive Hörer: das sind neue Hörer, die deine Musik noch nie gehört haben. Nach der Showcase-Kampagne haben sie zum ersten Mal deine Musik gestreamt.

5. Verfügbarkeit und Anspruchsberechtigung

Wie bereits erwähnt, ist Spotify Showcase gerade erst eingeführt worden. Das bedeutet, dass es derzeit nur für Künstler mit Sitz in den USA verfügbar ist.

Außerdem ist die Anzahl der Märkte, die du ansprechen kannst, begrenzt.

Ein bemerkenswerter Ausschluss ist hier der asiatische Markt: Du kannst mit Showcase keine Hörer aus asiatischen Ländern ansprechen. Die vollständige Liste der Märkte findest du hier.

Ein weiteres Kriterium für die Förderfähigkeit ist die Anzahl der Streams. Um eine Spotify-Showcase-Kampagne zu erstellen, muss du im letzten Monat mindestens 1.000 Streams gehabt haben.

Schlussfolgerung

Das war’s mit dieser Anleitung zum neuen Spotify Showcase-Tool. Wir hoffen, dass er dir nützlich war und dass wir alle deine Fragen beantwortet haben.

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Du willst deine Musik promoten? ⬇️

Was halten Sie von Spotify Showcase? Haben Sie es bereits genutzt oder haben Sie es vor? Lassen Sie es uns in den Kommentaren unten wissen! 👇

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Und wenn es um das Branding eines Künstlers geht, bezieht sich die „Verpackung“ auf all die verschiedenen Möglichkeiten, wie du dich deinem Publikum präsentierst. Logo, Farben, Tonfall… All diese Elemente tragen dazu bei, eine Geschichte rund um deine Musik zu erzählen.

In diesem Artikel erfährst du alles, was du über Artist Branding wissen musst! Bist du bereit? Lasst uns eintauchen 👇

1. Was ist Branding?

Bevor wir tiefer eintauchen, sollten wir erforschen, was Markenbildung eigentlich ist. Wir alle haben eine Vorstellung davon, was Marken sind. Aber eine genaue Definition zu geben, ist schon etwas schwieriger.

Eine Marke ist definiert als „ein Name, ein Begriff, ein Design, ein Symbol oder ein anderes Merkmal, das die Waren oder Dienstleistungen eines Verkäufers von denen anderer Verkäufer unterscheidet“. (Wikipedia).

Zu den Komponenten einer „Branding“-Strategie gehören Produktdesign, Markenidentität, Kommunikationsstil und „jede andere Technik, die darauf abzielt, einen bleibenden Eindruck in den Köpfen der Kunden zu hinterlassen“.

Wir denken oft an Branding im Zusammenhang mit Unternehmen, aber in Wahrheit sind alle diese Konzepte auch auf ein Musikprojekt anwendbar. Das Logo einer Band, die Art und Weise, wie sie mit ihren Fans kommunizieren, die Art der Fotos, die sie auf Instagram posten… All diese Elemente tragen zum Branding eines Künstlers bei.

Ist deine Musik bereit, veröffentlicht zu werden? Dann ist es an der Zeit, eine Werbestrategie zu entwickeln! Der beste Weg, dies zu tun, ist, Playlist-Kuratoren, Radiosender, Medien, Plattenlabels zu kontaktieren…

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2. Erstens: Definiere, wofür deine Marke steht

In der Einleitung haben wir erwähnt, dass dein Künstler-Branding eine Geschichte rund um deine Musik vermitteln soll. Stell dir also folgende Frage: Was ist die Geschichte, die du erzählen willst?

Wofür steht dein musikalisches Projekt? Willst du deinen Zuhörern Freude und Liebe bringen? Oder ist deine Musik dunkel und introspektiv? Oder ist sie vielleicht eher leicht und sollte nicht zu ernst genommen werden?

Wie auch immer, du musst ein paar Schlüsselwörter definieren, für die dein Musikprojekt steht. Natürlich geschieht dies nicht in einem Vakuum. Deine Marke ist eng mit der Musik verbunden, die du machst. Wenn du dir nicht sicher bist, wie du deine Marke positionieren sollst, frage ein paar Freunde, wie sie deine Musik beschreiben würden. Nutze diese Worte als Sprungbrett, um dein Markenimage zu entwickeln.

Sobald du ein paar Worte zur Beschreibung deiner Musik gefunden hast, ist es an der Zeit, zum eigentlichen Branding überzugehen.

3. Erschaffe deine visuelle Identität

Der offensichtlichste Teil einer jeden Marke ist ihr Logo. McDonalds, Coca-Cola, Apple… Wenn man an diese Marken denkt, kommt einem sofort ein Bild in den Sinn.

Dasselbe Ziel sollte auch mit deiner Musik verfolgt werden. Wenn die Leute deinen Band- oder Künstlernamen hören, sollten sie sofort ein Bild im Kopf haben.

Als Künstler kannst du entweder dein eigenes Logo entwickeln oder ein Bild von dir oder deiner Band verwenden. In beiden Fällen sollte deine visuelle Identität die Worte vermitteln, die du in Schritt 1 identifiziert hast.

Schauen wir uns zwei Beispiele an. Als Skrillex 2010 auf den Plan trat, konnte man seine Musik als „extrem“, „chaotisch“ und sogar „futuristisch“ bezeichnen. Zu dieser Zeit war dies das Logo, das er verwendete:

Wir können deutlich sehen, wie dieses Logo seine Musik perfekt verkörpert.

Ein weiteres Beispiel ist die Band The National. The National sind bekannt für ihren stilvollen, eleganten und ernsthaften Indie-Rock. Wenn wir uns ihre Bandfotos ansehen, sehen wir sie ganz in Schwarz gekleidet und selten lächelnd:

Sobald du dich für ein Logo oder Bild entschieden hast, achte darauf, dass du es in allen deinen sozialen Medienkanälen einheitlich verwendest. Dazu gehören Facebook und Instagram, aber auch Plattformen wie Spotify, Soundcloud und Apple Music. Das Ziel ist es, sofort wiedererkennbar zu sein.

Allerdings geht deine visuelle Identität über dein Logo hinaus. Wirf einen Blick auf den Instagram-Account des House-Produzenten Oliver Schories:

Der Schwarz-Weiß-Filter wurde bewusst gewählt, um ein nüchternes und seriöses Bild zu vermitteln. Wenn du deine visuelle Identität definierst, denke über die verwendeten Farben und die Typografie nach. All diese Entscheidungen sollten die Worte, die du in Schritt 1 definiert hast, verstärken.

4. Wähle deinen Tone of voice

Der “ Tone of Voice “ ist ein Marketingbegriff, der die Sprache definiert, in der sich ein Unternehmen ausdrückt. Dazu gehören nicht nur die Worte, die es verwendet, sondern auch die Art und Weise, wie es mit seinen Kunden spricht.

Im Zusammenhang mit dem Branding eines Künstlers umfasst dein „Tone of Voice“ auch, wie du mit deinen Zuhörern kommunizierst. Wie drückst du dich auf deinen sozialen Kanälen aus? Ist es lustig und scherzhaft? Oder ernst und geheimnisvoll?

Wenn wir uns Fred Again, einen der derzeit populärsten elektronischen Künstler, ansehen, ist sein Kommunikationsstil sehr ausgeprägt:

Wir könnten diesen Kommunikationsstil als „aufgeregt“, „roh“ und „ungefiltert“ bezeichnen. Dieser Tonfall trägt dazu bei, dass Fred Again ein sehr sympathischer Künstler ist, mit dem sich die Menschen identifizieren können.

Wenn du über deinen Tone of Voice nachdenkst, denke daran, wie du natürlich kommunizierst.

Billie Eilish zum Beispiel schreibt selten Bildunterschriften zu ihren Instagram-Posts. Allerdings postet sie eine Menge zufälliger Fotos, die ihr Universum vermitteln.

Postest du lieber Bilder und kurze Bildunterschriften auf Instagram? Oder bevorzugst du lange Debatten auf Twitter? Je natürlicher dein Tonfall ist, desto einfacher wird es sein, ihn beizubehalten. Wähle nicht irgendeinen Tonfall, nur weil du ihn cool findest. Wähle etwas, das zu deiner eigenen Persönlichkeit passt. So fällt es dir leichter, konsistent zu bleiben.

5. Was ist das Endergebnis

Die Wahrheit ist, dass die Menschen eine Verbindung zu einer Person herstellen wollen, nicht nur zu einem Künstler. Und je mehr sie über dich wissen, desto mehr werden sie sich mit dir verbinden. Das bedeutet jedoch nicht, dass du jeden Aspekt deines persönlichen Lebens in den sozialen Medien teilen musst. Aber je mehr du mit deinem Publikum kommunizierst, desto mehr wird es sich mit dir und deiner Musik identifizieren.

Ein großartiges Konzept, das von Gary Vee populär gemacht wurde, ist „Dokumentieren vs. Erstellen“. Dabei geht es darum, mehr Zeit auf die Dokumentation der Reise zu verwenden als auf die Erstellungsphase.

Anstatt nur ein einziges Mal auf Instagram zu posten, wenn dein Song erschienen ist, dokumentiere die Entstehungsgeschichte des Songs. Poste Bilder hinter den Kulissen, Videos von Aufnahmesitzungen, Auszüge aus dem Song, wie er sich entwickelt usw. Das wird deinem Publikum helfen, sich mit dir auf einer persönlicheren Ebene zu verbinden.

Das war’s mit diesem Ratgeber zum Thema Artist Branding!

Damit ist unser Leitfaden zum Thema Künstler-Branding abgeschlossen! Wir hoffen, dass wir euch einige Richtlinien an die Hand geben konnten, um über euer eigenes Künstler-Branding nachzudenken.

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Bist du bereit, deine Musik mit Playlists, Radiosendern und Leuten aus der Musikindustrie zu teilen? Los geht’s 👇

Was sind deiner Meinung nach die wichtigsten Elemente der Marke eines Künstlers? Lass es uns in den Kommentaren unten wissen 👇

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Tatsächlich kann die Zusammenarbeit mit anderen Musikern dir helfen, Songs schneller fertigzustellen und dein Publikum zu vergrößern!

Alles, was du wissen musst, sind ein paar bewährte Praktiken, wenn du andere Musiker auf eine Zusammenarbeit ansprichst. Genau das werden wir in diesem Leitfaden behandeln. Bist du bereit? Lasst uns eintauchen 👇

1. Persönlich auf Menschen zugehen

Wenn du jemanden für eine Kooperation in Sachen Musik ansprichst, solltest du einige Dinge bedenken.

Versuche erstens, mit jemandem zusammenzuarbeiten, mit dem du dich bereits gut verstehst.

Das ist vielleicht nicht immer möglich, wenn man sich noch nie zuvor getroffen hat. Aber selbst durch Nachrichten oder einen kurzen Anruf kannst du ein Gefühl für eine Person bekommen. Wenn du keine Verbindung spürst, zieh weiter. Das wird dir später eine Menge Kopfschmerzen ersparen.

Als Nächstes solltest du darauf achten, dass du persönlich auf die Musiker zugehst. Schließlich sind Musiker Menschen wie jeder andere auch.

Das bedeutet, dass du, wenn du jemanden ansprichst, darauf achten musst, dass deine Botschaft auf ihn zugeschnitten ist. Kopiere nicht dieselbe Nachricht an 10 verschiedene Personen – sie werden es bemerken. Hinterlasse auch nicht einfach einen Kommentar zu ihrem letzten Instagram-Post, in dem du sagst: „Ich würde gerne mit dir zusammenarbeiten!“.

Wenn du wirklich an einer musikalischen Zusammenarbeit interessiert bist, nimm dir die Zeit, ihnen eine persönliche Nachricht zu schreiben, in der du darlegst, warum du mit ihnen zusammenarbeiten möchtest und was du hoffst, dass sie speziell zu dem Projekt beitragen können.

2. Arbeitet auch nach der Veröffentlichung zusammen!

Gemeinsam schaffen, gemeinsam fördern. Schließlich geht das Musikerdasein über das bloße Schreiben von Musik hinaus.

Da ihr beide euer jeweiliges Publikum habt, solltet ihr sicherstellen, dass ihr beide vor und nach der Veröffentlichung für euren Song werbt.

Ihr könnt euch z. B. bei jedem Instagram-Post als „Mitwirkende“ eintragen, damit ihr auf dem Profil des anderen erscheint. Ansonsten könnt ihr abwechselnd über die Veröffentlichung posten, um die Reichweite zu maximieren.

Was auch immer der Fall ist, stellt sicher, dass ihr im Voraus einen Plan habt, um den Song zu bewerben. Ein wichtiger Bestandteil einer erfolgreichen Musikmarketingstrategie ist es, in den beliebtesten Spotify-Wiedergabelisten vertreten zu sein.

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3. Biete eine Idee/Entwurf für den Anfang an

Wenn es an der Zeit ist, zusammenzuarbeiten, stellt sich eine Frage mehr als jede andere: „Wer soll mit dem Song beginnen“? Oder anders ausgedrückt: Wer sollte die erste Idee, den Entwurf für den Song liefern?

Obwohl es keine schriftlichen Regeln gibt, wird im Allgemeinen davon ausgegangen, dass derjenige, der die musikalische Zusammenarbeit vorschlägt, die erste Idee hat.

Im Idealfall ist dies der Zeitpunkt, an dem du den anderen Musiker zum ersten Mal ansprichst. Dies ist der Zeitpunkt, an dem du deine Idee präsentieren kannst, auch wenn es sich nur um ein grobes Demo handelt. Du hast vielleicht nur eine Strophe oder einen Refrain, und die Instrumentierung ist wahrscheinlich noch nicht endgültig. Dein Entwurf sollte jedoch ausreichen, damit der andere Musiker damit arbeiten kann.

Wenn ihr plant, mehrere Kooperationen einzugehen, könnt ihr abwechselnd die erste Idee einbringen.

4. Bereitschaft zum Kompromiss

Kollaboration kommt aus dem Lateinischen und bedeutet „mitarbeiten“.

Das bedeutet, dass du offen für Feedback sein musst.

Nimm Kommentare nicht persönlich und versteife dich nicht auf deine musikalischen Ideen. Bei der Zusammenarbeit geht es um ein Geben und Nehmen, daher ist es wichtig, in bestimmten Bereichen Kompromisse einzugehen.

5. Arbeiten mit Audio Stems

Die Arbeit mit Audio-Stems ist eine der effizientesten Möglichkeiten, mit anderen Musikern über das Internet zusammenzuarbeiten.

Das bedeutet im Wesentlichen, dass du jede einzelne Instrumentenspur deines Songs exportierst. Auf diese Weise kann die Person, mit der du zusammenarbeitest, sie einfach in ihre eigene DAW ziehen.

Wenn du FL Studio verwendest, navigiere einfach zu Datei, klicke auf Exportieren und dann auf Alle Playlist-Tracks. Dadurch wird ein Ordner mit allen Tracks aus deinem Projekt erstellt. Wenn du Ableton Live verwendest, wähle zuerst dein gesamtes Arrangement aus und klicke dann auf Datei und dann auf Audio exportieren. Wähle schließlich unter Rendered Track die Option All Individual Tracks.

Für die gemeinsame Nutzung von Stems mit Musikern ist es am einfachsten, ein gemeinsames Google Drive zu verwenden.

6. Lernen und Fragen stellen

Man kann nie in allem Experte sein. Deshalb ist eine musikalische Zusammenarbeit eine gute Möglichkeit, die eigenen Fähigkeiten zu ergänzen. Bei einer Zusammenarbeit bringen beide Musiker im Idealfall ihre eigenen Stärken in das Projekt ein.

Das bedeutet, dass eine musikalische Zusammenarbeit der perfekte Zeitpunkt ist, um neue Fähigkeiten zu erlernen. Dabei kann es sich um Songwriting, Arrangieren oder sogar um Mischtechniken handeln. Was auch immer der Fall ist, stellen Sie auf jeden Fall Fragen.

Du kannst eine musikalische Zusammenarbeit sogar als Lernwerkzeug betrachten. Fällt es dir schwer, eingängige Melodien zu schreiben? Warum arbeitest du dann nicht mit jemandem zusammen, dessen Melodien du bewunderst? Auf diese Weise kannst du nicht nur schneller Musik fertigstellen, sondern auch schneller lernen!

7. Persönlich oder Remote?

Bevor du dich auf eine musikalische Zusammenarbeit einlässt, musst du wissen, welche Art von Kollaborateur du bist.

Bist du ein Typ, der gerne persönlich zusammenarbeitet? Oder ziehst du die Sicherheit der Einsamkeit vor, wenn du Musik schreibst?

Dies ist eine wichtige Frage. Viele Musiker lieben es, in einem Raum zu jammen und Ideen auszutauschen. Andere wiederum empfinden diese Art von Umgebung als stressig und ziehen es vor, allein zu sein, wenn sie neue Ideen ausprobieren. Wenn du dich nicht in deinem bevorzugten „Lebensraum“ befindest, wirst du dich nicht wohl fühlen und keine gute Musik schreiben können. Achte also darauf, dass die Art der Zusammenarbeit deinen persönlichen Vorlieben entspricht!

Das war’s mit diesem Leitfaden zur Musikzusammenarbeit!

Dies ist der Abschluss unseres Leitfadens zu den besten Praktiken, die bei der Zusammenarbeit mit anderen Künstlern zu beachten sind! Wir hoffen, dass wir dir einige Richtlinien und Inspirationen geben konnten, damit deine nächsten Projekte ein Erfolg werden! Je mehr Kooperationen du machst, desto mehr Tipps und Tricks wirst du auf dem Weg dorthin aufschnappen. Wie man so schön sagt: Übung macht den Meister!

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Die Wahrheit ist, dass es ein MIDI-Keyboard für jeden und jedes Budget gibt.

Und in diesem Ratgeber werden wir dir helfen, das perfekte Gerät für dich zu finden! Gemeinsam schauen wir uns an, was MIDI eigentlich ist, was MIDI-Controller sind, welche Funktionen sie haben und welches Gerät für dich das richtige ist.

Bereit? Lasst uns eintauchen 👇

Was ist MIDI?

Bevor wir uns mit MIDI-Controllern befassen, sollten wir uns erst einmal ansehen, was MIDI ist.

MIDI steht für Musical Instrument Digital Interface.

Man kann sie sich als die Sprache vorstellen, in der Tastaturen und Computer kommunizieren. In der physischen Welt wäre die Parallele ein Notenblatt:

Ein Notenblatt enthält alle Informationen zum Spielen der Musik: welche Noten zu spielen sind, in welchem Tempo, welcher Anschlagstärke usw. Die Musiknotation ermöglicht es einem Musiker, mit dem Klavier zu „kommunizieren“. Ähnlich ist MIDI eine Möglichkeit, Informationen in Ihrer DAW zu speichern:

Wichtig ist, dass es sich bei MIDI nur um Informationen und nicht um Klang handelt.

So wie ein Notenblatt ein Instrument braucht, um die Musik zu spielen, braucht ein MIDI-Pattern einen Synthesizer, um es zu spielen. Das bedeutet, dass ein MIDI-Instrument selbst keinen Ton erzeugen kann. Es wird lediglich einen Synthesizer in deiner DAW ansteuern, der dann einen Ton erzeugt.

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Du fragst dich, wie du in den beliebtesten Spotify-Wiedergabelisten auftauchst? Mit Groover kannst du nach Wiedergabelisten, Radiosendern, Kuratoren und Musikprofis suchen, die genau zu deinem Song passen 👇

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Was ist ein MIDI-Controller?

Nachdem wir nun wissen, was MIDI ist, wollen wir uns mit MIDI-Controllern beschäftigen. Was sind sie, und brauchst du wirklich einen?

Die kurze Antwort lautet: Ja. Ein MIDI-Keyboard wird deinen Arbeitsablauf enorm beschleunigen.

Du kannst zwar deine Computertastatur benutzen oder Noten mit der Maus einzeichnen, aber ein MIDI-Controller macht das Schreiben von Musik viel nahtloser.

Die gebräuchlichsten Funktionalitäten sind die folgenden:

• Anzahl der Tasten. Die kleinsten MIDI-Controller verfügen in der Regel über mindestens 2 Oktaven. Wenn du es gewohnt bist, auf einem echten Klavier zu spielen, brauchst du 4 bis 5 Oktaven. Aber wenn du gerade erst anfängst, kannst du auch klein anfangen.
• Art der Tasten. MIDI-Controller unterscheiden sich in der Qualität und Größe der Tasten. Es gibt große, gewichtete Tasten (wie bei einem echten Klavier) oder kleine, ungewichtete Tasten. Dies hängt weitgehend von deinen Vorlieben und deiner Erfahrung ab.
• Pads, Drehregler und andere Steuerelemente. Damit kannst du Samples wie Drums triggern und deine Sounds optimieren. Wenn du vorhast, deine MIDI-Keyboards für Live-Auftritte zu verwenden, sind diese Funktionen unerlässlich.
• Arpeggiator und Akkordgenerator. Zu den fortgeschritteneren Funktionen gehören ein Arpeggiator oder automatische Akkordgeneratoren. Diese Optionen können für den Anfang sehr nützlich sein. Prüfe daher, ob ein MIDI-Controller über diese Funktionen verfügt.

Du fängst gerade erst an? Unsere 3 bevorzugten MIDI-Controller für Einsteiger

Kaufst du zum ersten Mal einen MIDI-Controller? Die gute Nachricht ist, dass du nicht Hunderte von Dollar ausgeben musst, um etwas von hoher Qualität zu bekommen. Werfen wir einen Blick auf die 3 besten Optionen auf dem Markt im Jahr 2023.

🔸 Akai MPK Mini MK3

Das Akai MPK Mini ist für viele Produzenten auf der ganzen Welt zur ersten Wahl geworden. Es bietet nicht nur alles, was man in einem MIDI-Controller braucht, sondern ist auch leicht zu transportieren und sehr robust gebaut. Unserer Meinung nach ist dies das beste Keyboard für den Anfang.

Die wichtigsten Merkmale sind:

• 25 Tasten (Mini und ungewichtet)
• 8 anschlagdynamische Drum-Pads
• 8 „360-Grad“-Regler für Automatisierung und Sounddesign
• Eingebauter Arpeggiator
• Eingang für Sustain-Pedal

Schau dir das Akai MPK Mini MK3 hier an (US$ 95.57)

🔸 Alesis Q Mini

Wenn du nur Tasten brauchst und sonst nichts, dann ist der Alesis Q Mini genau das Richtige für dich. Dies ist ein super kompakter MIDI-Controller, der nur das Wesentliche bietet. Du bekommst 2 Oktaven und einen einzigen zuweisbaren Regler. Dies ist die günstigste Option, die du finden kannst, ohne Abstriche bei der Qualität zu machen.

Die wichtigsten Merkmale sind:

• 32 Tasten (kompakt, im Synthesizer-Stil)
• Oktav- und Transponiertasten
• Wieder belegbarer Knopf
• Pitchbend- und Modulationstasten

Schau dir den Alesis Q Mini hier an (US$ 59)

🔸 Keith McMillen K-Board-C

Du suchst etwas ganz Besonderes? Dann könnte das K-Board-C das Richtige für dich sein. Dieser MIDI-Controller verfolgt einen innovativen Ansatz in Bezug auf sein Layout und seine Gesamtästhetik. Es ist farbenfroh und regt sofort zum Spielen an.

Die wichtigsten Merkmale sind:

• 25 Tasten (Pad-Style mit Aftertouch-Empfindlichkeit)
• Tasten mit LED-Hintergrundbeleuchtung
• Oktav-Tasten
• USB-C-Anschluss
• In verschiedenen Farbvarianten erhältlich.

Schau dir das Keith McMillen K-Board-C hier an (US$ 119)

Einen Schritt weiter? Unsere Favoriten unter den Mid-Range-MIDI-Controllern

Vielleicht bist du ein erfahrener Klavierspieler und brauchst etwas Größeres? Oder hast du bereits ein kleines MIDI-Keyboard und möchtest deine Sammlung erweitern? Wenn du bereit bist, ein bisschen mehr zu investieren, sind hier unsere Empfehlungen.

🔸 Novation Launchkey 37 [MK3]

Novation stellt eine große Auswahl an hervorragenden MIDI-Controllern her. Und obwohl dieser MIDI-Controller mit jeder DAW funktioniert, wurde er speziell für die Integration mit Ableton Live entwickelt. Du erhältst 3 volle Oktaven halbgewichteter Tasten und 16 anschlagdynamische Pads sowie ein Display.

Was dieses Keyboard auszeichnet, sind seine kreativen Werkzeuge. Mit dem „Akkord-Modus“ kannst du zum Beispiel komplexe Akkorde mit nur einem Tastendruck erzeugen.

Weitere wichtige Merkmale sind:

• Pitchbend und Modulationsrad
• Arpeggiator, Skalen- und Akkordmodi
• Integrierte Ableton Live-Befehle wie Quantize, Capture MIDI und Record
• Eingang für Sustain-Pedal
• Tasten mit LED-Hintergrundbeleuchtung

Sieh dir den Novation Launchkey 37 hier an (US$ 229)

🔸 Native Instruments Komplete Kontrol A49

Native Instruments ist bekannt dafür, hochwertige Produkte zu bauen. Das A49 ist nicht anders, mit einem soliden Aufbau und einem schlanken Design. Du bekommst auch 1,6 GB Maschine Werkssounds, sowie einige Native Instruments Synthesizer: Monark, Prism und ein paar andere.

Weitere wichtige Merkmale sind:

• 49 benutzerdefinierte, halbgewichtete Tasten
• 8 berührungsempfindliche Steuerknöpfe
• Smart Play: bleibt automatisch in der Tonart und erzeugt sofort Akkorde und Arpeggios.
• Integration in die Software Komplete Kontrol zum Durchsuchen und Vorhören von Sounds.

Schau dir die Komplete Kontrol A49 hier an (US$ 219)

Expertenmodus freischalten? Das beste High-End-MIDI-Keyboard

🔸 Arturia KeyLab Essential 88

Wenn Geld keine Rolle spielt, empfehlen wir dir einen Blick auf die Produkte von Arturia. Sie stellen nicht nur einige der besten Soft-Synths auf dem Markt her, sondern auch wunderschöne Hardware-Synths und MIDI-Controller.

Der KeyLab Essential 88 ist ein wunderschön gestalteter MIDI-Controller mit fortschrittlicher Akkordgenerierung. Außerdem verfügt er über ein DAW-Befehlszentrum, mit dem du nahtlos mit deiner DAW interagieren kannst.

Weitere wichtige Merkmale sind:

• 88 Tasten mit Hybrid-Synth-Piano-Feeling
• Akkord-Wiedergabe-Modus
• Enthält Analog Lab V mit 2.000 Synth-Sounds und Integration.
• 9 Fader für direkte Mixersteuerung

Schau dir das Arturia KeyLab Essential hier an (US$ 379)

🔸 Roli Seaboard Rise 2

Lasst uns diesen Leitfaden mit dem Rolls-Royce der MIDI-Controller abschließen. Das Roli Seaboard ist bei weitem das einzigartigste und fortschrittlichste Keyboard auf dem Markt.

Das Besondere an dieser Tastatur ist ihre Spielfläche. Bei einer herkömmlichen Tastatur kannst du die Lautstärke der einzelnen Töne nur über die Stärke des Drucks steuern. Hier kannst du zwischen den Noten gleiten, den Klang durch Drücken vertiefen und vieles mehr. Wenn du auf der Suche nach etwas bist, das deine Kreativität für immer erweitert, ist das Seaboard Rise 2 genau das Richtige für dich.

Weitere wichtige Merkmale sind:

• Hybride Synthesizer-Software
• 5 Dimensionen der Berührung: Anschlagen, Drücken, Gleiten, Gleiten und Heben
• Einstellbare Touch-Slider

Schau dir das Roli Seaboard Rise 2 hier an (US$ 1,299)

Abschließende Worte über MIDI-Controller

Das war’s mit diesem Ratgeber über MIDI-Controller!

Unabhängig davon, auf welchem Niveau du als Musikproduzent arbeitest, sind MIDI-Controller ein Muss. Wir hoffen, dass wir dir helfen konnten, das Richtige für dich zu finden. MIDI-Keyboards werden oft mit zusätzlicher Software und Sample-Packs geliefert. Auch hier lohnt es sich also, von Fall zu Fall zu schauen.

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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L’article Unsere Top 7 der besten MIDI-Controller für jedes Budget est apparu en premier sur Groover Blog.

Wenn das passiert, kann das unglaublich frustrierend sein.

Aber keine Sorge! Aus diesem Grund haben wir diesen Leitfaden für dich zusammengestellt. Gemeinsam schauen wir uns an, wie man am besten gegen eine Schreibblockade vorgeht und Musikinspiration findet.

Bereit? Lass uns eintauchen! 👇

1. Ändern deine Gewohnheiten

Oft fehlt es uns an Inspiration, weil wir immer wieder dieselben Gewohnheiten wiederholen. Gewohnheiten sind zwar eine der besten Methoden, um produktiv zu bleiben. Aber manchmal können sie die Kreativität unterdrücken.

Deshalb empfehlen wir dir, deine Gewohnheiten zu ändern, um neue musikalische Inspiration zu finden.

Beginnst du einen Song immer mit denselben Akkorden? Dann versuche, einige neue, exotische Progressionen zu erforschen. Schreibst du immer erst den Refrain und dann die Strophen? Tausch es um und schreibe zuerst das Intro und die Strophen.

Die Art und Weise, wie man Musik schreibt, zu ändern, kann eine der besten Möglichkeiten sein, neue Inspiration zu finden.

2. Fehlt dir die musikalische Inspiration? Setz deinen Marketing-Hut auf

Ein Künstler im Jahr 2023 zu sein, bedeutet nicht, rund um die Uhr Musik zu schreiben. Heutzutage muss man auch Inhalte erstellen und vermarkten, um seiner Musik Gehör zu verschaffen.

Fehlt es dir an musikalischer Inspiration? Dann setz deinen Marketing-Hut auf und überlege dir, wie du deine Musik bekannt machen kannst.

Eine der besten Möglichkeiten, deine Musik bekannt zu machen, ist das Einstellen in Spotify-Playlists. Playlists sind der wichtigste Kanal, über den Menschen neue Musik entdecken. Mit Groover kannst du nach Playlists suchen, die genau zu deinem Song passen. Du kannst deinen Titel dann direkt an den Kurator der Wiedergabeliste übermitteln.

👉 Hier erfährst du alles, was du über Spotify-Playlists wissen musst.

Wann du bereit bist, deine Songs zu veröffentlichen,
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3. Neue Genres erforschen

Die Erkundung eines neuen Musikgenres ist eine großartige Möglichkeit, sich musikalisch inspirieren zu lassen:

Wenn man ein Country-Künstler ist, bedeutet das natürlich nicht, dass man einen ganzen Deep-House-Track schreiben muss.

Das Hören neuer Musikgenres kann jedoch innovative Ideen auslösen.

Wenn du ein Rockmusiker bist, solltest du dir ein paar instrumentale Jazz-Playlists ansehen. Wenn du ein Hip-Hop-Produzent bist, warum hörst du dir nicht mal einen klassischen Blues an? Du verstehst die Idee. Du kannst auch auf Plattformen wie Splice und Loopcloud nach Samples suchen, die dein Interesse wecken.

4. Studiere deine Lieblingslieder

Eine bewährte Methode gegen Schreibblockaden ist das Studium der eigenen Lieblingslieder.

Nehmen wir an, du bist ein großer Fan von Fred Again’s neuestem Track. Was gefällt dir daran?

Ist es die Struktur des Liedes? Das Arrangement? Oder magst du die Übergänge, die er benutzt? Oder ein bestimmter Sound? Was auch immer der Fall ist, nutze diese Ideen als Ausgangspunkt.

5. Etwas Neues lernen

Diese Technik ähnelt unserem Tipp Nr. 1, geht aber noch einen Schritt weiter:

Das Ziel ist es, aus der eigenen Komfortzone herauszutreten.

Hast du zu Hause ein Instrument wie eine Mundharmonika oder eine Flöte, das du noch nie benutzt hast? Warum probierst du es nicht aus und schaust, was dir einfällt?

Das gilt auch, wenn du mit DAWs wie Ableton arbeitest. Wahrscheinlich gibt es einen Synthesizer oder ein Effekt-Plugin, das du noch nie benutzt hast. Du könntest sogar einige kostenlose Plugins herunterladen und damit herumspielen. Du wirst überrascht sein, welche Ergebnisse du auf diese Weise erzielen kannst!

6. Setz dir ein Ziel

Manchmal ist es schwierig, musikalische Inspiration zu finden, weil wir uns kein genaues Ziel setzen. Man spielt auf der Gitarre herum, tauscht ein paar Drum-Samples aus und stellt den Hall in der Gesangsschleife ein.

Aber nach ein paar Stunden bist du mit deinem Song noch nicht viel weitergekommen.

Das liegt daran, dass wir uns leicht langweilen und ablenken lassen. Wenn etwas nicht klappt, neigen wir dazu, einfach etwas anderes zu tun. Aber ein genaues Ziel zu verfolgen, ist oft die bessere Lösung. Setze dir vor Beginn einer Musiksession ein bestimmtes Ziel. Das könnte sein:

• einen neuen Refrain schreiben
• Abmischen deines Tracks
• neue Klänge in deinem Lieblingssynthesizer entwerfen
• Gesangsaufnahmen für ein Demo

Was auch immer der Fall ist, stelle sicher, dass du ein klares Ziel hast, wenn du dich hinsetzt, um Musik zu machen.

7. Nimm Bezug auf dein Lieblingsbuch oder deinen Lieblingsfilm

Musikalische Inspirationen können von vielen verschiedenen Orten kommen:

Vielleicht bist du ein begeisterter Leser? Dann nimm dein Lieblingsbuch zur Hand, um Ideen für Liedtexte zu finden. Du könntest auch den Titel eines Kapitels wählen, um die Stimmung für einen neuen Song festzulegen. Was würdest du mit einem Titel wie „The Darkest Day of The Year“ schreiben wollen?

Auf diese Weise kannst du auch Bezug auf deine Lieblingsfilme nehmen.

Welche Filme hast du in letzter Zeit gesehen, bei denen dir die Musik im Gedächtnis geblieben ist? Finde den Original-Soundtrack auf Spotify und suche dort nach musikalischer Inspiration.

8. Setze dir eine Deadline, um deine Musikinspiration zu steigern

Jack White von The White Stripes sagte selbst, dass „Deadlines einen kreativ machen“.

Das mag zwar kontraintuitiv klingen, aber es funktioniert tatsächlich. Das Arbeiten ohne Deadline nimmt jeglichen Druck, kreativ zu sein.

Versuche, dir eine leicht unerreichbare Frist für deinen Song zu setzen. Das könnte zum Beispiel so aussehen:

• Alle Texte an nur einem Tag schreiben
• Einen ganzen Song bis Ende der Woche fertigstellen

Halte dich egal was passiert, an die Frist. Du kannst sogar positiven Gruppenzwang ausüben, indem du versprichst, den Track einem Freund zu zeigen.

9. Brich deine eigenen Regeln

Musik kann oft sehr kodifiziert erscheinen. Diese Codes zu durchbrechen, kann eine großartige Abkürzung sein, um musikalische Inspiration zu entfachen:

Einige Beispiele für „Regelverstöße“ können sein:

• Vocal Panning 100% nach links oder rechts
• Aufnahme von 4 oder 5 Schichten der gleichen Gitarre
• Hinzufügen von Hall zu einem Bass
• Spielen Sie absichtlich Noten, die außerhalb der Tonart liegen.

Schau, wohin diese Experimente dich führen können!

10. Mit anderen Musikern zusammenarbeiten

Zusammenarbeit ist eine bewährte Methode zur Förderung der Kreativität.

Du hast vielleicht eine Akkordfolge, weißt aber nicht, wie es weitergehen soll. Oder du hast eine Melodie, weißt aber nicht, wie du sie in einen kompletten Track verwandeln kannst?

Wende dich an andere Musiker, um ein frisches Paar Ohren zu bekommen.

Wenn du dir die Arbeit teilst, kannst du die Songs schneller fertigstellen. Du wirst auch (hoffentlich) neue Techniken von den anderen lernen. Das kann dich wiederum inspirieren, Musik auf neue Weise zu schreiben.

11. Mach eine Pause von der Musik

Damit ist nicht gemeint, dass man ein paar Jahre lang aufhört, Musik zu machen! Aber manchmal ist es das Beste, buchstäblich eine Pause zu machen:

Frische Luft zu schnappen ist ein garantierter Weg, um die musikalische Inspiration neu zu entfachen. Außerdem gönnst du deinen Augen und Ohren eine Pause.

Selbst ein kurzer 5-minütiger Spaziergang kann enorme Auswirkungen auf dein körperliches und geistiges Wohlbefinden haben. Wenn du also das nächste Mal deprimiert vor deinem leeren Bildschirm hockst, geh nach draußen. Du wirst erstaunt sein, wie ein wenig frische Luft deine Sicht der Dinge verändern und dir neue Inspiration geben kann.

Abschließende Worte zur Suche nach musikalischer Inspiration

Das war’s mit diesem Ratgeber über die besten Wege zur Musikinspiration! Wir hoffen, dass diese Tipps dir bei deinen zukünftigen musikalischen Projekten helfen werden.

Du suchst nach den besten Spotify-Playlists für deine nächste Veröffentlichung? Hier findest du unseren vollständigen Leitfaden.

– Übersetzt von Benjamin Müller –

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