Trovare l’equilibrio tra identità musicale e tendenze dell’industria musicale per i musicisti può essere difficile. Perché nel corso della nostra vita ci sono state dette due cose molto diverse: essere popolari è una parte importante del successo, ma anche la vostra autenticità è ciò che in ultima analisi risuonerà con le persone. Quindi, qual è la cosa giusta da fare? E se queste due cose fossero opposte?
Sia che abbiate già successo e vogliate rimanere rilevanti nell’industria musicale di oggi, in continua evoluzione, sia che abbiate appena iniziato a diffondere la vostra musica nel mondo, il vostro obiettivo principale dovrebbe essere quello di trovare un equilibrio tra la popolarità e la conservazione delle caratteristiche che rendono la vostra musica e la vostra voce uniche.
Per raggiungere questo obiettivo, è importante tenersi aggiornati sulle tendenze attuali e tenerle in considerazione quando si crea la propria musica. Ma è altrettanto importante non compromettere la propria individualità scegliendo quali seguire e scartando quelli che non risuonano con voi. Perché alla fine la cosa più importante è la passione per il proprio mestiere.
Ecco alcune strategie che vi aiuteranno a rimanere rilevanti seguendo le tendenze dell’industria musicale senza compromettere la vostra identità musicale.
1. La conoscenza è potere: capire il lato commerciale dell’industria musicale
È già stato detto molte volte, ma vale la pena ripeterlo: la conoscenza è potere, e questo è particolarmente vero quando si tratta dell’industria musicale. Naturalmente, come artista, l’unica cosa che ti interessa è creare qualcosa di valido che possa risuonare con le persone e superare la prova del tempo. Ma se non riuscite a indossare il cappello da imprenditore e a trovare un modo per diffondere la vostra musica nel mondo musicale e far sì che gli ascoltatori la ascoltino in streaming, potreste finire per creare qualcosa solo per voi stessi e non fare molta strada nella vostra carriera musicale.
L’industria musicale è cambiata enormemente negli ultimi anni, e questo è particolarmente vero se guardiamo al suo lato commerciale. Per molti anni, l’unico modo per raggiungere un pubblico più vasto e ottenere un successo globale era firmare con una casa discografica e lasciare che questa gestisse voi e la vostra musica. C’erano molti attori e molti anelli nella catena del successo, come le case discografiche, gli editori musicali, i compositori e gli arrangiatori, i produttori musicali… e voi dovevate trovare il vostro posto in mezzo a questa filiera.
Ma oggi più che mai i musicisti e gli autori di canzoni hanno più potere e controllo sulla loro musica. Con l’ascesa della musica indipendente e dei servizi di streaming online come Spotify e Apple Music, gli artisti indipendenti non hanno bisogno di rivolgersi a un’etichetta discografica e possono persino utilizzare piattaforme di social media come Instagram e TikTok per connettersi direttamente con i loro ascoltatori e costruire una base di fan pubblicando le proprie registrazioni e commercializzando la propria musica.
Per gestire al meglio tutto questo, come artisti dovete familiarizzare con i vari concetti che possono influenzare la vostra carriera musicale, come le licenze musicali, i diritti d’autore, la distribuzione di musica digitale, le tournée e le esibizioni dal vivo, lo streaming musicale e le playlist curate… in modo da poter prendere decisioni informate e in linea con la vostra visione artistica.
2. Comprendere il mercato musicale per identificare le tendenze dell’industria
Così come è importante capire come funziona il business della musica, è altrettanto importante capire come funziona il mercato musicale e quali sono le tendenze e le preferenze attuali, che devono essere prese in considerazione quando si crea nuova musica.
Anche se vi considerate un precursore e non un seguace, analizzare le tendenze dell’industria musicale e come si inseriscono nel panorama in continua evoluzione del mercato musicale vi aiuterà enormemente.
Per farlo, ancora una volta la conoscenza è potere e bisogna informarsi sulle tendenze attuali dell’industria musicale. Il modo più semplice per farlo è essere attivi sui social media e seguire gli account del settore che condividono le notizie. Prestate attenzione a tutte le pubblicazioni rilevanti per capire cosa sta succedendo nel vostro genere e nel settore in generale.
Un altro modo eccellente per prevedere cosa potrebbe funzionare in futuro è studiare ciò che ha funzionato in passato. La storia tende a ripetersi e questo è particolarmente vero quando si tratta di arte. Come la moda, la musica è un’industria molto circolare e le tendenze vanno e vengono.
Quando la musica classica era di moda, Mozart e Beethoven erano icone culturali. Per quanto riguarda il “re del rock and roll”, Elvis Presley era estremamente popolare negli anni Cinquanta e Sessanta. I Beatles, formati da John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, erano incredibilmente popolari negli anni ’60, con il picco della Beatlemania tra il 1963 e il 1966. La fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta sono considerati il periodo di massimo splendore della musica punk, con gruppi iconici come i Sex Pistols, i Clash e gli Stooges. La musica country, invece, ha conosciuto vari periodi di popolarità nel corso della sua storia, oltre a un periodo più recente con artisti come Taylor Swift e Luke Bryan. Ci sono molti altri stili musicali che hanno conosciuto un recente boom, come il rap, il funk, il reggae, la musica techno ed elettronica, la musica folk, ecc.
Gli stili musicali vanno e vengono e costituiscono la storia della musica, ma il successo di un artista in un determinato momento dipende generalmente dalla sua aderenza allo stile musicale contemporaneo. Le case discografiche cercano artisti che si adattino alle tendenze attuali, in quanto tendono a creare musica più commerciale e a essere più popolari.
Un’altra cosa da fare per rimanere attuali e rilevanti è adottare rapidamente tutte le nuove tecnologie o tecniche che si presentano e che possono dare alla vostra musica un tocco contemporaneo. L’innovazione è reale ed è qui, e se si vuole rimanere all’avanguardia, è importante abbracciarla e usarla in modo intelligente in modo che funzioni a proprio favore.
Non abbiate quindi paura di esplorare approcci innovativi alla creazione e alla produzione musicale, e siate aperti al cambiamento in generale. L’industria musicale è in continua evoluzione e non si può rimanere bloccati nei propri schemi se si vuole avere una carriera per tutta la vita, non si ha altra scelta che evolversi con essa. E non dimenticate mai che la volontà di sperimentare può portare a scoperte entusiasmanti. Può significare sperimentare nuove tecniche di produzione o incorporare strumenti o suoni popolari.
Il modo migliore per capire cosa funziona è provare molte cose diverse. Dopotutto, si tratta di un gioco di numeri e più materiale vario pubblicherete, più feedback accurati e di qualità otterrete. Un’altra cosa molto importante da tenere a mente quando si sperimenta e si provano cose nuove è il coinvolgimento degli ascoltatori. Quando pubblicate qualcosa di nuovo e diverso, prestate particolare attenzione alla reazione dei vostri ascoltatori. Potete farlo attraverso i social media o anche in occasione di un concerto dal vivo, dove potete ottenere un feedback dal vostro pubblico in tempo reale. Vedete come reagiscono ai diversi elementi della vostra musica, se si collegano a certi elementi più di altri. In tal caso, potrebbe valere la pena di lavorare ulteriormente su questi elementi.
3. Esplorare generi diversi e collaborare con altri musicisti e artisti
Innanzitutto, per trovare la propria identità musicale, è importante sperimentare ed esplorare diversi stili e generi musicali, anche quelli a cui non avreste mai pensato prima. La sperimentazione è la chiave e non bisogna avere paura di provare nuove sonorità. Questo è particolarmente importante perché l’industria musicale nel suo complesso si sta evolvendo e lo fa rapidamente. Va bene essere un po’ nostalgici di tanto in tanto, ma non si può rimanere bloccati nel passato e non adattare il proprio sound al mercato attuale.
Sarebbe bene guardare agli stili più popolari del momento, come la musica elettronica e l’hip-hop, e incorporare elementi e codici di questi generi nella propria musica, facendo attenzione a non compromettere la propria identità musicale. Mescolando solo alcuni codici di generi diversi, si possono creare suoni davvero interessanti e unici che, per la loro natura ibrida, possono risuonare sia con i fan esistenti sia con i nuovi ascoltatori più inclini al genere originale.
Se volete uscire dalla vostra zona di comfort senza compromettere la vostra individualità, un ottimo modo per farlo è collaborare con artisti di generi o stili diversi. Come prima, fate una ricerca e scegliete artisti che lavorano nel genere musicale più popolare, in modo da aderire alle tendenze del settore. Ma collaborate anche con una varietà di artisti provenienti da contesti diversi, che possono darvi nuove prospettive ed esporvi a nuove idee, aiutandovi a incorporare elementi freschi nella vostra musica e a rimanere rilevanti pur mantenendo la vostra autenticità musicale.
Non c’è modo migliore di imparare qualcosa di nuovo che da qualcuno di nuovo. E i musicisti e gli artisti in generale tendono a essere molto generosi nel condividere le loro conoscenze e l’ispirazione che forniscono.
Inoltre, le collaborazioni sono un ottimo strumento per fare rete e farsi conoscere da un nuovo pubblico.
4. Abbracciare i contenuti visivi per aderire alle tendenze dell’industria musicale
Non c’è dubbio, siamo nell’era dei video e i video stanno diventando uno strumento molto importante nel vostro repertorio di artisti. Con applicazioni come TikTok e Instagram che offrono la possibilità dei reel, non c’è modo migliore di commercializzare se stessi e la propria musica che con un video. Che si tratti di video musicali avvincenti o di video di esibizioni dal vivo, essi offrono un ottimo modo per stare al passo con i tempi senza compromettere l’essenza della vostra musica.
L’approccio alla creazione di contenuti visivi convincenti deve essere anche divertente e deve essere visto come un’opportunità per esplorare e sperimentare. Come prima, prestate sempre attenzione alle reazioni e ai feedback che ricevete dai vostri spettatori e dal pubblico e sviluppate la vostra strategia di conseguenza. Tenete presente che devono essere in linea con la vostra visione artistica e devono sempre riflettere il vostro stile unico, incorporando elementi come la messa in scena, i costumi e gli effetti visivi.
5. Rimanere fedeli a se stessi e alla propria passione
L’industria musicale è imprevedibile e le tendenze vanno e vengono. Ma ciò che rimane è la vostra visione artistica e la vostra identità musicale, quindi fate sempre in modo che questa sia la vostra priorità. Ricordate che è giusto mescolare e trovare modi per incorporare le tendenze attuali nella vostra musica, ma non vi servirà a nulla conformarvi completamente alle tendenze.
È importante essere selettivi con le tendenze che si scelgono di incorporare e concentrarsi solo su quegli elementi che risuonano con voi e completano il vostro stile esistente. Non ha senso forzarsi ad adottare una tendenza se non la si sente autentica per la propria espressione creativa. La cosa migliore da fare è identificare gli elementi fondamentali della vostra identità musicale che volete preservare, come melodie uniche, temi lirici o strumentazioni particolari, e mentre sperimentate le tendenze, assicuratevi che questi elementi fondamentali rimangano presenti nel vostro lavoro.
E non dimenticate che le tendenze sono create dagli artisti, quindi sta a voi spianare la strada per il vostro percorso creativo e rimanere rilevanti nel panorama musicale in continua evoluzione.
—Traduzione di Pietro Calletti—
Promuovi la tua musica, prova subito Groover 👇