Da immer mehr unabhängige Musiker ihre Musik selbst veröffentlichen, wird es weniger zur Nischenfähigkeit und mehr zum normalen Teil des Prozesses, Mastering zu Hause anzugehen.

📢 Was Mastering wirklich macht (und was nicht)

Mastering wird oft als der letzte Feinschliff eines Tracks beschrieben. Das stimmt, ist aber auch etwas irreführend. Was Mastering wirklich macht, ist Übersetzung. Es stellt sicher, dass ein Track überall ausgewogen klingt: Kopfhörer, Auto, Clubs, Laptop-Lautsprecher. Es formt die gesamte Frequenzbalance, kontrolliert die Dynamik und bereitet den Song für die Distribution vor.

Was es nicht macht: einen schlechten Mix reparieren. Genau hier wird der Prozess oft missverstanden. Wenn sich in der Produktion etwas falsch anfühlt, wird Mastering das meist nicht lösen. Es kann verbessern, was da ist. Es kann es nicht neu aufbauen. Ein starker Mix macht Mastering einfach. Ein schwacher Mix macht es kompliziert.

Diese Grenze ist besonders wichtig, wenn du von zu Hause arbeitest.

🏠 Warum mehr Künstler zu Hause mastern

Der Wechsel zu Home-Mastering ist teilweise technisch, teilweise kulturell. Produktionstools sind günstiger. Distribution ist sofort möglich. Release-Zyklen sind schneller. Künstler wollen mehr Kontrolle darüber, wie ihre Musik klingt und wann sie erscheint.

Gerade für unabhängige Musiker bietet Mastering zu Hause:

• Geschwindigkeit
• Autonomie
• geringere Kosten
• Flexibilität

Du kannst einen Track fertigstellen und ihn wenige Tage später veröffentlichen. Du kannst endlos überarbeiten. Du kannst durch Praxis lernen. Aber Zugänglichkeit entfernt keine Komplexität. Sie verschiebt nur die Verantwortung.

🧠 Was ohne Studio realistisch ist

Professionelle Mastering-Umgebungen existieren aus gutem Grund. Sie sind auf Präzision ausgelegt. Akustisch behandelte Räume, High-End-Monitoring und erfahrene Engineers liefern etwas, das zu Hause schwer zu reproduzieren ist: Objektivität.

Ein Home-Setup ist anders. Räume sind nicht perfekt. Lautsprecher variieren. Ohren werden müde. Trotzdem sind starke Ergebnisse absolut möglich. Besonders für unabhängige Releases, frühe Projekte oder Künstler, die häufig veröffentlichen.

Das Ziel ist nicht Perfektion. Es ist Konsistenz.

Und meistens funktioniert weniger Processing besser als mehr. Kleine Anpassungen. Sorgfältiges Hören. Subtile Änderungen. Dieser Ansatz übersetzt sich meist besser als aggressive Korrekturen.

🛠️ Tools, die häufig für Home-Mastering genutzt werden

Software hat Mastering in den letzten Jahren stark vereinfacht. Prozesse, die früher komplexe Ketten erforderten, sind heute über intuitive Interfaces zugänglich.

Einige Tools, die unabhängige Künstler häufig nutzen:

• iZotope Ozone: eine komplette Mastering-Umgebung mit EQ, Kompression, Limiting und KI-gestützten Vorschlägen. Sie hilft bei Entscheidungen, ersetzt sie aber nicht.
• LANDR: ein automatisierter Online-Mastering-Service, der Tracks analysiert und sofort Processing anwendet. Nützlich für schnelle Referenzen oder schnelle Release-Workflows.
• FabFilter Plugins: weit verbreitet für präzise Kontrolle über EQ und Dynamik, besonders bei erfahreneren Produzenten.

Referenz-Track-Tools werden ebenfalls immer wichtiger. Deinen Track mit professionell gemasterter Musik zu vergleichen zeigt oft mehr als reines Processing. Technologie senkt die Hürde. Hörfähigkeiten bleiben entscheidend.

📈 Was das für unabhängige Künstler bedeutet

DIY-Mastering spiegelt mehr wider als nur Produktionstechnik. Es zeigt, wie sich die Rolle des Künstlers erweitert.

Künstler sind nicht mehr nur Kreative. Sie managen Produktion, Distribution und Präsentation. Sie gestalten, wie ihre Musik von Anfang bis Ende in die Welt kommt. Das bringt mehr Freiheit, aber auch mehr Verantwortung. Technische Entscheidungen beeinflussen direkt, wie Musik auf Streaming-Plattformen übersetzt wird und wie Hörer sie erleben.

Die Grenze zwischen kreativer und technischer Arbeit verschwimmt weiter.

🌱 DIY-Mastering als kreative Entscheidung

Mastering zu Hause ist nicht einfach nur eine Budget-Alternative. Es steht für eine andere Beziehung zum Produktionsprozess. Für viele unabhängige Künstler bietet Home-Mastering einen praktischen und kreativen Weg nach vorn.

Während sich Musikproduktion weiter dezentralisiert, wird die Fähigkeit, Mastering zu verstehen und zu steuern, weniger zur spezialisierten Kompetenz und mehr zum Standard beim Musikmachen. Die letzte Phase eines Tracks ist nicht mehr immer extern. Sie passiert zunehmend dort, wo die Musik beginnt. Willst du Feedback zu deiner neuen Musik? Sende jetzt deine Demo!

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Eine aktuelle Umfrage von Pirate ergab, dass 53% der befragten Künstler/innen lieber selbst veröffentlichen, als bei einem traditionellen Label zu unterschreiben. Allerdings hast du nicht das Netzwerk oder die potenzielle finanzielle Unterstützung, die dir ein traditionelles Label bieten könnte.

Das Musikgeschäft funktioniert wirklich wie jedes andere Geschäft in anderen Branchen auch. Es vereint rechtliche, wirtschaftliche und werbetechnische Abläufe und ist daher voller Fachleute, die sich auf diese Bereiche spezialisiert haben, obwohl sie in der Musikbranche arbeiten. Aus diesem Grund solltest du frühzeitig versuchen, mit Fachleuten aus der Musikbranche zusammenzuarbeiten. Damit deine Musik von ihnen gehört wird, ist es wichtig, qualitativ hochwertige Musik zu produzieren und sie wirkungsvoll zu präsentieren.

In diesem Artikel erklären wir dir, welche verschiedenen Arten von Labels es gibt und wie du deine Chancen auf einen Vertrag mit einem Label erhöhen kannst.

1. Verstehen, wie Etiketten funktionieren

Der erste Schritt bei der Unterzeichnung eines Vertrags ist, sich mit dem Universum des „Labels“ und seiner Funktionsweise vertraut zu machen. Das Letzte, was du willst, ist ein Vertrag, der dich kreativ und rechtlich einschränkt, nur weil der Gedanke, unter Vertrag zu stehen, verlockend ist. Um das zu vermeiden, musst du dich über Plattenfirmen und die Arten von Verträgen, die sie anbieten, informieren. Hier ist eine kurze Zusammenfassung, damit du die Grundlagen verstehst, bevor du eine Entscheidung triffst.

Major Labels vs. Indie Labels

Major Labels

Wenn man von „großen Plattenlabels“ spricht, meint man die “Big 3”: Warner Music Group (WMG), Sony Music Entertainment (SME) und Universal Music Group (UMG). Sie sind als Majors bekannt, weil sie 70 % der Einnahmen aus Tonträgern erzielen und die Muttergesellschaften vieler kleinerer Labels sind. Unabhängige Labels machen die restlichen 30 % aus.

Unterhalb der drei Majors gibt es zahlreiche Tochterlabels. Island Records und Def Jam Recordings gehören zum Beispiel zu Universal, Columbia Records gehört zu Sony und Atlantic Records zu Warner. Die meisten Labels, die du vielleicht namentlich kennst, gehören zu einem der Big 3.

Die großen Labels sind international, verfügen über enorme finanzielle Mittel und betreiben ihren eigenen Vertrieb und ihr eigenes Verlagswesen. Das bedeutet, dass das gesamte Musikgeschäft von einer Gruppe betrieben wird, was bei Indie-Labels nicht der Fall ist. Das bedeutet auch, dass sie sehr mächtige Akteure in der Branche sind und wichtige Beziehungen zu fast allen Unternehmen unterhalten, die mit Musik zu tun haben (Streaming-Dienste, soziale Medien, TV-Netzwerke usw.).

Unabhängige Labels

Unabhängige Labels machen den Rest des Marktes aus. Sie sind kleinere Unternehmen, die aufgrund ihrer Größe eine viel engere Beziehung zu ihren Künstlern haben und mit anderen Unternehmen zusammenarbeiten, um Vertrieb und Veröffentlichung abzudecken, anstatt selbst Abteilungen dafür zu haben. Was den Indie-Labels an Macht und Einfluss fehlt, machen sie durch Beziehungen und individuelle Unterstützung wieder wett.Was die Verantwortung gegenüber ihren Künstlern angeht und was man erwarten kann, wenn man bei ihnen unter Vertrag ist, so erfüllen sie dieselben Pflichten, die auch ein größeres Label erfüllen würde.

2. Was ein Label für dich tun kann

Plattenlabels sind dazu da, Bands und Künstler/innen finanziell zu unterstützen, und sie versuchen, den Künstler/innen alle geschäftlichen Lasten abzunehmen. Je nach finanzieller Situation und Größe des Unternehmens können sie verschiedene Arten von Ressourcen anbieten. Ein großes Label bietet zum Beispiel ein anderes Maß an Unterstützung als eine unabhängige Plattenfirma. Hier sind ein paar der vielen Möglichkeiten, wie Labels ihre Künstler unterstützen.

Finanzierung und rechtliche Schritte

Die meisten Labels werden:

• Studio-Sessions, Tontechniker, Instrumentalisten und andere zusätzliche Mitarbeiter bezahlen und die Produktionskosten übernehmen
• Bezahlen und organisieren Dinge, die mit deinem Image zu tun haben, wie Musikvideos oder Fotoshootings
• Dich vor rechtlichen Problemen schützen und neue Wege finden, um Geld zu verdienen
• kümmern sich um den Vertrieb deiner Musik und fungieren als Musikverleger

Der rechtliche Aspekt ist nicht zu vernachlässigen. Damit meinen wir deine Rechte als Künstler, wie z. B. das geistige Eigentum und das Urheberrecht, das unbedingt in Ordnung sein muss und oft sehr mühsam ist, wenn man sich allein darum kümmert. Dazu gehört, dass du deine Songs bei Tantiemenagenturen (z.B. GEMA) anmeldest und mit allen, mit denen du zusammenarbeitest, über die Preise verhandelst. Das Rechtsteam eines Labels wird die unbequemen rechtlichen Gespräche für dich führen, was eine großes Zeitersparnis bedeutet.

Musikförderung und Projektentwicklung

Dein Plattenlabel sollte dir bei allen notwendigen Werbemaßnahmen für deine Musik helfen. Auch hier sind die Möglichkeiten je nach Musiklabel und Künstler unterschiedlich, können aber einige oder alle der folgenden Punkte umfassen:

• Ein Marketingteam, das deine Werbestrategie leitet
• Redakteure für alle schriftlichen Inhalte über dich (Biografie, Projektbeschreibungen, öffentliche Statements)
• Buchung von Werbeveranstaltungen (Talkshows, Interviews)
• Dich bei der Entwicklung deines Images und Sounds zu unterstützen

Unabhängig davon, ob du kurz vor der Veröffentlichung deiner Musik stehst oder sie gerade erst veröffentlicht hast, werden die Labels überlegen, wie sie deinen Namen und dein Gesicht so weit wie möglich bekannt machen können, damit mehr Menschen deine Musik hören und wissen, wer du bist. Das ist ein sehr komplizierter Prozess, weshalb es für kleine Künstler/innen, die sich in der Branche durchsetzen wollen, sehr wichtig ist, mehrere Köpfe an dieser Aufgabe zu haben.

Touren organisieren

Booking-Agenten und Tourmanager arbeiten mit Labels zusammen, um sicherzustellen, dass Künstler/innen regelmäßig Auftrittsmöglichkeiten haben, egal ob lokal oder international. Ein Label kümmert sich um die folgenden Dinge:

• Buchung von Veranstaltungsorten für Shows
• Planung von Tourdaten, Transport, Unterkunft und anderen Kosten
• Design und Aufbau der Show
• Dein Rider (ein Dokument, das du den Veranstaltungsorten übergibst und das beschreibt, was du für deinen Auftritt brauchst)

Denke immer daran: Auch wenn es unterschiedliche Grade an Flexibilität gibt, solltest du das letzte Wort haben, wenn es darum geht, wie du dargestellt wirst. Es ist gut, Hilfe zu haben, aber du solltest dir über alles im Klaren sein, was mit deinem Namen und deinem Aussehen zu tun hat. Du bist das Herzstück der ganzen Operation!

3. Welche Art von Vertrag ist für dich sinnvoll?

Viele Künstlerinnen und Künstler glauben, dass ein Plattenvertrag mit einem großen Label das ultimative Ziel und ein Zeichen für Erfolg ist. Aber nicht jedes Label ist für deine Bedürfnisse geeignet.

Große Labels nehmen sehr oft neue Künstler/innen unter Vertrag, in der Hoffnung, das nächste große Ding zu finden, während andere ihre Liste klein halten, um sich mehr Zeit für jedes Projekt zu nehmen. Was ist besser? Das hängt ganz davon ab, in welchem Stadium deiner Musikkarriere du dich befindest und nach welchen Ressourcen du suchst.

Der größte Unterschied zwischen Major- und Indie-Labels ist 1) die finanzielle Unterstützung, 2) die individuelle Unterstützung und 3) die kreative Kontrolle.

Finanzielle Unterstützung

Finanzielle Unterstützung kann es in vielen Formen geben, z.B. zur Deckung von Studiokosten, Kosten für Foto- und Videoaufnahmen und mehr. Eine andere Form sind Vorschüsse. Wenn ein Label wohlhabend ist und in einen Künstler investieren will, gibt es dem Künstler oft einen Vorschuss, wenn er bei ihnen unterschreibt. Dabei handelt es sich um eine (in der Regel beträchtliche) Summe, die der Künstler verwenden kann, um sein nächstes Projekt zu verwirklichen. Die Labels erwarten aber auch, dass sie diesen Vorschuss zurückbekommen, wenn das Projekt Geld einbringt. Das nennt man Rückvergütung. Was immer du bekommst, musst du nach und nach zurückzahlen, bis du alles zurückerhalten hast. In der Regel geschieht dies über die Tantiemen, d. h. das Label nimmt einen bestimmten Prozentsatz der Tantiemen, die du mit deiner Musik verdienst, und reduziert diesen Anteil, wenn er zurückgezahlt wurde. Wie viele Streams nötig sind, um einen bestimmten Betrag wieder einzuspielen, kannst du mit unserem kostenlosen Break-even-Rechner grob abschätzen.

Nur sehr wenige Indie-Labels haben die Mittel, um hohe Vorschüsse zu zahlen, wenn überhaupt. Das mag zwar abschreckend klingen, aber viele Künstlerinnen und Künstler, die bei großen Labels unter Vertrag stehen, müssen einen hohen Vorschuss zurückzahlen, den sie gar nicht wollten, und das für Musik, die sie nicht unbedingt veröffentlichen wollten. Das ist vor allem auf den nächsten Punkt zurückzuführen, nämlich die individuelle Unterstützung.

Individuelle Unterstützung

Große Labels sind riesige Organisationen, die deutlich mehr Mitarbeiter und Künstler haben als Indie-Labels. Das bedeutet, dass es sehr unwahrscheinlich ist, dass du eine persönliche Beziehung zu jedem Mitarbeiter hast, der sich um deine Bedürfnisse kümmert.

Indie-Labels mit kleineren Teams und Künstlerlisten arbeiten oft sehr eng mit ihren Künstlern zusammen und ermöglichen es ihnen, frei und offen über ihre Bedürfnisse zu sprechen. Außerdem können sich die Künstler/innen direkt bei den Leuten melden, die die Arbeit erledigen, im Gegensatz zu größeren Labels, die die Aufgaben an jeden weitergeben, der Zeit hat, etwas beizutragen.

Aufgrund der fehlenden Verbindung zwischen Label und Künstler/in ist es für die Majors viel einfacher, eine/n Künstler/in zu entlassen, wenn sie das Gefühl haben, dass er/sie nicht profitabel ist und die Erwartungen nicht erfüllt. Die Beziehung ist ganz einfach transaktionaler als bei einem Indie-Label.

Kreative Kontrolle

Major-Labels haben viel Macht in der Branche und daher auch viel Macht in ihren Verträgen. Aufgrund der vielen Ressourcen, die sie den Künstlern zur Verfügung stellen, erwarten sie auch viel von ihnen. Dies geht oft mit einem Mangel an kreativer Kontrolle für die Künstler/innen einher, da sie sich an die Erwartungen des Labels halten müssen. Das bedeutet oft, dass das Label entscheidet, wann das Album veröffentlicht wird, welche Songs es auf das Album schaffen, wie die visuelle Identität aussieht, wer als Featured Artist auftritt und wie viel Anteil der Künstler an seinen eigenen Tantiemen hat.

Aus diesem Grund sind Indie-Labels dafür bekannt, dass sie sehr viel künstlerfreundlicher sind. Künstler/innen, die bei einem Indie-Label unter Vertrag stehen, haben zwar weniger Ressourcen zur Verfügung, können aber Entscheidungen über ihre Projekte treffen, die die meisten Majors und ihre Tochtergesellschaften niemals zulassen würden. Das ist ein sehr wichtiger Faktor, den du bei der Entscheidung, mit welchem Label du zusammenarbeiten möchtest, berücksichtigen solltest.

4. Wie man bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen wird

Recherchiere und nimm Kontakt auf

Es gibt keine Standardprozedur, um einen Plattenvertrag mit einem Musiklabel zu bekommen, aber ein guter Ausgangspunkt ist es, in der Musik zu stöbern, die dir gefällt, und über den Künstler zu recherchieren. Unter jedem Projekt auf Spotify, das der Liste der Songs folgt, findest du das Datum der Veröffentlichung und den Namen des Verlags/Labels, über den es vertrieben wird. Schau dir das Label an und finde heraus, wen es noch vertritt. Machst du ähnliche Musik wie die Künstler auf der Liste des Labels?

Es gibt über 300 Plattenlabels, die bereit sind, sich neue Musik und neue Künstler auf Groover anzuhören , was auch ein guter Ausgangspunkt ist. Nachdem sie ihre Musik auf unsere Plattform hochgeladen hatten, unterzeichnete das französische Elektronikmusik-Duo Myoon einen Plattenvertrag mit Inside Records, dem Label der bekannten Musik-Trendmacher Electro Posé.

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Willst du von einer Plattenfirma unter Vertrag genommen werden? ⬇️

Was man senden sollte

Schauen wir uns einmal an, was du einem Label, das dein Interesse geweckt hat, schicken solltest.

Demos

Es versteht sich von selbst, dass du dir die Zeit nehmen musst, die bestmöglichen Aufnahmen zu machen, bevor du deine Musik veröffentlichst oder deine Demos an jemanden schickst. Zur Erinnerung: Demos sind unveröffentlichte Songs, die vollständig sind, aber bei Bedarf noch geändert werden können. Neben dem Versenden von Links zu bereits veröffentlichter Musik sind Demos eine gute Möglichkeit zu zeigen, woran du arbeitest und wie sich dein Sound entwickelt.

Links und Kontaktinformationen

Wie auch immer du dich meldest, achte darauf, dass du Links zu ALLEN Künstlerseiten deiner Streaming-Plattform, deine E-Mail-Adresse und deine Telefonnummer angibst. Füge auch den Link zu deiner Website hinzu, wenn du eine hast (das solltest du!).

Auszeichnungen

Jüngste Errungenschaften/Auszeichnungen sollten auf deiner Website aufgelistet sein, aber wenn du keine hast, erwähne sie kurz. Das können sein: Presseberichte, Platzierungen in Playlisten, eine bestimmte Anzahl von Streams, Auszeichnungen usw.

Nachfassen

Auch wenn du im besten Fall sofort ein Interesse hast, dich unter Vertrag zu nehmen, ist das selten und braucht normalerweise Zeit. Sobald du eine Beziehung zu deinem Labelkontakt aufgebaut hast, solltest du ihm regelmäßig neue Tracks schicken, damit er deine Entwicklung als Künstler/in im Auge behalten kann. Vielleicht bieten sie dir irgendwann an, dich unter Vertrag zu nehmen oder zu unterstützen.

Habe es nicht eilig und sei klug. Lass dich von Ablehnungen nicht entmutigen. Falls jemand nicht gewillt ist, sich der Challenge zu stellen, selbst nach einiger Zeit, könnte es vielleicht einfach nicht zueinander passen. Musik ist subjektiv, und nur weil du bei einer Person nicht gut ankommst, heißt das nicht, dass es anderen auch so geht. Auf Groover kannst du deinen Track an über 350 Labels schicken und bekommst garantiert innerhalb von 7 Tagen Feedback.

| Check out : Wie man ein Demo an ein Plattenlabel schickt

5. Verträge verstehen

Wenn du ein Angebot erhalten hast, solltest du unbedingt das Kleingedruckte lesen. Du willst nicht in einem rechtsverbindlichen Vertrag stecken, den du nicht vollständig verstehst.

Es gibt viele verschiedene Arten von Aufnahmeverträgen, aber der gängigste Vertrag mit einem Major deckt alles ab, was mit den Kosten für die Aufnahme, die Veröffentlichung und den Vertrieb deiner Musik zusammenhängt. Außerdem kümmert er sich um alles, was mit Marketing und Promotion zu tun hat. So kannst du auf Spezialisten zurückgreifen, deren Aufgabe es ist, deine Musik zugänglich zu machen, sei es physisch (über unabhängige Plattenläden, Kaufhäuser usw.) oder digital (um deine Musik auf Spotify, Apple Music, Tidal, Deezer, YouTube Music usw. zu veröffentlichen).

In den Verträgen wird auch festgelegt , wie lange du bei dem Label unter Vertrag bist, wie viele Projekte du in dieser Zeit veröffentlichen musst, wem die Musik gehört und wie hoch der prozentuale Anteil des Labels an deinen Einnahmen ist (der Prozentsatz deiner Verkäufe/Streams, den das Label erhält). Wie hoch der Anteil des Labels an deinen Einnahmen ist, hängt davon ab, bei wem du unterschreibst, wie beliebt deine Musik ist und wie du den Vertrag aushandelst. Bei Verträgen mit Majors verdient ein Künstler zwischen 10 und 15 % seiner gesamten Tantiemen. Du kannst mehr Geld mit nach Hause nehmen, wenn du deinen Vorschuss zurückbekommen hast. Bei Indie-Labels sind diese Zahlen viel flexibler.

Die gute Nachricht bei den Majors ist, dass du im Vorfeld nicht viel Geld für deine Musik ausgeben musst: Von der Aufnahme bis zum Vertrieb wird der gesamte Prozess übernommen. Der Nachteil ist, dass du nur einen kleinen Betrag im Vergleich zu den wahrscheinlichen Gesamtgewinnen erhältst und dass du wahrscheinlich nicht Eigentümer deiner Aufnahmen wirst (auch “masters” genannt). Indie-Labels bieten weniger Ressourcen, aber mehr Unterstützung und kreative Kontrolle bei deinen Entscheidungen. Vor- und Nachteile!

| Schau dir diesen Artikel auf dem ICON Collective Blog an: Unabhängiger Künstler vs. Unterschrift bei einem Plattenlabel

6. Welchen Vertrag solltest du als unabhängiger Künstler wählen?

Wenn du in allen Bereichen deiner Entwicklung ein wenig Unterstützung brauchst, sollte ein Standard-Künstlervertrag für dich geeignet sein. Achte aber darauf, dass du keinen Vertrag unterschreibst, der dich zu lange an ein Label bindet. Wenn du aufsteigst und nicht mehr so viele Leistungen brauchst, willst du dich nicht durch den Vertrag eingeschränkt fühlen, den du vor deinem Erfolg unterschrieben hast.

Wenn du deine Musik selbst produziert hast und die künstlerischen und kommerziellen Aspekte deines Projekts selbst in die Hand genommen hast, solltest du einen Vertrag anstreben, der nur den Vertrieb und nicht auch die Aufnahme abdeckt. So kannst du deine Musik veröffentlichen und vermarkten, ohne dass deine Eigentumsrechte beeinträchtigt werden.

Wenn du dir eine solide Fangemeinde aufgebaut und eine beträchtliche Anzahl an Streams generiert hast und weiter bekannt werden möchtest, solltest du in Erwägung ziehen, deine Musik an ein Label zu lizenzieren , damit dieses die Kontrolle darüber hat, wo sie verwendet wird und sie besser vermarkten kann. So behältst du das Eigentum an deiner Musik und profitierst gleichzeitig von der Finanzierung und dem Netzwerk des Labels. Im Gegenzug erhält das Label natürlich einen Anteil an deinen Einnahmen.

Beispiele für unabhängige Plattenlabels

Willst du herausfinden, wie du auf Groover einen Plattenvertrag mit unabhängigen Labels bekommst? Schau dir die Liste der Indie-Labels unter ⬇️ an.

Cracki Records

Cracki Records ist mit dem Herzen dabei und möchte eine breite Palette an eklektischer, hochwertiger Musik anbieten. Deshalb sehen sie sich als Labor, aber auch als Sprungbrett.

Musikstile: Elektropop, Indie-Pop, Indie-Rock, New-Disco, Pop-Soul, Psychedelic-Pop, Synthpop, Synthwave.

Künstler, die bei Cracki Records unter Vertrag sind: Agar Agar, Saint DX, Alma Elste, GENTS, Lucien & The Kimono Orchestra, Mangabey, Yen Yen, Antonin Appaix und viele andere

| Kontakt Cracki Records

Ba Da Bing Aufzeichnungen

Ba Da Bing ist ein Brooklyner Label, das inzwischen fast 200 Alben veröffentlicht hat (Sharon Van Etten, Beirut, Julie Byrne, Lady Lamb, Talk Talk Reissues), ein Schwesterlabel (Grapefruit) gegründet hat, Management (Neutral Milk Hotel, Shearwater, The Breeders), Tourbooking und -management, freies Produktmanagement (The Leaf Label, Planet Mu) und Marketing-/Promotionberatung umfasst.

Musikstile: Ambient, Experimental Rock, Indie Folk, Lofi Bedroom, Neoclassical, Noise, Psychedelic Rock, Experimental, Indie, Lo-Fi, Melancholic, Underground, Weird…

Sie möchten Musik hören, von Künstlern wie: Cate Le Bon, Cassandra Jenkins, Voivod, Sarah Mary Chadwick, Roy Montgomery, Talk Talk, Jackson C. Frank, Radiohead, Brian Eno, Alice Coltrane, The Velvet Underground, Fred Neil, Throbbing Gristle,Swans, Tall Dwarfs, Ichiko Aoba, The Dead C, Six Organs Of Admittance, Talulah Gosh, Life Without Buildings.

| Kontakt Ba Da Bing Records

SONO Musikgruppe

SONO ist ein Team von Fachleuten, die Künstler/innen unterstützen, indem sie wie eine Familie gemeinsam an Projekten arbeiten, die sie lieben. Sie bieten weltweit ihre Dienste an, fördern Musik und ermutigen zu Aufgeschlossenheit. Ihre Mission ist es, Künstler/innen, Kreative und Musikliebhaber/innen weltweit zusammenzubringen und die Welt lebendiger zu machen als zuvor.

Musikstile: Pop, Hip-Hop, Rap

|Kontakt SONO Musikgruppe

👉 Die vollständige Liste der auf Groover verfügbaren Plattenlabels findest du hier 👀.

| Können Musikproduzenten bei einem Plattenlabel unter Vertrag genommen werden?

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Wir vergessen, dass Produktivität viele Formen annehmen kann und dass du dafür nicht alle deine Sommerpläne vernachlässigen musst. Es gibt eine Reihe von Möglichkeiten, deine Zeit als Künstler/in sinnvoll zu nutzen und deine Karriere voranzutreiben, während du die Natur genießt und dich erholst. So wie Menschen oft ihren nächsten Tag planen, wenn sie vor dem Schlafengehen abschalten, können Künstler/innen den Sommer nutzen, um genau das zu tun, bevor die Arbeit im September wieder aufgenommen wird: VORBEREITEN.

Hier erfährst du, wie du dich produktiv fühlst, indem du vorausplanst und gleichzeitig die Ferienzeit wie alle anderen nutzt.

1. Bereite deinen Ablaufplan und deine Strategie vor

Plane deine nächsten Schritte. Viele unabhängige Künstler/innen vergessen, wie wichtig es ist, eine Strategie für ihr nächstes Vorhaben zu entwerfen, egal ob es sich um eine Veröffentlichung, einen Schritt in den sozialen Medien, eine neue Marke, einen neuen Auftritt oder etwas anderes handelt. Alles, was du vorhast, sollte detailliert und schriftlich festgehalten werden, damit du deine eigenen Schritte verfolgen kannst. Wenn du es spontan tust, kann es chaotisch werden und du könntest den Überblick über deinen ursprünglichen Plan verlieren.

So kannst du arbeiten, ohne die Arbeit zu machen – du planst sie einfach. Ein Beispiel:

Aktivität in den sozialen Medien

Ist es dein Ziel, öfter in den sozialen Medien zu posten? Mach dir einen realistischen Zeitplan für später, der auch wirklich machbar ist . Ein häufiger Fehler bei der Organisation ist es, sich zu viel vorzunehmen. Das kann zu Entmutigung und einer Beeinträchtigung des Selbstwertgefühls führen, wenn die Dinge nicht so laufen wie erwartet.

So könnte ein realistischer, aber disziplinierter Zeitplan für deine musikbezogenen sozialen Medien aussehen:

• Woche 1
  • Montag: Gridpost
  • Mittwoch: Reel
  • Freitag: 2 TikToks

• Woche 2
  • Montag: Karussell-Fotodump
  • Dienstag: TikTok
  • Donnerstag: Live auf IG gehen

Wenn es an der Zeit ist, regelmäßiger zu posten, wirst du genau wissen, was du tun musst.

Kollaborationen und Studiozeit

Da die meisten Menschen während der Sommermonate im Urlaub sind, solltest du für die Zeit, in der alle wieder arbeiten, Aufnahme- und/oder Schreibsessions mit Freunden und Kollegen planen. Sprich auch neue potenzielle Kollaborateure an. Wenn du einen Produzenten kennst, mit dem du gerne zusammenarbeiten würdest, schick ihm eine DM oder eine E-Mail mit dem Vorschlag, ihn in ein paar Wochen anzurufen. Der Sommer ist eine gute Zeit, um Pläne mit anderen zu schmieden , denn sie fühlen sich in der Regel weniger von der Arbeit überwältigt und sind daher offener dafür, neue Ideen und Projekte für die nahe Zukunft zu besprechen. Du fängst sie in einer guten Stimmung auf.

Neue Auftritte

Wenn du eine neue Veröffentlichung hast oder gerade etwas herausgebracht hast, wäre es vielleicht klug, einen Auftritt zu planen. Überlege dir, welche örtlichen Veranstaltungsorte du kontaktieren und mit ihnen über eine Buchung sprechen könntest.

Was du bei der Planung von Auftritten beachten solltest:

• Überprüfe deine Analysen auf Spotify for Artists, um zu sehen, wo die meisten deiner Hörer sind – wenn du es dir leisten kannst, buche dort einen Gig!
• Versuche abzuschätzen, wie viele Leute zu deiner Show kommen können, und suche nach Veranstaltungsorten in dieser Größe – große Veranstaltungsorte, die nicht genug Tickets verkaufen, werden absagen, also wäre dir ein volles Haus in einem kleineren Raum definitiv lieber
• Wenn du Probleme hast, Veranstaltungsorte zu kontaktieren, oder nicht sicher bist, wie du einen Vertrag aushandeln sollst, kannst du einen Booking-Agenten einschalten, der dir hilft.

Kontakt mit Booking-Agenturen aufnehmen 👇

2. Erstelle deine zukünftigen Inhalte

Eine perfekte Kombination aus Spaß und Arbeit ist es, mit deinen Freunden draußen Inhalte zu drehen, egal ob es sich um ein Musikvideo, ein lustiges TikTok oder neue Fotos für ein Albumcover oder eine Website handelt.

Auch wenn „Inhalte erstellen“ entmutigend und mühsam klingt, dürfen wir nicht vergessen, dass heutzutage alles Inhalt ist, also dokumentiere alles, was du tust. Sammle einen Stapel Fotos und Videos für dein Archiv, aus dem du immer dann schöpfen kannst, wenn du das Gefühl hast, dass deine sozialen Netzwerke mehr Aktivität brauchen. Noch besser ist es, wenn du deinen Social-Media-Zeitplan wie oben skizziert hast, damit du genau weißt, was du brauchst.

Wenn deine einzige Vorgabe lautet „Mach ein Video“ und du mit Freunden unterwegs bist, ist es schwer, keinen Spaß zu haben. Nutze das Wetter und das warme Licht, um deine zukünftigen Aufgaben in den sozialen Medien voranzubringen.

3. Suche nach Inspiration

Das ist wirklich ein Gewinn für dich, wenn du deinen Sommer und deine Freizeit genießt. Wenn du danach suchst, findest du überall Inspiration. Je mehr du deine Umgebung beobachtest, desto mehr Details fallen dir auf, über die du in deinen Liedern schreiben kannst. Wenn du durch deine Stadt fährst, hörst du vielleicht ein interessantes Geräusch, das es wert ist, es auf Sprachmemos aufzunehmen und in einen neuen Beat einzubauen. Wenn du auf Reisen bist, können dir neue Sehenswürdigkeiten, Geräusche und Gerüche eine Idee für einen Song geben, die du sonst vielleicht nicht gehabt hättest. Wenn du aufmerksam bleibst, wirst du am Ende des Sommers eine umfangreiche Liste mit neuen Erfahrungen haben, die du in deine Musik einfließen lassen kannst.

Wenn du dich sofort zum Schreiben inspirieren lassen willst, kannst du auch an einem Songwriting-Camp teilnehmen. Viele Camps finden im Sommer statt und ermöglichen es dir, für eine bestimmte Zeit mit anderen Künstlern an einem neuen Ort zu leben. Die Zusammenarbeit mit anderen könnte genau das sein, was dein Songwriting braucht, um sich weiterzuentwickeln und deiner Musik eine neue Richtung zu geben. Wenn nicht, bereite dich auf deine zukünftigen Aufnahmesessions vor, indem du im Voraus schreibst, egal ob es sich um ein oder zwei Zeilen oder eine ganze Songidee handelt. Wenn dich eine Inspiration überkommt, schreibe sie auf, bevor du sie vergisst.

4. Nimm Coversongs auf

Nicht in der Stimmung zu schreiben? Vielleicht lernst du gerade ein neues Instrument? Warum filmst du nicht ein paar Cover, die du veröffentlichen kannst, während du an deinen anderen Fähigkeiten feilst. So kannst du dein Handwerk üben, dein Repertoire um einen Song erweitern, ein neues Video posten und deine Follower zum Zuhören bringen.

Außerdem kannst du auf TikTok richtig durchstarten, wenn deine Cover originell und interessant klingen. Die Fähigkeit, einen Song zu nehmen und ihm eine persönliche Wendung oder ein neues Arrangement zu geben, ohne die ursprüngliche Botschaft zu vernachlässigen, ist ein wichtiger Unterschied zwischen Künstlern und Interpreten. Welcher bist du? Lass es die Leute wissen!

5. Erholung

Der wohl effektivste Weg, um produktiv und leistungsfähig zu sein, ist, sich auszuruhen. So klischeehaft es auch klingen mag, du musst dir die Erholungszeit gönnen, die du brauchst, um deine Motivation aufrechtzuerhalten; das bedeutet, dass du dem Schlaf und den Dingen, die deinen Akku wieder aufladen, Priorität einräumst.

Wenn du ein extrovertierter Mensch bist, verbringe Zeit mit den Menschen, die dir ein gutes Gefühl geben. Wenn du ein Stubenhocker bist, nimm dir einen Tag Zeit für dich selbst und tanke deine Energie in deinem eigenen Raum auf. Kreativität zu erzwingen nimmt ihr die Freude und die Leichtigkeit, also wenn sie nicht kommt, lass sie sein. Deine Musik wird von einem klareren Geist und einem gesünderen Körper profitieren.

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-Übersetzt von Benjamin Müller-

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Angehende Songwriterinnen und Songwriter finden sich oft in der vertrauten Schleife wieder, in der sie über immer wiederkehrende Themen schreiben, dieselben Wörter überstrapazieren oder einfach Schwierigkeiten haben, eine Idee zu vermitteln. Im Internet findest du zwar jede Menge Informationen über die Standards für Songstrukturen, Reimschemata und Ähnliches, aber ein richtiges Regelwerk für das Schreiben eines Hits gibt es nicht. Du kannst dich zwar an bestimmte Formeln halten, aber letztendlich ist es eine kreative Schreibübung. Behalte also die folgenden Tipps im Hinterkopf und werde kreativ beim Schreiben deiner Texte!

Wichtigste Erkenntnisse

• Das Schreiben von Songtexten ist wie das Schreiben von Gedichten, daher kann es hilfreich sein, zuerst ohne Musik zu schreiben.
• Wenn du zuerst mit Musik anfängst, nimm die Unordnung des Freestylings über einen Beat als Ausgangspunkt an.
• Finde heraus, was und wer du bist – wovon sprichst du und an wen wendest du dich?
• Nutze die fünf Sinne, um die Vorstellungskraft des Zuhörers anzuregen und für eine bessere Bildsprache zu sorgen.
• Verwende neben perfekten Reimen auch Beinahe-Reime und Binnenreime, um für Abwechslung zu sorgen und das Schreiben besserer Texte zu üben.
• Verkompliziere die Dinge nicht zu sehr und beschreibe nicht zu viel, um die Aufmerksamkeit deines Publikums nicht zu verlieren.
• Vermeide Klischees, wenn du kannst, und nimm deine eigene Perspektive ein.
• Studiere dein Genre auf gemeinsame Themen, Beschreibungsebenen und Songstrukturen
• Je mehr Songs du schreibst, desto leichter wird es dir fallen, Texte zu schreiben.

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Willst du, dass deine Musik gehört wird? 👇

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1. Mach es unordentlich

Ein weit verbreiteter Irrglaube beim Songwriting ist, dass alle Songwriter in der Lage sind, auf Anhieb eine perfekte Abfolge von Wörtern auf ihr Blatt zu spucken, und das ist völlig unrealistisch. Das ist völlig unrealistisch. Die meisten erfahrenen Songwriter/innen erklären gerne, dass es beim Schreiben von Songs darum geht, aus einem Haufen Emotionen die richtige Botschaft herauszufiltern und die richtigen Worte zu finden, um sie genau zu beschreiben, was viel Zeit und Überarbeitung erfordert.

Du kennst sicher die Geschichten, dass einige der größten Pophits in nur wenigen Minuten geschrieben wurden, und auch das ist möglich. Manche können Strophen und Refrains, die einen Sinn ergeben, mit Leichtigkeit und Schnelligkeit zusammensetzen, aber das ist nur ein Hinweis darauf, wie viel sie vorher geübt haben, und nicht darauf, dass die Arbeit selbst einfach ist. Jeder fängt irgendwo in seinem Schreibprozess an, und er beginnt unordentlich.

Wie du mit dem Schreiben von Songtexten beginnst

Schritt 1:

• Finde einen Beat, ein Instrument oder eine Akkordfolge, die du magst, oder nimm ein Instrument und benutze es als Grundlage für deinen Song. Das kann etwas aus dem Internet sein, etwas, das du selbst gemacht hast, oder ein paar Schläge auf deiner Gitarre – solange es dir eine Grundlage bietet, ist es egal.

Schritt 2:

• Höre es dir einmal an, um dir einen Überblick über den Rhythmus und die Tonart zu verschaffen, damit du weißt, wo du singen musst und wie der allgemeine Ablauf aussehen könnte. Wenn du ein Instrument spielst, wähle einen oder zwei Akkorde als Ausgangspunkt.

Schritt 3:

• Drücke auf die Aufnahmetaste für deine Sprachnotizen und lass dich gehen – fang an zu singen, zu summen oder zu rappen, was immer dir zu dem Lied einfällt. Dabei geht es darum, zu sehen, wohin du natürlich fließt und welche Klänge sich an welchen Stellen gut anfühlen.
• Was auch immer dabei herauskommt, wird wahrscheinlich eine fleckige Melodie, ein Wort hier und da oder völliges Kauderwelsch sein – das ist perfekt! Intuitiv füllst du die Bereiche des Liedes mit dem, was sich anfühlt, als ob es dort hingehört. Lass den Song ganz durchspielen und höre nicht mit der Aufnahme auf, nur weil dir etwas nicht gefallen hat.

Schritt 4:

• Glaubst du, dass es Abschnitte gibt, die dir gefallen hätten oder die sich richtig anfühlen? Wenn ja, höre sie dir noch einmal an. Wenn nicht, mach es noch einmal und fordere dich heraus, dir etwas ganz anderes einfallen zu lassen. Je mehr Takes du hast, desto mehr hast du später zur Verfügung, was sowohl eine Hilfe als auch ein Hindernis sein kann (mehr Auswahlmöglichkeiten, aber auch mehr zu sortieren).

Wenn du ein oder zwei Takes hast, mit denen du zufrieden bist, hast du wahrscheinlich ein paar Ideen für die Melodie und hier und da ein paar Textzeilen, egal ob es echte Wörter sind oder nicht. Kauderwelsch ist dein bester Freund! Auf dieser Grundlage schreibst du den Rest des Songs. Da wir uns auf die Texte konzentrieren, ist dein nächster Schritt, deine unsinnigen Geräusche/Wörter in etwas Zusammenhängendes zu verwandeln. So werden die meisten Songs geboren.

Je öfter du das tust, desto besser wirst du in der Lage sein, eine Idee scheinbar aus dem Nichts aufzugreifen und mit ihr zu arbeiten. Denke an die Freestyles der Rapper – so haben sie es auch zu diesem Niveau gebracht!

Vertraue auf dein Bauchgefühl

Du wirst feststellen, dass du bei Kauderwelsch-Takes oft Wörter auswirfst, die bereits auf ein bestimmtes Thema oder eine Geschichte hindeuten. Vielleicht hast du eine Zeile gesagt, die die These des ganzen Songs sein könnte, oder ein perfekter Aufmerksamkeitsfänger vor dem Refrain. Versuche herauszufinden, was dein Unterbewusstsein dir gesagt hat, und baue deine Strophe darauf auf. Egal, ob es am Ende dein endgültiges Thema ist oder nicht, es ist ein guter Anfang.

Nimm deine Nonsense-Wörter auch als Leitfaden für den Klang – vielleicht hast du eine Reihe von Wörtern gesagt, die keinen Sinn ergeben, aber gut klingen. Versuche, echte Wörter zu finden, die den gleichen Vokal oder die gleiche Anzahl von Silben haben, damit sie gleich klingen, aber auch eine Bedeutung haben.

2. Was ist die Geschichte?

Finde dein “was” und dein “wer” um deinen Text zu gestalten. Denke daran, dass das Schreiben von Liedern mit dem Schreiben von Gedichten vergleichbar ist. Sie sollten auch ohne Musik einen Sinn ergeben – die Musik sollte nicht immer der Klebstoff sein.

Das „Was“

Es gibt viele Formen, die ein Lied annehmen kann, also überlege dir, welche Geschichte du erzählen willst. Geht es in deinem Lied um ein Gefühl? Eine Situation? Einen Ort? Eine Person? Eine Geschichte/Ereignis?

Die Bestimmung deines Themas hilft dir bei der Wahl deiner beschreibenden Worte und der Strukturierung deines Liedes.

Das „Wer“

Wenn du Liedtexte schreibst, musst du auch herausfinden, wen du ansprichst. Singst du für eine bestimmte Person? Oder an ein allgemeines Publikum? Steht er in der ersten Person? Vielleicht sprichst du auch über andere Menschen und schreibst in der dritten Person.

Wenn du weißt, wer spricht und wer angesprochen wird, bist du in der Erzählung deines Liedes konsistenter.

Beispiele:

• Über ein Gefühl: „20 Something“ – SZA (das Gefühl, in den 20ern zu sein und sich allein zu fühlen)
• Über eine Situation: „Deja Vu“ – Olivia Rodrigo (ein Ex macht Dinge, die sie früher zusammen gemacht haben, aber mit seiner neuen Freundin)
• Eine Geschichte erzählen: „Wet Dreamz“ – J. Cole (erster intimer Moment)
• Über einen Ort: „Hometown Glory“ – Adele
• Über sich selbst: „Prisoner“ – Etta James
• Für eine Person gesungen: „Angelina“ – Lizzy McAlpine
• In der 3. Person: „Sk8er Boi“ – Avril Lavigne

Lies die Texte verschiedener Lieder, ohne die Musik zu hören, und achte darauf, dass jede Liedform eine andere Art der Erzählung und Wortwahl erfordert. Versuche dann, das Gelernte auf deine eigenen Songtexte anzuwenden.

3. Nutze deine Sinne

Bring dein Publikum in die Geschichte, die du erzählst, indem du Bilder verwendest. Um das zu erreichen, kannst du einige der fünf Sinne detailliert beschreiben. Nur du weißt, wie es ist, an dem Ort zu sein, auf den du dich beziehst, oder welche körperlichen Empfindungen du in einem bestimmten Moment hattest – erzähle den Zuhörern, was sie sehen, riechen, hören, berühren oder schmecken sollen, damit sie das Lied auf einer tieferen Ebene spüren und ihre eigenen Gefühle damit verbinden.

Ob du nun ein bekanntes Gefühl, eine Situation oder einen Ort beschreibst oder nicht, das ändert nichts daran, dass ein guter Songtext dich dazu bringt, über ein vertrautes Gefühl auf eine Weise nachzudenken, die du vorher nicht kanntest. Versuche, beschreibende Wörter in neuen Kontexten zu verwenden. Je weiter du dich beim Schreiben von Songtexten von gängigen Adjektiven entfernst, desto mehr regst du die Fantasie der Zuhörer/innen an.

Beispiel in „Mariella“ von Leon Bridges: “Augen wie ein Dschungel, du bist etwas Wildes”

4. Spiel mit deinen Reimen

Eine todsichere Methode, um einen Song im Kopf zu behalten, ist, ihn eingängig zu machen. Dafür muss er einprägsam und leicht mitzusingen sein. Eines der besten Mittel dafür ist das Reimen. Allerdings ist der Zwang, ein Standardreimschema zu verwenden, ein häufiger Fehler bei neuen Songwritern, die sich oft unter Druck gesetzt fühlen, die Reimwörter so perfekt wie möglich klingen zu lassen und sie an den richtigen Stellen zu platzieren. Keine Angst, es gibt viele Möglichkeiten, beim Schreiben von Liedern mit Reimen zu spielen.

Die häufigsten Reimschemata, die du in Popsongs findest, sind ABAB oder AABB. Falls du das nicht kennst: So werden Reimschemata geschrieben – jeder Buchstabe steht für eine Zeile und die Art des Reims am Ende der Zeile. ABAB wird z. B. in „Fly Me to the Moon“ von Frank Sinatra verwendet:

Fly me to the moon

Let me play among the stars

Let me see what spring is like

Auf Jupiter und Mars

Es gibt aber noch viele weitere Reimvarianten, die du ausprobieren kannst. Im Grunde ist es ganz dir überlassen. Spiel mit anderen Reimschemata (AAAA, ABCB usw.) herum, bis du eines findest, das dir gefällt und das zu dem Lied passt, das du schreiben willst.

Beinahe-Reime und Binnenreime

Das Geheimnis, wie du dafür sorgst, dass deine Texte frisch klingen und du gleichzeitig mehr Auswahlmöglichkeiten hast, ist ein Kurzreim: ein unvollkommener Reim, der durch die Verwendung ähnlicher, aber nicht identischer Klänge entsteht. Die besten Songs verwenden Beinahe-Reime, und wenn sie gut gemacht sind, wirst du es nicht einmal merken. Das liegt daran, dass sie für das Ohr gut klingen, auch wenn sie sich nicht exakt reimen. Geschwister, nicht Zwillinge.

Ed Sheeran’s “A Team” ist eines von vielen Beispielen:

Light’s gone, days end

Struggling to pay rent

Long nights, strange men

Keines von “end”, “rent” oder “men” reimt sich perfekt, aber sie funktionieren. Du kannst das auch bei größeren Wörtern machen und dich sogar noch weiter von dem erwarteten Reim entfernen:

In “Money Trees”, sagt Kendrick Lamar:

It go Halle Berry or hallelujah

Pick your poison tell me what you’re doing

Everybody gon’ respect the shooter

Hier sind “hallelujah und “shooter” Beinahe-Reime, die wegen des inneren “oo” Klangs, gefolgt von dem ausgeprägten “uh” am Ende der Reime, funktionieren. Der Punkt ist: Solange es für dich gut klingt, zählt es.

Du kannst auch interne Reime verwenden, bei denen sich die Wörter in der Mitte der Zeile reimen und nicht am Ende. Du wirst feststellen, dass die erfolgreichsten Rapper dies zusätzlich zu den Endreimen tun, ebenso wie viele Singer-Songwriter.

Hier ist eine farblich gekennzeichnete Aufschlüsselung der Reime in Lose Yourself von Eminem, ein gutes Beispiel für die Kombination von perfekten, nahen und inneren Reimen.

5. Halte es einfach

Gute Nachrichten! Um bessere Texte zu schreiben, musst du keine komplizierten Wörter kennen – es kann sogar hilfreich sein, wenn du deine Songs manchmal verwässerst, damit sie nicht zu überrladen wirken. Halte es einfach und erkläre dein Thema nicht zu sehr. Beim Schreiben von Songtexten musst du bei der Wortwahl selektiv vorgehen. Es ist viel besser, zu zeigen und nicht zu erzählen. Komplexe Wörter sind in manchen Fällen willkommen, aber achte darauf, dass du dein Publikum dabei nicht verlierst.

Vermeide es auch, zu lange bei einer Beschreibung oder einem Gedanken zu verweilen und gehe stattdessen zu einem benachbarten Gedanken über. In solchen Fällen verliert man als Zuhörer/in leicht das Interesse, weil der Fluss der Erzählung von der Notwendigkeit überschattet wird, mit dem “denken” des Liedes Schritt zu halten.

6. Vermeide Klischees

Wenn du einen guten Songtext schreiben willst, solltest du die klassischen Klischees vermeiden, die wir in der Mainstream-Musik so oft hören. Manche Wörter und Ideen werden einfach nur überstrapaziert, also fordere dich selbst heraus, andere Wege zu finden, um das Gleiche in deinem Text zu sagen.

“I need you”, “tonight will be the best night of our lives”, “you drive me crazy”, “girl” reimt sich auf “world”, sind einige Beispiele für Texte oder Ideen, die wir alle schon eine Million Mal gehört haben. Obwohl sie relevante und vertraute Gefühle ausdrücken, vergessen manche Autor/innen, tiefer zu graben. Wenn du über ein sehr bekanntes Gefühl schreibst, versuche es auf eine Art und Weise zu beschreiben, die es so noch nicht gegeben hat.

Es versteht sich von selbst, dass manchmal ein gut platziertes Klischee genau das ist, was wir brauchen.

7. Studiere dein Genre

Wenn du mit der Idee haderst, wie deine Texte „klingen sollen“, denke daran, dass es kein Regelwerk gibt. Es kann helfen, dein Genre zu studieren, wenn du nicht weiter weißt. Sieh dir die Texte von 1) den bekanntesten Liedern deines Genres und 2) von ähnlichen Künstlern an und überprüfe, ob du etwas auf deine eigenen Lieder übertragen kannst.

Vielleicht findest du Muster, die dich inspirieren oder dir Hinweise darauf geben, welche Themen immer wiederkehren, wie beschreibend die Künstler sind und welche Songstrukturen in diesem Bereich häufig verwendet werden. Im R&B geht es zum Beispiel meistens um Liebe und Beziehungen, in der Folk-Musik geht es in die Tiefe, während die Tanzmusik sehr oberflächlich bleibt, und fast alle Popsongs folgen der gleichen Songstruktur (erste Strophe, Vor-Chorus, Refrain, zweite Strophe, Vor-Chorus, Refrain, Bridge, Refrain).

Jetzt, wo du ein außergewöhnliches Songwriting-Toolkit zur Verfügung hast, kannst du dich selbst daran versuchen! Denk daran, geduldig zu sein und den Perfektionismus zu ignorieren – dein Fortschritt wird exponentiell sein.

-Übersetzt von Benjamin Müller-

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