Les collaborations musicales peuvent vous aider à terminer vos chansons plus rapidement et à élargir votre public !

Tout ce que vous devez savoir, c’est les bonnes habitudes à prendre pour approcher d’autres musiciens de la meilleure manière. C’est ce que nous allons aborder dans ce guide.

Vous êtes prêt ? Plongeons dans le vif du sujet 👇

1. Abordez les artistes de manière personnelle

Tout d’abord, essayez de travailler avec quelqu’un avec qui vous vous entendez bien.

Cela ne sera pas toujours possible si vous ne vous êtes jamais rencontrés. Mais même en envoyant des messages ou via un visio Zoom, vous pouvez vous faire une idée de la personne. Si vous ne vous sentez pas en phase avec elle, passez à autre chose. Cela vous évitera bien des soucis par la suite.

Ensuite, veillez à aborder les artistes de manière personnelle. Après tout, les musiciens sont des êtres humains comme les autres.

Cela signifie que si vous abordez quelqu’un, veillez à adapter votre message à cette personne. Ne copiez pas le même message à dix personnes différentes – elles le remarqueront tout de suite. De même, ne vous contentez pas de laisser un commentaire sur leur dernier post Instagram en disant « J’adorerais collaborer ! ».

Prenez le temps de leur écrire un message personnel, en soulignant pourquoi vous voulez collaborer avec eux, et ce que vous espérez qu’ils puissent apporter spécifiquement au projet.

2. Collaborez aussi après la sortie du morceau !

Créez ensemble, faites la promotion ensemble. Après tout, être musicien ne se limite pas à écrire de la musique.

Comme vous avez chacun votre public respectif, assurez-vous que vous faites tous deux la promotion de votre chanson avant et après sa sortie.

Par exemple, vous pouvez vous définir comme « Collaborateurs » sur chaque post Instagram afin qu’ils apparaissent sur chacun de vos profils. Sinon, vous pouvez poster à tour de rôle pour maximiser la portée.

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Quoi qu’il en soit, assurez-vous de bien préparer votre stratégie de sortie. Un élément clé d’une stratégie de promotion musicale réussie est d’intégrer des playlists Spotify, de passer en radio, etc.

Avec Groover, vous pouvez contacter des playlists, radios, labels etc. qui correspondent précisément à votre style de musique 👇

3. Proposez une idée ou une ébauche pour commencer

Lorsqu’il s’agit de collaborer, une question revient le plus souvent : « Qui doit commencer la chanson » ? En d’autres termes, qui doit proposer l’idée initiale, l’esquisse de la chanson ?

Bien qu’il n’y ait pas de règles écrites, il est généralement admis que c’est la personne qui propose la collaboration musicale qui propose l’idée initiale.

Idéalement, c’est au moment où vous approchez l’autre musicien pour la première fois. C’est le moment de présenter votre idée, même s’il ne s’agit que d’une démo approximative. Il se peut que vous n’ayez qu’un couplet ou un refrain, et que l’instrumentation ne soit pas définitive. Toutefois, votre demo/idée doit être suffisante pour permettre à l’autre musicien de se projeter.

Si vous envisagez plusieurs collaborations, vous pouvez proposer l’idée initiale à tour de rôle.

4. Préparez-vous à faire des compromis

Collaboration vient du latin « travailler avec ». Cela signifie que vous devrez être ouvert aux commentaires.

Ne prenez pas les commentaires personnellement et ne restez pas attaché à vos idées musicales. Collaborer, c’est un échange d’idées, et il est donc important de faire des compromis dans certains domaines.  

5. Travaillez avec des stems audio

Travailler avec des stems audio est l’un des moyens les plus efficaces de collaborer avec d’autres musiciens sur Internet.

Il s’agit essentiellement d’exporter chaque piste d’instrument de votre chanson. De cette façon, la personne avec laquelle vous collaborez peut simplement les faire glisser dans son propre logiciel DAW.

Si vous utilisez FL Studio, il vous suffit de naviguer dans File, de cliquer sur Export, puis sur All Playlist Tracks. Vous créerez ainsi un dossier contenant toutes les pistes de votre projet. Si vous utilisez Ableton Live, sélectionnez d’abord l’ensemble de votre arrangement, puis cliquez sur File, puis Export Audio. Enfin, sélectionnez All Individual Tracks sous Rendered Track.

Pour partager des stems avec des musiciens, le plus simple est d’utiliser un Google Drive partagé.

6. Apprenez et posez des questions

On ne peut jamais être expert en tout. C’est pourquoi une collaboration musicale est un excellent moyen de compléter vos propres compétences. Dans une collaboration, les deux musiciens apportent idéalement leurs propres forces au projet.

Cela signifie qu’une collaboration musicale est le moment idéal pour acquérir de nouvelles compétences. Celles-ci peuvent concerner l’écriture de chansons, l’arrangement ou même les techniques de mixage. Quoi qu’il en soit, n’hésitez pas à poser des questions.

Vous pouvez même considérer une collaboration musicale comme un outil d’apprentissage. Vous avez du mal à écrire des mélodies accrocheuses ? Pourquoi ne pas collaborer avec quelqu’un dont vous admirez les mélodies ? C’est un excellent moyen de terminer votre morceau plus rapidement, mais aussi d’apprendre plus vite !

7. En personne ou à distance ?

Avant de vous lancer dans une collaboration musicale, vous devez savoir quel type de collaborateur vous êtes.

Êtes-vous plutôt du genre à collaborer en personne ? Ou préférez-vous la sécurité de la solitude lorsque vous écrivez de la musique ?

Il est essentiel de répondre à cette question. De nombreux musiciens aiment se retrouver dans la même pièce pour improviser et échanger des idées. Mais d’autres trouvent ce type d’environnement stressant et préfèrent être seuls lorsqu’ils essaient de nouvelles idées. Si vous n’êtes pas dans votre zone de confort, vous aurez du mal à vous sentir à l’aise et à écrire de la bonne musique. Veillez donc à ce que le type de collaboration corresponde à vos préférences personnelles !

C’est tout pour ce guide sur la collaboration musicale !

Voilà qui conclut notre guide sur les meilleures pratiques à observer lors d’une collaboration avec d’autres artistes ! Nous espérons vous avoir donné des conseils et de l’inspiration pour faire de vos prochains projets un succès ! Plus vous collaborerez, plus vous apprendrez de trucs et astuces. Comme on dit, c’est en forgeant qu’on devient forgeron !

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Quelles sont vos meilleures techniques pour une collaboration musicale réussie? Faites-le nous savoir dans les commentaires ci-dessous 👇

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Groover est un outil qui permet le développement de carrière d’artistes à l’international, très proche de nos objectifs entre la France et le Canada avec Latitude 45.

– Latitude 45 –

Le projet Latitude 45 c’est quoi ?

Latitude 45, c’est un projet de coopération d’artistes urbains Hip-Hop émergents entre Lyon et Montréal porté par les structures Galant Records (adossé à Jarring Effects), Hydrophonik (branche de Indica Records), High-lo et Mediatone. Ce projet est né en pleine période covid, par l’intermédiaire de rencontres professionnelles via Groover et Ma Cabane à Paname 2020.

Son objectif ? Mettre à disposition des artistes la prolifération des nouveaux outils de digitaux communication (Zoom, Discord, WhatsApp…) pour impulser de nouveaux moyens de création. Et c’est un succès car c’est finalement une mixtape hip-hop transatlantique qui voit le jour avec deux EPs : un premier volume prévu pour mai et un second pour octobre 2022. En parallèle, maintenant que le monde rouvre, deux tournées sont en train de se monter au Québec et en France pour créer une réelle rencontre artistique et développer la carrière de ces artistes émergents sur de nouveaux territoires, auprès du public mais aussi des professionnel·le·s de l’industrie. En bref, notre objectif est d’accompagner de jeunes artistes émergents en pleine crise covid dans un projet professionnalisant autours de deux cultures cousines.

Comment vous est venue l’idée de créer ce projet ?

Le temps de rencontre numérique « Ma Cabane à Paname 2020 » nous a permis de nous rencontrer et de pouvoir mettre un visage sur des professionnel·le·s que nous avions commencé à identifier via Groover. Cet échange a mis le doigt sur la morosité du contexte sanitaire ambiant et nous avons réfléchi à des moyens pour mettre à profit ce break imposé pour initier de nouveaux projets qui nous offriraient une visibilité jusqu’en sortie de crise. La volonté de Latitude 45 est de créer une émulation artistique et professionnelle pour redonner une effervescence à la culture de nos territoires, malgré les frontières qui nous séparent.

Pourquoi avoir voulu lier le Canada et la France ? Et plus précisément Montréal et Lyon ?

Ce projet de création inédit crée une connexion artistique entre les cultures lyonnaise et montréalaise, ayant en commun la francophonie et partageant la même latitude. 😉 Ces dernières décennies, les liens culturels et politiques entre ces deux villes se sont resserrés. Ils ont permis de mettre en place de nombreuses collaborations et échanges entre les deux métropoles. Latitude 45 vient renforcer cette amitié et ce principe de réciprocité. À cela s’ajoute le besoin pour les artistes québécois de rejoindre le marché français (plus gros marché hip-hop après les États-Unis) et l’opportunité pour les artistes lyonnais de toucher un public international encore plus large et friand de projets français.

Comment avez-vous choisi les artistes qui se trouvent dans le projet Latitude 45 ?

De part nos activités respectives, nous scrutons énormément nos scènes locales. C’est l’une des raisons qui nous a poussé à défendre exclusivement des artistes émergents car ce sont eux·elles qui ont été le plus touché·e·s par la crise sanitaire et nous étions en première ligne pour le constater. Nous avons donc dressé une shortlist de propositions qui tendaient vers différents styles de rap/RnB, puis nous avons organisé des binômes en proposant aux artistes des alter égos qui nous semblaient pertinents. Évidemment, nous avons apporté une attention particulière pour que chaque morceau soit un échange transatlantique. Nous voulions aussi respecter une certaine parité des chances en offrant ces opportunités à des artistes féminines, qui méritent autant d’attention que leurs collègues masculins, bien que seulement deux d’entre elles aient accepté de participer.

Vous venez de sortir un premier single 👏 vous pouvez nous en parler ?

Ce premier single offre une collaboration du montréalais L.Teez et du lyonnais Cyrious. A la prod on retrouve le beatmaker lyonnais Vax1 que l’on ne présente plus en France (artificier sonore pour L’Or du Commun, Blu Samu, Hippocampe Fou, L’Entourage…) Pour ce premier extrait, il était important pour nous d’associer deux univers marqués pour faire échos aux identités des deux villes et donc du projet Latitude 45. L.Teez, dans un style très jazz, est clairement sur une proposition que la scène française offre rarement. Cyrious vient quant à lui de cette génération éduquée aux morceaux 90s’ du rap français, avec des textes très travaillés, où le fond est aussi important que la forme. Vax1 fait le pont entre ces deux univers avec une production atmosphérique aux notes très soul et jazzy.

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Qu’est-ce qu’on peut vous souhaiter pour l’avenir de Latitude 45 ?

L’avenir de Latitude 45 va être marqué par l’organisation d’une tournée des artistes en France et au Québec. Au-delà de nous souhaiter de remplir des Zéniths, vous pouvez nous souhaiter d’ouvrir des passerelles entre les deux bords de l’Atlantique et que Latitude 45 amène de futurs échanges et collaborations entre la France et le Québec !

En quoi Groover a joué un rôle dans la génèse de ce beau projet ?

Lefa disait en 2018 « Il y a des gars qui ont des connex’, mais gros faut les connaître ».
Groover nous a permis de les connaître 😉

Plus concrètement, Groover nous a permis d’identifier les différentes parties prenantes de nos territoires respectifs pour nous donner l’envie de nous rencontrer par la suite sur des temps de rencontres professionnels comme Ma Cabane à Paname ! Groover est aussi une plateforme qui donne accès aux équipes de promotions à un répertoire de contacts industrie et média couvrant de nombreux pays et territoires, mettant de l’avant l’échange culturel. Nous avons pu nous en servir par le passé pour promouvoir des projets canadiens vers la France et vice-versa. C’est en fait un outil qui permet le développement de carrière d’artistes à l’international, très proche de nos objectifs entre la France et le Canada avec Latitude 45.

Lire aussi : Lampion signe avec le label Rosemarie Records, grâce à Groover

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Nous sommes donc parti.e.s à la rencontre de Metò, Androma et Get The Sound pour qu’ils nous racontent leur histoire, et qu’ils nous donnent le secret d’une collaboration réussie.

La collaboration entre Androma et Metò aurait pu ne jamais voir le jour sans Groover.

– Get The Sound –

Metò, peux-tu nous parler de toi et de ton projet musical ?

Metò : Par où commencer.. Metò est un projet qui a vu le jour dans un contexte spécial de ma vie, où je devait prendre soin de mon père en fin de vie. Le projet est l’aboutissement de mes ambitions enfouies qui attendaient une petite brèche pour laisser aller leurs passions. Depuis, l’envie de créer est plus présent que jamais. Après la publication de mon premier EP « Alstroemeria », je travaille présentement sur mon premier LP à paraître l’an prochain.

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Androma, peux-tu nous parler de ta musique et de ton histoire jusqu’à aujourd’hui ?

Androma : Je pratique la musique depuis presque toujours, j’ai eu une formation classique au conservatoire de Nantes. J’y ai appris le piano, la trompette, la batterie. Puis à l’adolescence j’ai commencé la MAO (Musique assistée par ordinateur).Après mon bac je suis arrivé à Paris pour mes études, j’ai pris mon courage à deux mains et j’ai sorti mes productions sur Soundcloud et ça a tout de suite pris. Depuis j’ai eu la chance de remixer des artistes comme Lost Frequencies ou Fakear et de travailler avec des labels comme Armada et Get The Sound. J’ai aussi eu la chance de voyager un peu partout pour me produire sur scène. J’en suis vraiment heureux et je sais la chance que j’ai !

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Comment vous êtes-vous rencontrés avec Androma ?

Metò : C’est une collaboration qui s’inscrit dans les heureux hasards de la vie. Les genres nous enferment parfois dans des prisons, donc pour moi c’est une chance de pouvoir prêter mon art à un projet qui est complètement différent du mien.

Androma : Sur ce titre, je cherchais un chanteur et Get The Sound nous a mis en relation avec Olivier (Metò). Je suis très admiratif de son travail. Il a une voix incroyable. Tout est allé très vite et on avait hâte de pouvoir sortir le track.

Et ensuite, comment s’est passée votre collaboration ?

Metò : Tout s’est déroulé naturellement, sans pression et sans stress. Parfois, la simplicité nous mène à des résultats agréablement surprenants.

Androma : Il vit à Montréal et moi en France donc on a pas mal échangé par mails. On s’est vite compris et sa première version est quasiment celle qui est sortie par la suite.

Get The Sound, qui êtes-vous ? Comment accompagnez-vous les artistes ?

Get The Sound : Nous sommes un label et éditeur français indépendant de musique électronique, spécialisé dans les genres Electro Chill, Chill House et Dance. Nous avons comme mission de trouver et développer les nouveaux talents de demain 🙂

GTS propose une solution à 360° pour les artistes en devenir, en les soutenant dans leur production, leur direction artistique, leur distribution, leur promotion, leur édition… avec l’ambition de devenir plus qu’un Label. Get The Sound a pour ambition d’innover et d’être le paria parmi les autres labels, en s’efforçant de soutenir des créateurs de talent établis et souvent négligés.

Nous avons l’ambition de devenir le premier accélérateur de projets artistiques capable d’apporter une garantie aux artistes, grâce au marketing numérique et à l’analyse des données.

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Vous avez découvert Metò sur Groover. Qu’est-ce qui vous a particulièrement plu dans son projet musical ?

Get The Sound : Metò est un artiste très complet à la voix singulière et très identifiable.
Il incarne parfaitement son projet, et son timbre unique s’intègre parfaitement sur des sonorités électroniques. Sa capacité à écrire des paroles profondes et complexes et à en transcrire l’émotion lorsqu’il chante emmène ses titres dans une autre dimension.

Comment avez-vous su que ça matcherait entre Metò et Androma ?

Get The Sound : Inscrit depuis de nombreuses années dans le paysage électronique, Androma avait à coeur de trouver une voix singulière qui pourrait sublimer et transcrire l’émotion et la mélancolie de son oeuvre instrumentale.
La complémentarité d’Androma (production) et de Metò (texte, chant), comme une évidence, s’est clairement manifestée sur ce titre « Osmose ».

| Voir aussi : Les collaborations/featuring, comment ça marche ?

Metò, Androma, Get The Sound, quels seraient vos conseils pour une bonne collaboration artistique ?

Metò : Tout d’abord, les collaborations ne sont pas fait pour tous. Ça demande un lâcher-prise et une ouverture à l’autre. Il faut garder à l’esprit que le l’objectif est le partage et le plaisir. Somme toute, je crois que c’est nécessaire pour grandir en tant qu’artiste.

Get The Sound : Lorsque les artistes sont sur la même longueur d’onde et qu’ils souhaitent communiquer les mêmes émotions/sentiments, comme c’est le cas pour cette collaboration, la magie opère. Cela ne signifie pas qu’il est nécessaire d’être d’accord sur tout, mais que si la finalité et le rendu souhaité est semblable, c’est justement la confrontation des idées et la prise en compte des avis des artistes qui les mènera à une collaboration réussie.

Et enfin, que pensez-vous de Groover ?

Metò : Groover, c’est la façon logique et simple pour développer son projet de manière organique, en prenant contact avec des vrais acteurs de l’industrie qui permettront à celui-ci de grandir.

Get The Sound : Groover est un formidable outil de mise en relation entre les artistes. La collaboration entre Androma et Metò aurait pu ne jamais voir le jour sans la plateforme. Par ailleurs, nous utilisons Groover au quotidien pour découvrir de nouveaux artistes en tant que curateur musical. La diversité et le nombre d’univers musicaux présents sur Groover en font une plateforme clé pour les labels et médias indépendants.

Relire : Alvin Chris signe avec le tourneur Velvet Coliseum, grâce à Groover

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Rétablissons tout de suite une vérité infaillible : si vous pensiez que les collaborations artistiques — aussi appelées « featurings » — étaient chasse gardée d’artistes exposés, où l’inverse, vous vous trompiez. Les associations entre professionnels de la musique sont monnaie courante, quel que soit le niveau de notoriété des artistes. Prenez comme récent exemple le projet de Jul, 13 Organisé, qui a réuni au moins 50 rappeurs, tous jouissant de renommées différentes. Voici la preuve qu’il ne faut avoir aucune crainte à proposer des featurings, même avec ceux que vous pensiez intouchables. Car ici, plus qu’une question d’argent (nous y reviendrons plus bas), il faut raisonner en termes de sensibilité artistique et de gain d’audience. Maintenant que cette vieille légende est révolue, concentrons-nous d’abord sur l’utilité d’un featuring, ainsi que sur les avantages d’une telle collaboration artistique.

| Voir aussi : Comment trouver une audience pour son projet musical ?

[su_youtube_advanced url= »https://www.youtube.com/watch?v=-CVn3-3g_BI&feature=emb_title » title= »Bande Organisée – Sch / Kofs / Jul / Naps / Soso maness / Elams / Solda / Houari // Clip Officiel »]

Avantage n°1 du featuring :
le gain « public »

Le premier avantage du featuring concerne le public. Dans le cas d’une collaboration artistique, on pourra facilement dégager trois exemples, et autant d’aspects positifs :

• Imaginons d’abord que vous êtes un newcomer et qu’une « star » accepte votre demande de featuring. Logiquement, grâce à votre prestation sur le morceau, vous attirerez une partie de l’audience de votre compagnon de fortune ; une aubaine si cet artiste explose tous les compteurs.
• Deuxième possibilité, vous vous associez à un.e musicien.ne dont la communauté est égale en nombre à la vôtre. L’intérêt du featuring repose ici sur le type de public qui suit l’artiste avec qui vous croisez le micro. Si vous faites du rap et que vous opter pour composer avec un DJ, grandes sont les chances que des « clubbeurs » s’éprennent pour vous et décide de soutenir votre projet musical ; c’est ce qu’il se passe dans l’autre sens avec Vladimir Cauchemar, qui multiplie les interventions auprès des rappeurs, comme Vald, Alkpote, Lacrim, Caballero & JeanJass, Michel… Cela va de soi, toutes les personnes écoutant de la musique électronique ne sont pas des « clubbeurs », mais en grossissant volontairement le trait de la sorte, vous saisissez l’idée. Gardez en tête que si vous collaborez avec quelqu’un officiant dans votre « créneau », le cumul des publics est envisageable, et bon à prendre.
• Enfin, dernier cas de figure : malgré que vous débutiez, vous décidez de collaborer avec un.e artiste à plus faible audience. Au-delà du fait que votre partenaire (ou vous) peut devenir la nouvelle sensation, il est important d’affirmer là qu’il n’y a pas de mauvais de public. Chaque personne qui écoutera votre musique est un potentiel futur soutien. Ne négligez donc rien, ni personne.

Alerte de ça, la question suivante est toute trouvée : comment proposer un featuring à un.e autre artiste ? Clamons-le haut et fort : nous ne sommes pas aux États-Unis ! Rien ne sert d’allonger les pépettes pour qu’un.e artiste apparaisse sur votre morceau – même si, c’est vrai, désormais quelques rappeurs français se la jouent ricains et quémandent un chèque. Booba — « minimum 5 chiffres si j’viens » — et d’autres artistes ne manquent d’ailleurs pas de le rappeler dans leurs textes ! Mais, dans la grande majorité des cas en France, une collaboration musicale n’est pas payante. C’est au bon vouloir de l’artiste de « feater » ou non. Il n’y a donc pas vraiment de technique type pour maximiser vos chances d’obtenir un featuring, si ce n’est de rentrer en contact en bonne et due forme avec l’entourage professionnel (label, producteur…) ou l’artiste directement, puis d’exposer votre projet, votre vision. Tout est principalement une question de stratégie artistique ; même si les aspects commerciaux et marketing ne sont jamais bien loin.

[su_youtube_advanced url= »https://www.youtube.com/watch?v=qRTsLAuLDWY&feature=emb_title » title= »Michel – Ta vie feat. Vladimir Cauchemar »]

Avantage n°2 du featuring :
le gain « argent »

C’est une évidence, mais rappelons-le : en apparaissant sur la chanson d’un.e collègue artiste, vous fournissez un « travail », et il y a donc obligation de rémunération. Pour répartir vos gains, il y a deux possibilités :

• Si vous êtes artiste indépendant.e, vous décidez de tout, ce qui comprend également la façon de payer votre/vos collaborateur/trice.s. Reprenons l’exemple de 13 Organisé. Jul, pilote du projet, a veillé à ce que tous les rappeurs ayant participé au projet obtiennent la même somme — une initiative aussi rare qu’elle est bienveillante, particulièrement si l’on se dit qu’Akhenaton d’IAM a été payé autant que… Houari !
• Maintenant, si vous êtes signé.e en label de musique — on en profite pour vous inciter à relire notre article concernant les différents types de contrats. Le choix de répartitions des gains se fera par vos équipes, et non plus par vous.

Mais du coup, comment mesure-t-on les gains pour rémunérer ces services ? Il y a deux aspects à prendre en compte :

• Le premier concerne les royalties, c’est-à-dire l’argent accumulé grâce à la vente de disques et de streams (toutes plateformes confondues) … Vous, ou l’artiste avec qui vous collaborez, devez alors négocier un pourcentage des royalties que le morceau aura généré. Dans la plupart des cas, et dépendamment de votre contrat, ce chiffre oscille entre 3 et 7 %. Ce pourcentage peut encore augmenter si l’artiste invité.e, ou vous, apportez une contribution plus importante à la chanson. Par exemple, en plus d’un couplet, si vous vous occupez du refrain, on parlera d’un « duo » et non plus d’un « featuring ». En somme, si votre dose de « travail » dans le morceau est plus conséquente, vous pouvez logiquement réclamer plus.
• Le second aspect correspond lui aux droits d’auteurs (à la partie « édition »), et fait donc rentrer la SACEM dans la danse. Si le morceau a été diffusé en masse à la radio, à la télévision, en discothèques ou dans les lieux publics sonorisés, vous êtes en droit de demander un pourcentage plus élevé. Sachez qu’en France, grâce à une juridiction spéciale qui encadre les collaborations artistiques, vous ne pouvez pas toucher moins de 50 % de ce que la SACEM vous fournit.

[su_youtube_advanced url= »https://www.youtube.com/watch?v=UI7wtEN7RsI&feature=emb_title » title= »Deen Burbigo – Cercle Vertueux »]

Featuring = Je te donne + Tu me donnes…

Afin de résumer brièvement tout ce que l’on vient de se dire, et donc, pour qu’une collaboration artistique soit réussie, il faut :

• établir un contact professionnel avec l’entourage ou l’artiste directement ;
• décider ensemble d’une démarche artistique pertinente ;
• convenir d’un montant de rémunération avec un pourcentage raisonnable (pourquoi pas en se basant sur les chiffres donnés plus haut) ;
• et enfin, établir avec votre feat, une stratégie de communication (réseaux sociaux & médias) qui pourra vous servir à tou.te.s les deux.

Maintenant, ne vous reste plus qu’à écrire votre meilleur couplet — avant qu’un.e autre ne le devienne à son tour. Ah, soit dit en passant, sur Groover, toute une panoplie d’artistes n’attend que vos propositions pour faire de la bonne musique !

| Pour approndir le sujet, écoutez notre épisode de podcast 👉 Les dessous des featurings – Groover Tips

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