En rejoignant un label, vous signerez un contrat pour encadrer votre collaboration. Il existe différentes options : un contrat d’artiste, un contrat de licence ou un contrat de distribution. Chacun de ces contrats a ses avantages et inconvénients, et vous engage plus ou moins avec le label. 

Avant de signer un contrat, il est indispensable de bien savoir ce qu’il inclut et à quoi il vous engage. Pour vous aider à y voir plus clair, nous vous partageons un aperçu de ces 3 types de contrats, et des conseils pour faire les bons choix.

1. Pourquoi signer un contrat avec un label ?

En démarrant dans la musique, les artistes gèrent souvent seuls tous les aspects de leur projet : enregistrement, distribution de la musique, communication, recherche de dates de concert… Cela est possible mais demande beaucoup de temps, et nécessite que vous travailliez sur certains domaines que vous ne maitrisez pas.

Lorsque votre projet murit, il est intéressant de collaborer avec différents acteurs de la musique. Travailler avec un label est souvent l’une des premières étapes : cela permet d’être entouré de professionnels pour créer et distribuer votre musique, ce qui donne plus de visibilité à votre projet et vous libère du temps pour vous concentrer sur la production de musique. Pour savoir comment y parvenir, consultez notre guide pour être signé par un label.

Il y a de nombreux avantages à travailler avec un label de musique :

• Bénéficier de l’expertise du label sur des domaines comme la promotion, le marketing et la distribution de votre musique.
• Accéder à des opportunités que vous n’auriez pas seul, comme des enregistrements en studio, des mises en avant dans des playlists, des opportunités de synchronisation dans une publicité ou un film.
• Être conseillé et entouré pour bien gérer votre carrière, avec l’équipe du label et les professionnels de la musique qui les entourent (éditeurs, bookers, managers…)
• Collaborer avec d’autres artistes du label pour des titres en featuring, remixes et dates de concerts.
• Capter une nouvelle audience et étendre votre réseau, grâce aux personnes qui apprécient le label, suivent ses sorties et vous découvriront par ce biais.

Trouver un label avec qui travailler peut prendre du temps. Pour maximiser vos chances, développez votre réseau dans l’industrie musicale et restez informés sur les labels correspondants à votre style musical. Pour contacter facilement des labels de musique et être sûr de recevoir une réponse, vous pouvez utiliser la plateforme Groover 👇

2. Le contrat d’artiste : un accompagnement global

Concept du contrat d’artiste

Le contrat d’artiste est aussi appelé contrat d’enregistrement exclusif. C’est le type de contrat le plus complet en termes d’engagement et de services apportés à l’artiste.

En signant un contrat d’artiste, vous cédez au label les droits d’exploitation et de propriété intellectuelle de votre musique. Le label devient donc propriétaire de votre musique et de ses enregistrements (ou masters).

Un contrat d’artiste apporte des avantages à l’artiste, car le label prend en charge un ensemble de domaines : production, marketing musical, distribution…

Mode de rémunération

Les royalties des artistes varient entre 5 % à 15 % des revenus pour ce type de contrat. Ces pourcentages peuvent être négociés en fonction de critères comme la notoriété de l’artiste, le potentiel de vente de sa musique, et l’étendue des services fournis par le label.

Une partie de ces revenus générés par la musique peut être distribuée sous forme d’avance. Dans un contrat d’artiste, d’autres revenus peuvent entrer en compte, notamment ceux des dates de concert et du merchandising.

Avantages du contrat d’artiste

Le principal avantage d’un contrat d’artiste est de bénéficier d’un accompagnement complet. Le label prend en charge tous les aspects de votre carrière : commercial, marketing, distribution, relations publiques… Cela vous permet de vous concentrer pleinement sur votre production musicale, sans avoir à gérer vous-même tous les autres domaines.

Cela vous fournit également des moyens financiers pour prendre en charge certains domaines, en particulier les postes de dépenses les plus coûteux comme l’enregistrement en studio et la promotion. Enfin, vous aurez accès au réseau et à l’expertise du label, ce qui vous apportera des opportunités pour développer votre carrière.

Inconvénients du contrat d’artiste

Le contrat d’artiste a l’avantage de fournir un accompagnement complet aux artistes, mais amène également un engagement fort. La première chose à savoir est que vous cédez les droits de votre propriété intellectuelle au label, vous ne serez donc plus propriétaire de votre musique. 

Dans un contrat d’artiste, la notion d’exclusivité signifie que vous vous engagez à travailler uniquement avec ce label pendant la durée définie. Vous ne pourrez donc pas travailler avec un autre label, ou sortir votre musique de manière indépendante. 

Enfin, en contrepartie des services fournis par le label, les revenus perçus par l’artiste sont généralement plus faibles que dans les autres types de contrats.

Nos conseils

Un contrat d’artiste peut être une excellente opportunité pour votre carrière. Avant de vous engager, prenez le temps de bien comprendre le cadre du contrat, les engagements que vous prenez, les services apportés et le montant de votre rémunération. Prenez aussi le temps de bien discuter avec l’équipe du label pour vérifier que vous aurez une bonne relation et une vision similaire sur votre projet.

Il est indispensable de bien négocier le cadre de la collaboration et les termes du contrat. Si vous avez des doutes, pensez à consulter d’autres professionnels de la musique et un juriste. Il faut également vérifier la capacité du label à vous accompagner sur les différents aspects, et l’envie de vous accompagner sur le long terme.

Si vous souhaitez travailler avec un label en gardant davantage d’autonomie, vous pouvez également envisager un contrat de licence.

3. Le contrat de licence : un accompagnement tout en restant propriétaire de sa musique

Concept du contrat de licence

Le contrat de licence est une autre possibilité pour travailler avec un label de musique. Avec ce contrat, vous cédez au label les droits de fabrication, de production et de commercialisation. Cela peut être un avantage considérable pour être accompagné sur la distribution, la promotion et le marketing de votre musique.

Mode de rémunération

Dans un contrat de licence, les revenus générés par la vente et la diffusion de la musique sont partagés entre l’artiste et le label selon un pourcentage défini dans le contrat. L’artiste perçoit généralement entre 20 % et 30 % des revenus générés par sa musique.

Avantages du contrat de licence

Avec le contrat de licence, vous restez propriétaire de votre musique et assurez l’enregistrement. Vous bénéficiez ainsi de l’expertise et des services du label, tout en gardant le contrôle sur l’utilisation de votre musique.

Le contrat de licence n’inclut pas toujours de notion d’exclusivité : vous pouvez ainsi collaborer avec plusieurs labels pour différentes sorties, par exemple en fonction de l’audience visée et des territoires. Cependant, des contrats de licence exclusive existent également : veillez à bien vérifier ce point pendant la négociation. 

Le contrat de licence est de plus en plus privilégié par les artistes pour garder une certaine indépendance vis-à-vis des labels. Il est courant que les artistes créent leur propre structure pour rester propriétaire de leurs droits, et collaborent avec un label pour assurer la diffusion de leur musique à plus grande échelle. Pour trouver ce label, vous pouvez envoyer votre morceau à plus de 350 labels sur Groover. 

Inconvénients 

Avec un contrat de licence, vous prenez en charge davantage de frais que dans un contrat d’artiste. En particulier, vous êtes responsable de l’enregistrement de votre musique. En fonction des termes du contrat sur la rémunération, il est également possible que vous preniez en charge une partie des frais de promotion.

Vous devez bien choisir le label avec lequel vous collaborez, car il sera responsable de la distribution de votre musique. Cette partie a un rôle déterminant dans le succès de vos sorties, vous devez donc collaborer avec un label qui peut vous apporter une vraie valeur ajoutée. 

Nos conseils

Avant de vous engager dans un contrat de licence, prenez le temps d’évaluer l’expertise du label pour la distribution et le marketing. Pour cela, vous pouvez notamment demander au label des détails sur leur approche et observer les autres sorties qu’ils ont géré.

Comme pour tout contrat, prenez le temps de bien consulter les termes, en particulier sur la durée, les territoires couverts, et les pourcentages de partage des revenus. Étant donné qu’avec cette option, vous restez propriétaire de votre musique, il peut être pertinent de créer votre structure juridique pour gérer vos droits et optimiser vos revenus. 

4. Le contrat de distribution

Concept du contrat de distribution

Avec un contrat de distribution, le label ou la structure de distribution vous accompagne pour rendre votre musique disponible en digital et éventuellement en physique. Ce type de contrat est particulièrement adapté pour les artistes voulant gérer le maximum de leur carrière en indépendance, tout en s’assurant que leur musique sera distribuée de manière professionnelle. 

Mode de commission 

Le contrat de licence marche par un système de commission, déduit des revenus générés par les ventes de musique en ligne ou en magasin. Le distributeur prend généralement 30 à 40 % des revenus. Ce taux est négocié pour chaque contrat, et il peut être réévalué à la baisse à différents paliers des ventes. 

Avantages du contrat de distribution

Les artistes débutant leur carrière gèrent souvent la distribution eux-mêmes, via un service de distribution. Mais pour les projets ayant un certain niveau de maturité, il est préférable de s’appuyer sur un contrat de distribution. Travailler avec un label ou distributeur permet d’être bien disponibles sur les plateformes de streaming et dans les canaux physiques, avec des mises en avant qui boostent la visibilité. Vous aurez ainsi accès à des canaux que vous ne pouvez pas atteindre seuls, notamment pour une distribution physique à l’international.

Le contrat de distribution est le contrat qui vous fournit le plus d’indépendance. Vous accédez à un réseau professionnel de distribution, tout en gardant les droits sur votre musique et la gestion de votre carrière. 

Inconvénients 

Un contrat en distribution vous permet d’être accompagné uniquement pour la distribution de votre musique. Vous devrez donc gérer vous-même tous les autres aspects de votre projet, ou être accompagné par d’autres professionnels de la musique. Cela est particulièrement adapté aux artistes qui souhaitent gérer au maximum leur projet via leur propre structure.

Un autre inconvénient potentiel concerne la promotion et le marketing : avec un contrat de distribution, vous devez assurer cette partie. Bien qu’un bon distributeur puisse vous aider à être visible sur les canaux de distribution, il ne vous fournira pas les moyens de promotion présents dans les contrats d’artiste ou de licence.

Nos conseils

Avant de signer un contrat de distribution, évaluez la réputation et le réseau du label ou du distributeur. Assurez-vous qu’il maîtrise bien les plateformes de streaming et qu’il a des relations avec les équipes éditoriales. Si vous avez une distribution physique, vérifiez s’ils peuvent vous aider à être présents dans les boutiques et les territoires pertinents pour votre projet.

Évaluez également votre capacité à gérer les autres domaines complémentaires à la distribution, en particulier la promotion et le marketing. Et pour finir, demandez à avoir accès aux chiffres des ventes, ce qui vous aidera à garder une vue d’ensemble sur vos ventes et à vérifier les revenus.

Conclusion

La collaboration avec un label est une étape importante pour un artiste. Cela peut vous apporter des avantages majeurs pour être accompagné, développer votre carrière et bien vous entourer. Au moment de démarrer une collaboration, plusieurs options de contrat s’offrent à vous : un contrat d’artiste, un contrat de licence ou un contrat de distribution. Avant de vous engager, prenez le temps de bien étudier les termes des contrats, et éventuellement de comparer plusieurs propositions si vous en avez l’opportunité. Pour contacter des labels facilement et trouver un contrat qui fera décoller votre carrière, vous pouvez utiliser la plateforme de promotion musicale Groover.

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[Groover] Une mise en relation immédiate et efficace avec des contacts du monde de la musique auxquels il serait impossible d’avoir accès en tant qu’artiste indépendant et débutant. Un grand merci à vous aussi pour la signature avec MIM Records. 🙂

– Sauvan –

Hello Sauvan ! Peux-tu nous présenter ton projet musical ?

Mon projet musical peut être résumé ainsi : des textes en français chantés sur des productions électroniques dans une ambiance neo/rétro : un vrai retour vers le futur musical !
Après quelques années de poprock en groupe au lycée, je me suis lancé en solo il y a un an et demi. J’ai réalisé mes sons de A à Z depuis ma chambre avant de signer mon premier label en tant qu’un artiste chez MIM Records.

Quels sont tes inspirations et tes rêves pour ta musique ?

Pour ce qui est de mes inspirations, mes mélodies sont largement inspirées dans la variété française pure, notamment Dalida ou Claude François. Pour les textes c’est un peu plus mélangé : c’est très variet, mais je puise parfois dans les rythmique syllabique et les schémas de rimes du rap français de ces dernières années (Booba, Nekfeu, Lomepal). Pour les productions, j’essaie d’avoir un son électro, mon but étant d’arriver à quelque chose de très dansant, à l’image d’un milkshake entre Bon entendeur, Stromae et Polo & Pan.
Pour ce qui est des rêves, il y en a tellement, mais si on en retenait seulement trois : une première grande radio, une première salle, une première partie !

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MIM Records, pouvez-vous nous parler de votre label ? Sur quels critères vous basez-vous pour signer de nouveaux artistes ?

MIM Records a été créé de façon « artisanale » en 2012 par 2 compositeurs, ingénieur du son et réalisateur musicaux, Jean Christophe Belval et moi-même, Pierre Alexandre Favriel ayant pour but de faire « vivre » notre musique.
Très vite sollicités pour accompagner de jeunes artistes en direction artistique et conseil juridique, nous nous sommes structurer en 2016 avec un pole label MIM Records, un pole publishing, MIM Songwriting et management. Nous développons la même année notre 1er artiste Jenn Sarkis en collaboration avec Parlophone / Warner Music.
Nos signatures sont avant tout des rencontres humaines et coups de coeur musicaux, avec des projets qui ont un ADN profondément POP.
Les artistes qui nous sollicitent se retrouvent souvent dans la « couleur » et la DA du label. Il peut nous arriver d’être sensibilisés par un projet mais si notre vision artistique ne correspond pas au profil de l’artiste, nous faisons le choix de ne pas signer.

MIM Records, vous avez découvert Sauvan sur Groover. Qu’est-ce qui vous a convaincu de signer son projet musical ?

Sauvan nous a séduit par la fraicheur de sa musique et de ses textes.
De plus, sa détermination et la vision précise de son projet nous a aussi encouragés car nous avons été tout de suite en phase artistiquement et avec ses attentes.

Quels sont vos projets communs pour l’année à venir ?

On va prendre le temps de réaliser un 1er single qui définira la trame de l’album.
Les titres de Sauvan actuellement disponibles ont été entièrement auto-produits dans sa « chambre » , il s’est construit sa communauté avec ce travail, cet univers.
Notre objectif est de sublimer son travail sans pour autant pervertir la direction initiale.

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Quels seraient vos conseils aux jeunes artistes en développement ?

Persévérance, patience, ne pas baisser les bras devant les obstacles et toujours y croire !

Et la question traditionnelle 😉 Que pensez-vous de Groover ?

MIM Records : Plateforme simple d’utilisation, vivier artistique et belle découvertes.

Sauvan : Super expérience ! Une mise en relation immédiate et efficace avec des contacts du monde de la musique auxquels il serait impossible d’avoir accès en tant qu’artiste indépendant et débutant. Un grand merci à vous aussi pour la signature avec MIM Records. 🙂

| Voir aussi : Kiara Jones gagne en visibilité à l’international, grâce à Groover

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Pour découvrir la liste de tous les labels que tu peux contacter sur Groover, écoute et retours garantis, c’est par ici

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C’est ça qu’il faut aller chercher chez un DA. C’est : qu’est qu’il va t’apporter que toi tout seul t’es pas capable de faire ?

Pauline Raignault

Entrez directement en contact avec des DA sur Groover ⬇️

1. Qu’est ce qu’un directeur artistique (DA) ?

À la base le métier de directeur artistique a des contours assez précis mais ses fonctions se sont diversifiées avec l’évolution du marché de la musique. Le directeur artistique s’occupe de :

• Repérer/dénicher un ou une nouvelle artiste
• Identifier sa proposition artistique 
• L’aider à le.la guider dans la bonne direction 
• Apporte sa force de proposition pour ‘pimper’ l’ADN de base de l’artiste

Le DA porte un regard extérieur sur un projet musical et offre une autre vision que celle de l’artiste.

Dans les labels et surtout les majors, il y a désormais une fusion entre :

• la direction artistique qui s’occupe à la base du sourcing de nouveaux talents, qui passe du temps avec les artistes.
• et le marketing, qui imagine la stratégie de sortie, sur l’image et sur le discours entre le point de départ et l’objectif final de l’artiste.

2. Quels genre de conseils donne le directeur artistique ?

Différents types de conseils sont proposés par les directeurs artistiques. Ils peuvent par exemple suggérer de retravailler un refrain sur un son, de sortir tel ou tel morceau en single, ils peuvent aussi trancher sur quel titre mettre le plus en avant.

Pauline Raignault, par exemple, raconte qu’elle a vraiment conseillé à Bigflo & Oli de garder l’élément rap contenders dans leur musique car c’est dans cet univers qu’ils ont débuté leur carrière.

3. Comment trouver l’équilibre entre la vision de l’artiste et du DA ?

Il n’y a rien de mieux que le dialogue ! 

Pauline Raignault : “ je suis challengeante pour les artistes mais l’artiste doit pouvoir faire comprendre sa vision et en être convaincu”

En effet, il y a un équilibre à trouver entre le respect des envies et des convictions de l’artiste, et la direction artistique, qui joue le rôle de garde-fou. Le but du DA va être de tout faire pour guider l’artiste dans le développement de son projet musical, lui permettant ainsi d’atteindre les objectifs qu’il s’était fixés.

Cette collaboration peut faire peur aux artistes qui craignent de se faire imposer des choses mais il faut vraiment chercher la compatibilité dans le travail. Il est crucial de bien choisir ses partenaires de travail et particulièrement la maison de disques qui devient le représentant de l’artiste face aux stores digitaux et physiques. Avant de faire son choix, il faut se renseigner et passer du temps avec les personnes qui vont bosser sur le projet. Ça passe par une rencontre et des discussions qui permettront d’apprendre à connaître le DA. Il faut voir si les idées vont ensemble, s’il te comprend, s’il a les connections pour t’aider à réaliser ta proposition artistique.

| Voir aussi : Groover Tips : Comment bien choisir son label et son contrat ?

Allebou confie qu’il ressent le besoin d’avoir l’avis extérieur d’un directeur artistique, car selon lui un artiste peut se sentir seul dans sa vision. Le DA va aider à donner une direction autant dans l’identité audio que l’image.

Pauline Raignault : “C’est ça qu’il faut aller chercher chez un DA. C’est : qu’est qu’il va t’apporter que toi tout seul t’es pas capable de faire’

4. Pourquoi l’image et le son sont indissociables dans un projet musical ?

L’image d’un projet musical est un élément hyper important pour la carrière d’un artiste, c’est ce qui permet au public de s’identifier et d’adhérer au projet musical. Il faut explorer tous ces contours, même si la musique reste la priorité. Si tout se passe sur l’image du projet musical, c’est que le projet n’a pas d’identité audio. Tout miser sur l’image pourrait fonctionner pour un ‘one shot’ mais ne va pas suffire pour le long-terme.
Dans un projet musical, il faut donc travailler autant l’identité sonore que l’identité visuelle.

5. Comment concilier l’identité de l’artiste et la vision à long-terme ?

De nos jours, on essaye de travailler avec les artistes sur le long-terme. Il y a beaucoup moins d’objectifs de ‘one shot’ où le contrat concerne uniquement un single.

La tendance est plutôt à la signature d’un artiste sur sa carrière (un contrat d’artiste sera sur minimum 3 ans). Le DA va donc s’assurer qu’il peut réaliser un minimum de projets sur 3 à 5 ans avec l’artiste en face. Sinon il n’aura pas intérêt à signer.

Le rôle du directeur artistique est d’explorer ce qui peut se passer par la suite et comprendre le fond d’un projet musical. Il y a une vraie importance quant à la profondeur de l’artiste : est-ce que l’artiste propose un travail en surface ou est-ce qu’il arrive à se livrer sur sa vie perso et vit chacune de ses interprétations.

6. Quels sont les autres éléments évalués par le directeur artistique ?

Pour Pauline Raignault les points les plus importants sont :

• Le type de rap que l’artiste fait
• Les valeurs ajoutées de l’artiste
• Ses points forts
• Sa marge de progression sur ses faiblesses
• Ce qu’il y a à améliorer et comment
• La technique 

Elle compare cette évaluation à un SWOT qui résume les forces, faiblesses, opportunités et menaces de l’artiste. Ça peut paraitre froid comme approche mais c’est nécessaire pour répondre aux attentes de l’industrie musicale. Les directeurs artistiques sont capables d’associer cette évaluation avec la sensibilité émotionnelle de l’artiste.

Pauline Raignault avait conseillé à Allebou de garder son identité et faire ce qu’il sait faire de mieux, le kickage. Il a suivi son conseil en sortant un morceau dans cette direction et n’a pas regretté, c’est le morceau qui comptabilise le plus de streams sur son profil Spotify aujourd’hui. Elle lui a recommandé de travailler ses skills de mélodie, topline, refrain, écriture avec de la profondeur pour pouvoir diversifier ses compétences et ses propositions dans le futur.

| Voir aussi : Comment faire la différence avec ses morceaux ?

Il y a une très grande importance de la temporalité dans l’industrie musicale actuelle. Ça passe par un rythme adapté de contenu et de sorties. ll faut sortir du lot tout en gardant un cadre à chaque freestyle/performance pour teaser les gens et garder une cohérence globale. 

L’artiste doit pouvoir trouver une harmonie entre le contenu et son projet de fond. Il faut travailler chaque freestyle posté sur les réseaux de A à Z pour qu’ils soient tous alignés. Pauline conseille aussi d’intégrer le public dans ses décisions pour le fidéliser et ne négliger personne. Elle préconise d’éviter les projets musicaux qui partent dans tous les sens. Il faut se tester au début pour savoir ce qu’on fait de mieux et après il faut aller dans cette direction sans s’éparpiller.

7. Qui peut faire le travail du directeur artistique si tu es artiste indépendant ?

D’après Pauline, la meilleure des solutions serait de te constituer un panel de gens autour de toi et de récolter leurs avis. Idéalement, les personnes du panel n’ont pas les mêmes influences mais écoutent le même genre de musique que ton projet. Demande leur d’être critique en justifiant et en argumentant. C’est ce qui te permettra de corriger certains aspects. Évite de demander uniquement à des ‘potes fans’ qui vont uniquement te dire ‘C’est lourd !’

Envoie ton morceau sur Groover pour recevoir des feedbacks constructifs sur ta musique en moins de 7 jours.

Pour Allebou, ce qui est le plus compliqué, c’est peut être de savoir s’il doit sortir un titre ou non. Il raconte qu’il a décidé de sortir un titre qui ne l’avait pas forcément convaincu, ni son entourage – à part une personne. Il s’est rendu compte que ça ne lui ressemblait pas après la sortie.

Aujourd’hui les projets urbains sont plutôt liés au web, beaucoup se développent sans airplay, sans télévision. C’est un facteur à prendre en compte. Par exemple, pour le titre ‘On verra’, Nekfeu n’était pas forcément pour le sortir mais il a suivi les conseils de sa direction artistique qui étaient stratégiques par rapport au marché de la musique. Le titre est passé en radio massivement et ça l’a propulsé sur le devant de la scène.

| Voir aussi : Comment entrer en Label quand on est Artiste Indépendant  ?

8. L’évolution du métier d’artiste

De nos jours,  la pression du temps que les artistes ressentent est devenu un point critique du métier. Pourtant, ce n’est pas forcément une bonne idée de se presser et de sortir des morceaux tous les mois. Il faut tout aligner : le concept, le fond, la forme et même les opérations de promo et marketing pour convaincre le public.

La meilleure stratégie serait de sortir du contenu pour exister sur les réseaux et développer sa fanbase tout en  travaillant en parallèle sur le vrai projet de fond. Par exemple, tu peux prendre une après-midi en studio où tu ne fais que des freestyles au format IGTV et tu auras ensuite plus de temps pour travailler le fond sur d’autres sessions.

Écoutez nos épisodes de podcast directement sur le Groover Blog

De nos jours, les artistes indépendants gèrent de nombreux aspects de leur carrière eux-même. Groover est un super allié pour t’aider à développer ton entourage et augmenter ta visibilité tout en recevant des retours objectifs et bienveillants sur ta musique.

L’article Quel est le rôle du directeur artistique en musique, ou DA ? est apparu en premier sur Groover Blog.

Créer de la musique n’a jamais été une mince affaire ; nombreux sont ceux à s’y être essayé. Et parmi tous ces musiciens et musiciennes passionné.e.s, la plupart – il faut l’avouer – n’ont pas réussi à se faire entendre. Les raisons sont multiples, mais la principale repose probablement sur le fait qu’ils n’ont pas su s’entourer, n’ont pas trouvé de structure, d’équipe – label de musique, éditeur, manager – pour garder le cap.

La musique, aujourd’hui encore plus qu’hier, n’est plus qu’une unique entreprise de création artistique. Elle est un business, un nid de compétences, qui regroupe en son sein bien d’autres types de savoir-faire ; qu’ils soient juridiques, économiques, promotionnels et passons. Conscient de cette réalité, vous devez dès lors former des alliances avec les professionnels de l’industrie de la musique qui vous permettront de vous y retrouver, de vous épanouir dans votre projet musical. Ça tombe bien, les labels de musique, ces structures spécialisées dans les domaines cités, sont là pour vous. Et votre porte d’entrée en label c’est l’A&R, responsable de la signature de nouveaux artistes.

1. Comment trouver et signer avec un label de musique adapté à son projet ?

Malgré le ton grinçant de cette introduction, intégrer un label de musique est amplement possible. D’abord, parce que les structures indépendantes (de qualité) bourgeonnent en France. Ainsi, comme nous vous l’expliquions dans notre article Comment contacter les journalistes musicaux ?, la première étape est de se familiariser avec cet univers et ses composantes, dans l’idée de s’adresser aux personnes qui pourront être sensibles à vos productions musicales – exactement à la façon dont les médias sont guidés par leur ligne éditoriale. Toute cette préparation, cette recherche du bon interlocuteur en somme, constitue donc le point de départ, essentiel, pour tout ce qui arrivera après. Il n’y a pas de marche à suivre type pour y parvenir, mais dites-vous bien que, (quasiment) derrière chaque chanson, se cache le nom de celui ou celle qui l’a produit — en gros, d’un contact possible dans la musique.

Sur Groover, nous avons réuni plus de 350 labels de musique, chacun avec ses propres goûts. Ils ne demandent qu’à recevoir vos chansons/projets musicaux, bien entendu, selon leur(s) style(s) de musique de prédilection. Envoyez leur vos démos de la meilleure manière possible pour augmenter vos chances de faire une bonne première impression. Via Groover, ils écouteront votre musique et vous feront un retour sous 7 jours, sinon vos crédits vous sont rendus… Vous n’êtes pas à l’abri de la belle surprise d’un RDV ou même d’une proposition de signature, c’est déjà arrivé pour plus de 1000 artistes sur la plateforme !

Vous cherchez à signer avec un label ? ⬇️

Trouver un label de musique pour développer son projet musical via Groover

Maintenant que vous savez à qui glisser votre musique, jetons un œil à ce que vous devez fournir aux labels de musique que vous contactez. Il va sans dire que vous devez absolument avoir quelque chose à présenter — pourquoi pas en les invitant à lorgner sur vos réseaux sociaux, votre page SoundCloud, YouTube, Spotify et tout autre moyen d’accéder à votre musique. Et pour les musiciens en quête de followers, vous pouvez lire notre article dédié à Instagram 👈

Le principe est presque le même que pour rentrer en contact avec les journalistes, le dossier de presse en moins : il faut créer un intérêt de la maison de disque, du label à votre égard, votre profil. Un bon moyen de susciter l’intérêt des labels de musique étant évidemment de développer votre fan base et de générer beaucoup de streams sur Spotify.

| Voir aussi : Spotify for artists : comment générer des streams sur Spotify ? 

Nourrissez vos échanges avec votre interlocuteur, en leur envoyant perpétuellement vos nouveaux morceaux ; le but de cette manœuvre est de séduire le label de musique, que celui-ci garde un œil sur votre évolution, jusqu’à ce qu’il propose de vous produire. La suite est une histoire de contrats ; nous y reviendrons. Ne soyez pas trop pressé, et soyez malin. Tout refus ne doit pas vous miner le moral. Si ce n’est pas avec untel, un autre pourrait être partant pour vous accompagner. Encore une fois, tout est une question de sensibilité artistique. La différence se fera sur la pertinence du choix de vos accompagnants. Pour élargir le cercle, vous pouvez aussi envoyer votre morceau à plus de 350 labels sur Groover.

| Écouter notre podcast : Comment bien choisir son label et son contrat ?

2. Se créer un réseau solide

Un réseau ça se cultive. C’est pas un gros mot, non, tout est bon pour arriver à ses fins, tant que ça ne fait de mal à personne. Avoir un bon réseau c’est s’assurer que les bonnes personnes – comme des directeurs artistiques de Def jam ou de Warner music france, un producteur artistique de renom, le boss de ce nouveau label en passe d’exploser ou même le patron d’Universal pourquoi pas – vous donnent l’impulsion dont vous avez besoin pour percer. 

Dans le secteur de la musique, il existe des moments où toutes ces personnes sont plus accessibles. Tôt ou tard, il va falloir quitter le home-studio et aller serrer des pinces ! Vous pouvez le faire dans le cadre du MaMA Festival par exemple, plus grand rassemblement de l’industrie du disque. Les maisons de disques, les majors, les tourneurs, les attachés de presse, les managers, toute la crème des musiques actuelles en somme. 

Vous pouvez aussi aller dans des festivals ouverts à la nouvelle scène, comme le Printemps de Bourges qui organise un tremplin très suivi des pros. Vous y croisez des auditeurs et qui sait, peut-être un musicien, un ingénieur du son, un pianiste, un dj producteur ou un guitariste qui serait prêt à collaborer avec vous. C’est un moment idéal pour ce genre de rencontre. Produire un disque, c’est aussi une histoire de collaboration, de synergie, c’est important au delà même de votre envie d’intégrer un label discographique comme Believe Digital, ça peut mener votre musique encore plus loin. 

Que vous cherchiez à rencontrer celui qui va organiser vos tournées ou le directeur artistique du label musical en vogue en ce moment, un conseil : allez sur le terrain. Envoyer des DM c’est bien mais les retours ne sont pas optimaux. Il faut se déplacer en personne !

3. À quoi sert un label de musique ? 

Partons du principe que, ça y est, un label de musique veut vous signer. Ce dernier peut vous proposer plusieurs types d’aides — selon ses moyens. Ces « moyens », peuvent d’abord être d’ordre financier. C’est-à-dire, qu’ils payeront à votre place, par exemple, des sessions de studio, des ingénieurs du son ou toutes autres personnes supplémentaires intervenant sur votre musique ; c’est ce qu’on appelle le processus de production. Aussi, tout ce qui est en rapport avec votre image, de la réalisation d’un clip à des photos prises par un professionnel. Un label de musique vous permettra également de gagner de l’argent, c’est ici qu’apparaît son caractère juridique. Par cette notion, nous parlons de vos droits en tant qu’artistes ; comme la propriété intellectuelle et les droits d’auteurs ; deux prestations émises par, la fameuse SACEM, et la moins connue (mais tout aussi importante), ADAMI. Évidemment, ce point ne se fera pas sans l’intervention d’un spécialiste ni sans votre accord. Gardez bien en tête pour vos futures négociations, qu’avec votre qualité d’artiste, vous êtes le rouage essentiel de cette mécanique.

| Voir aussi : Tout savoir sur les droits en musique – droits éditoriaux, droits phonographiques et droits de synchronisation

Aussi, votre maison de disque vous aidera pour toute la promotion de votre musique. De nouveau, les possibilités sont éparses et oscillent (ou se cumulent) entre engager un.e attaché.e de presse, faire appel aux services d’un.e journaliste pour écrire votre bio, démarcher des médias ou tout autre support pour faire de la publicité… Les moyens sont nombreux, et ne cessent de croître — vous rappelez-vous de la campagne publicitaire de PNL pour leur album Deux Frères ? Et concernant les concerts ou toutes prestations live, le nerf de la guerre ? De nouveau, c’est votre maison de disque qui pourra s’en charger, faisant cette fois appel à son réseau de tourneurs/bookers. Le merchandising ? C’est encore le label de musique qui peut vous aider à fournir ce service. La distribution physique et en ligne de votre musique ? C’est toujours eux qui pourront s’en occuper — quel que soit leur statut, indépendant ou non, renommé ou pas. En tout cas, ne prenez pas peur : c’est vous qui aurez le dernier mot, avec plus ou moins de largesse de manœuvre. Tout dépend du type de contrats que vous aurez signé, au début de votre collaboration.

| Lire aussi : Label indé ? Major ? Type de contrat ? Que peut vous apporter un label de musique ?

Comment bien choisir son label de musique et son contrat ? Groover Tips

4. Les contrats d’artiste et de licence

Voici les trois principaux types de contrats que vous pourrez trouver. D’abord, le plus populaire, le contrat « d’artiste » — ou contrat « d’enregistrement exclusif ». Ici, le label de musique mettra la main à la poche pour tout ce qui concerne les frais d’enregistrement, la publication et la diffusion de votre musique. Aussi, il gérera tout ce qui se rapporte au marketing et à la promotion. Il pourra également vous accompagner dans la création, via un directeur artistique.

À propos de votre rémunération, elle se basera sur des cachets pour vos séances d’enregistrement, et sur un pourcentage des revenus que vous aurez généré grâce à votre musique — comme celui sur vos ventes de disques. C’est ce qu’on appelle les « royalties », et le pourcentage varie selon la renommée de l’artiste, ou, selon la négociation initiale. Souvent, un artiste touche entre 5 et 20 %. Dans ce contrat d’artiste, vous stipulerez aussi de la durée qui vous lie à votre producteur (habituellement, 2 ou 3 ans), ainsi que le nombre de projets musicaux (albums, EP, etc.) que vous lui devez, qui, pour la plupart des cas, ne dépasse pas les 2.

L’avantage ici, est simplement que vous n’avez rien à payer de vous-même pour votre musique : de l’enregistrement à la distribution, tout le processus est pris en charge. L’inconvénient, c’est que vous toucherez une petite somme par rapport à la totalité des probables bénéfices engendrés, et que vous ne serez pas propriétaire de vos enregistrements (aussi appelé les « masters »).

Maintenant, le contrat de licence, sans doute le plus important aujourd’hui, dans cette ère d’auto-production. Il traite de tout ce qui est en rapport avec la vente de votre musique. Pour accéder à ce dernier, il y a deux cas. Le premier : vous avez signé un contrat d’artiste ; l’intégralité de cette prestation sera déjà prise en charge par le label de musique avec lequel vous êtes unis. Le second : vous vous êtes auto-produit, et vous avez donc un disque fini — dont vous êtes le propriétaire.

Dans cette deuxième hypothèse, votre maison de disque n’aura plus un rôle de producteur, sinon d’éditeur. Elle s’investira alors exclusivement dans les domaines de la promotion, la communication et le marketing. Il est important de souligner ici, qu’après la ratification de ce contrat, vous accordez à votre maison de disque, pour une durée déterminée, la possibilité de reproduire, fabriquer et communiquer sur vos enregistrements — vous lui accordez une licence en somme. Vous l’aurez compris, l’utilité de cette démarche est de maximiser les ventes de votre musique en la diffusant massivement, sur tous supports, grâce aux contacts et à l’expertise de votre label de musique. Par contre, si cela ne marche pas, les pertes seront conséquentes, vu que vous aurez déjà financé tout le processus de création avec vos économies.

5. Le contrat de distribution

Comme son nom l’indique, ce contrat lie l’éditeur et/ou le producteur au distributeur. Il vous permettra donc de faire appel à des spécialistes, qui auront pour mission de rendre accessible votre musique, que ça soit de façon physique (via des disquaires indépendants, les grands magasins…), ou digitale (Spotify, Apple Music, Deezer, YouTube Music et autres services musicaux). Là encore, le distributeur achète un produit fini, prêt à être commercialisé. Pour se rémunérer, il prendra une marge sur le prix en gros (de votre musique). Si vous avez un contrat d’artiste, ce processus est compris dans le contrat ; pareil pour les contrats de licence.

| Voir aussi : Comment distribuer au mieux sa musique et quel distributeur choisir ? 

Enfin, si vous vous êtes auto-produit et que vous avez donc géré les aspects artistiques et commerciaux, ce dernier contrat est fait pour vous. Il vous permettra de rendre accessible votre musique, et vous en tirerez (presque) tous les bénéfices, sans rien reverser à la maison de disque. Cette entreprise est très compliquée, et est principalement réservée aux compositeurs déjà bien installés dans le milieu. Pire encore qu’avec le contrat de licence, si ça ne marche pas vous perdrez gros, très gros !

Pour résumer tout ça, et vu la période que nous vivons, ce moment où la création n’est plus réservée à une élite et où l’on peut produire à (presque) moindre coût, le contrat de licence semble le plus adapté. Toutefois, pour débuter et vous construire une base solide avec un label de musique qui vous inspire confiance, nous vous conseillons le contrat d’artiste. Vous gagnerez certes moins, mais vous pourrez vous concentrer quasiment exclusivement sur la création de musique — faites tout de même très attention à la durée de votre union. Et si L’Amour dure trois ans parlait finalement d’un contrat d’artiste ?

6. Quelques exemples et contacts des meilleurs labels de musique indépendants

De nombreux labels de musique indépendants de qualité sont disponibles sur Groover et déjà plus de 1 000 artistes ont signé avec des labels de musique suite à leur rencontre sur Groover, c’est plus qu’une possibilité, une vraie opportunité. Tu peux les découvrir et les contacter dès maintenant.

• Cracki Records

La ligne artistique du label Cracki Records est variée, fonctionne au coup de cœur, et a pour volonté de proposer un large panel musical, éclectique et de qualité. Un laboratoire donc, mais aussi un tremplin: l’accompagnement et le développement de jeunes artistes en devenir est notre leitmotiv.

Styles de musique : electropop, indie pop, indie rock, nu-disco, pop soul, psychedelic pop, synthpop, synthwave.

Artistes signés chez Cracki Records : Agar Agar, Saint DX, Alma Elste, GENTS, Lucien & The Kimono Orchestra, Mangabey, Yen Yen, Antonin Appaix et bien d’autres…

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• Colligence Records

Une équipe passionnée, qui défend une maison de disques et d’édition qui fournit aux artistes tout ce dont ils peuvent avoir besoin pour leur carrière. Leur équipe est composée d’un directeur de label, d’un responsable de la communication, d’un booker et d’un responsable marketing.

Styles de musique : tous les styles.

Artistes signés chez Colligence Records : Dimanche, Sacre, Söra, Poppy Moukoukenoff, Theophane, MAB, Babysolo33.

| Contacter Colligence Records

• Chinese Man Records

Label de musique indépendant créé en 2004.

Styles de musique : funk, hip hop, latin music, soul, rap, r&b.

Artistes signés chez Chinese Man Records : Chinese Man (High Ku, Sly, Zé Mateo), Taiwan MC, Scratch Bandits Crew, Deluxe, Baja Frequencia, Youthstar, Rumble, LeYan, Skoob le Roi, Tomapam…

| Contacter Chinese Man Records

• La Souterraine

Réseau pop underground français et francophone, publiant des compilations depuis 2014. La Souterraine est une association française créée par Benjamin Caschera et Laurent Bajon. Les créateurs de la structure la définissent comme « labo d’observation de l’underground musical français ». L’association exerce aussi l’activité de label de musique en publiant des compilations et des albums d’artiste pas ou peu diffusés. 2016 voit la publication d’un disque hommage à Mathieu Boogaerts. En janvier 2019, La Souterraine héberge 700 artistes (190 compilations, 2 000 chansons) sur sa plateforme Bandcamp et revendique 50 000 utilisateurs uniques.

Styles de musique : tous les styles.

| Contacter La Souterraine

• Jeune à Jamais

Jeune à Jamais développe un catalogue musical urbain à l’esthétique unique. Label de musique, éditeur, découvreur de talents et superviseur musical, Jeune à Jamais rêve d’être le reflet d’une génération. JAJ est une structure rattachée à la maison d’édition Alter K.

Styles de musique : urbain.

Artistes signés chez Jeune à Jamais : Andie Luidje, Jo Le Pheno, Marty de Lutece, Nodey, Pehoz, Roseboy666, Sali, Ucyll & Ryo, Wit., Zuukou Mayzie.

| Contacter Jeune à Jamais

• Cookie Records

Un label de musique et des playlists pleines de bonnes vibrations.

Styles de musique : disco, electro, french house, nu-disco.

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| Pour aller plus loin, écoutez notre épisode de podcast :
Comment bien s’entourer ? Groover Tips

Pour contacter des labels et être sûr.e d’obtenir une réponse, c’est par ici sur Groover 

Pour découvrir la liste de tous les labels de musique que tu peux contacter sur Groover, avec une réponse sous 7 jours ou tes crédits rendus, c’est par là

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Tous les mois, Ismaël reçoit un professionnel de la musique ainsi qu’un jeune artiste pour tenter de décoder les rouages d’un milieu aussi opaque que fascinant. Pas de recette miracle pour le disque d’or mais quelques tips pour vous frayer un chemin dans la matrice💡

Dans cet épisode #5,
🔥 Groover Tips approfondit le sujet Comment bien choisir son label et son contrat ? 🔥

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Pour répondre à cette question, Ismaël (au centre de la photo) a interviewé Louise Bouchoucha, directrice du label 386 Laboratoire (à gauche de la photo), et le rappeur Student Kay (à droite de la photo).

Groover Tips #4 – Comment bien choisir son label et son contrat ? Avec Student Kay et Louise Bouchoucha

| Découvrez le podcast également sur le site du Poste Général

Découvrez le freestyle de Student Kay 👇

[su_youtube_advanced url= »https://www.youtube.com/watch?v=g–IiMaI2FM&list=PLfJTS3MOTKStUG0A3_XMo12rhwJ-_KBhz&index=1″ title= »Student Kay – Freestyle pour Groover Tips »]

Louise Bouchoucha, Ismaël Mereghetti et Student Kay

Rendez-vous dans un mois pour le prochain épisode de Groover Tips. En attendant, retrouvez ‘Comment financer son projet?’

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